Desde que Sonic saltase a la palestra en la flamante 16 Bits de Sega, conocida como MegaDrive en nuestras tierras, hace ya diecisiete años, el erizo azul, estandarte de la compañía nipona desde entonces, ha trascendido al mundo del los videojuego para recibir un buen número de adaptaciones que se han limitado al cómic y a la pequeña pantalla, como 'Las aventuras de Sonic el erizo' (1993) o la más reciente 'Sonic Boom' de la cadena Cartoon Network.

Aunque la idea de hacer saltar al personaje a la gran pantalla lleva barajándose una buena temporada —recordemos que en 2014 Sony Pictures anunció un proyecto que terminó cayendo en saco roto—, hemos tenido que esperar hasta este este año para confirmar que, en efecto, Sonic tendrá su propia película. Un largometraje que mezclará el CGI con la acción real y que llegará a nuestras pantallas de la mano de Paramount Pictures antes de lo esperado.

Como ya os contamos el año pasado, el director de 'Deadpool' Tim Miller se unió al proyecto cuando aún era propiedad de Sony haciendo las veces de productor ejecutivo; puesto que continúa ocupando durante esta recta final de la producción. En cuanto a la dirección, el encargado de dar vida al bueno de Sonic será el debutante Jeff Fowler, nominado al Óscar a mejor cortometraje en 2005 por el filme 'Gopher Broke', producido por el propio Miller.

Con un guión de Pat Casey y Josh Miller, y con Toby Ascher, Dmitri Johnson, Dan Jevons y Neal H. Moritz completando el plantel de productores, Sonic desembarcará en las salas de cine el 15 de noviembre de 2019. Esperemos que no forme parte de ese nutrido grupo de abominables largometrajes basados en videojuegos y haga justicia a este icono de la cultura popular.

Donald Trump ha encontrado el verdadero problema de la violencia en Estados Unidos. Y no son las armas de fuego; es la violencia plasmada en los videojuegos y las películas. Puede sonar a una parodia, a un sketch del Saturday Night Live, pero es la triste realidad. Es la opinión que ha expresado públicamente el Presidente de los Estados Unidos de América:

"Estoy oyendo a más y más gente decir que el nivel de violencia en los videojuegos está moldeando realmente las mentes de los jóvenes. Y entonces das un paso más, y son las películas. Ves las películas y son muy violentas, y aun así, un niño puede verlas si no hay sexo. Pero hay asesinato, y quizá debería haber un sistema de valoración para eso.

Y te metes en un asunto muy grande y complicado. Lo cierto es que te llegan películas que son muy violentas, con las muertes y todo lo demás, y quizá ésa sea otra cosa que necesitamos discutir. Mucha gente está diciendo que tienes estas películas hoy en día que puedes ir a ver con un niño y son muy violentas y repugnantes, así que quizá vamos a tener que discutirlo."

Al parecer, Donald Trump no sabe que en el cine ya existe un sistema de valoración que establece la edad adecuada o recomendada para ver una película (también lo hay para los videojuegos).

Por eso en Hollywood realizan tan pocas películas para adultos, porque la MPAA (Motion Picture Association of America) les planta la temida "R" y las familias con niños no pasan por taquilla. La mayoría de blockbusters limitan la violencia o el sexo que aparece en pantalla para poder obtener el sello "PG-13" (para mayores de 13 años) y atraer a los adolescentes.

Dicho eso, Trump sabe que tiene algo de razón en lo que afirma, hay un problema aunque no es el que ha apuntado. Puede que haya "mucha gente" preocupada con la violencia de las películas pero existe la MPAA para regular el acceso a esa violencia; el problema es que la labor de asociación cuanto menos discutible.

A la hora de evaluar si una película es para menores o mayores de edad, la MPAA da más peso al "lenguaje inapropiado" que a la cantidad de violencia en pantalla. Uno de los casos recientes más famosos es el de 'El discurso del rey' ('The King's Speech'): originalmente iba a recibir la "R" pero al reducir los "fucks" ("joder") se cambió a PG-13. La misma calificación que tienen 'El caballero oscuro' ('The Dark Knight') o 'Venganza' ('Taken'), por citar sólo un par de títulos.

Así que el sistema de clasificación por edades debería revisarse, pero hay uno, y en todo caso, ésa no es la cuestión. La cuestión es: ¿hay una relación directa entre la violencia en el cine y la violencia real? O dicho de otro modo: ¿ver películas MUY violentas te convierten en un asesino? Todos los que llevamos décadas viendo películas violentas o muy violentas, y no hemos matado a nadie, sabemos que no. No hay ningún estudio científico que establezca un vínculo entre la violencia en el cine o los videojuegos y los asesinatos reales. Y es que sabemos establecer la diferencia.

Jan Wahl: ¿Por qué esa necesidad de tanta violencia gráfica?

Quentin Tarantino: PORQUE ES MUCHO MÁS DIVERTIDO, JAN.

-Oh, ¿de verdad? Me gustaría verte salir a la calle y que te atacaran unos niños que acaban de ver tu película.

-Ah, Jan, estás muy confundida, estás hablando de la vida real. Si quieres hablar de la película, hablamos de la película. Si quieres hablar de la vida real, hablamos de la vida real.

-¿Y los niños de 12 años pueden ver la diferencia? Dile eso a sus padres, Quentin.

-Yo podía. Yo veía todas las películas en las que me estoy basando.

-Y mira lo maravilloso que has salido.

-Sí, los niños van a un cine y pueden ver la diferencia. Quizá tú no podías, pero yo sí.

Por otro lado, y volviendo a las palabras de Donald Trump, en todas partes vemos las mismas películas violentas y jugamos a los mismos juegos violentos que en Estados Unidos. Sin embargo, en ningún país del mundo hay tantas muertes por armas de fuego como en Estados Unidos. Sería interesante que el señor Trump respondiese a este enigma.

Por cierto, Forbes apunta que Trump recibió 30 millones de dólares de la NRA (la Asociación Nacional del Rifle) durante la campaña electoral. Y ahora dice que si hay profesores armados se pueden evitar matanzas como la ocurrida recientemente en el instituto de Parkland (Florida). Suena al argumento de una película, ¿no? Trump quiere profesores como los de 'El rector' ('The Principal') o 'El sustituto' ('The Substitute'). Pero ganó las elecciones, es el Presidente. Quizá sí que hay "mucha gente" que piensa como él:

Tras descubrir los detalles sobre la edición doméstica de 'Star Wars: Los últimos jedi', volvemos con más novedades sobre la saga de fantasía creada por George Lucas. Recordemos que J.J. Abrams toma el relevo de Rian Johnson y está ocupándose del Episodio IX que cierra la actual trilogía de 'Star Wars'; a su paso por el talk show de Stephen Colbert no pudo evitar referirse al proyecto.

Abrams declaró que ya existe un guion del Episodio IX aunque todavía lo está retocando en colaboración con Chris Terrio, al que califica de "genio" (ganó un Óscar por escribir 'Argo', también es guionista de 'Batman v Superman' y 'Liga de la Justicia'). No dio más detalles aunque confirmó que el rodaje arrancará este verano:

[a partir del minuto 4]

"Tenemos un guion, lo cual es muy importante para mí. Comienza a filmarse a finales de julio... No siempre he tenido la fortuna de contar con el guion antes de rodar... Pero estoy escribiendo esto con Chris Terrio, que es un genio, y lo estoy pasando fenomenal."

Cuando dice que no siempre ha tenido un guion antes de rodar, se refiere al menos a 'Star Trek en la oscuridad' y a 'Star Wars: El despertar de la fuerza' (el accidente de Harrison Ford durante el rodaje le permitió trabajar en el guion). Después de las arriesgadas decisiones que tomó Rian Johnson en 'Los últimos jedi', provocando la indignación de una parte de los fans, será muy interesante ver cómo Abrams recupera a los personajes en el Episodio IX y cierra la historia de la trilogía. Al parecer, su ambicioso objetivo es que su película sea la culminación de las tres trilogías.

Pero todavía queda más de un año para poder ver el Episodio IX (se estrena en diciembre de 2019). La próxima película de la saga que llegará a los cines es 'Han Solo: Una historia de Star Wars', dirigida por Ron Howard. El primer tráiler de este nuevo spin-off no despertó el entusiasmo habitual y por eso un fan ha decidido ofrecer un montaje alternativo al ritmo de 'Sabotage', el temazo de Beastie Boys. El resultado es espectacular:

¿Qué opinas? ¿Te parece mejor este tráiler o el oficial? 'Han Solo: Una historia de Star Wars' llegará a las carteleras el 25 de mayo.

Hace una temporada rendíamos homenaje a Andy Serkis, clamando a la academia de cine norteamericana que le otorgase de una vez el merecido reconocimiento a su carrera que se ha ganado a pulso. Con la gala de los Oscars 2018 a la vuelta de la esquina, nos parece el momento oportuno para reivindicar a uno de los grandes ausentes entre la lista de nominados de este año; un intérprete que podríamos catalogar como una suerte de homólogo analógico de Serkis, capaz de traer a la vida a las más diversas criaturas ocultando su identidad tras interminables capas de látex y maquillaje.

Estamos hablando de Doug Jones, cuya silente interpretación del hombre anfibio se alza como una pieza fundamental en la maravillosa 'La forma del agua' de Guillermo del Toro. Pero, mucho antes de enamorar a medio mundo —y al personaje de Sally Hawkins— con su último papel, la trayectoria de Jones ya nos había regalado un buen puñado de —monstruosas— apariciones en la gran y pequeña pantalla, entre las que se encuentran las 13 que os ofrecemos en la siguiente lista.

El Fauno ('El laberinto del Fauno')

Cómo no, era necesario dar el pistoletazo de salida a esta recopilación con uno de los papeles más memorables de Doug Jones: el Fauno diseñado por Guillermo del Toro y materializado por el estudio de efectos especiales catalán DDT, ganador del Oscar al mejor maquillaje por su espléndido trabajo en el filme del cineasta mexicano. Un trabajo sobresaliente en lo interpretativo y lo plástico que la fotografía de Guillermo Navarro termina de elevar hasta lo mágico.

El Hombre Pálido ('El laberinto del Fauno')

Nada más y nada menos que cinco horas de trabajo eran las que necesitaban los miembros del estudio DDT para caracterizar a Doug Jones como El Hombre Pálido de 'El laberinto del Fauno', la temible criatura ciega devoradora de niños. Una creación más propia del cine terror que de la fábula fantástica y cuyos movimientos y actitud, según el propio Jones, son herederos del zombi clásico del cine de George A. Romero.

Abe Sapien ('Hellboy II - El ejército dorado')

Aunque el personaje de Abe Sapien ya apareciese en la primera adaptación de 'Hellboy' que Guillermo del Toro realizó para la gran pantalla, resulta más acertado mencionar la labor de Jones en su secuela por una sencilla razón: en 'El ejército dorado', además de prestar su cuerpo para interpretar al anfibio, se le permitió también dotarle de su voz —en la anterior película esto fue responsabilidad de David Hyde Pierce—.

Hombre anfibio ('La forma del agua')

Hablando de batracios, como era de esperar, no podíamos pasar por alto el papel que nos ha invitado a confeccionar esta lista; el de un hombre anfibio sin nombre —en el set de rodaje de 'La forma del agua' se le conocía como Charlie— que nos ha robado a muchos el corazón y cuyo proceso de caracterización le costaba a Doug Jones tres horas diarias enclaustrado en la sala de maquillaje. Si duda, uno de los trabajos más especiales de su carrera.

Lady Sharpe ('La cumbre escarlata')

En la fantástica 'La cumbre escarlata', Doug Jones, además de hacer una breve aparición como el fantasma de la madre de Edith, da vida al terrorífico fantasma de Lady Sharpe, creado por los mismos artistas con los que trabajó en 'El laberinto del fauno'. Para el recuerdo quedan las grotescas escenas del pasillo y, especialmente, la de la bañera, en la que Jones afirma haber sacado su lado más femenino para tratar de no parecer tan sólo un hombre con un disfraz de goma interpretando a una mujer.

Long John #2 ('Mimic')

Hasta el momento no nos hemos alejado de la filmografía de Guillermo del Toro, recorriendo un amplio número de colaboraciones entre el mexicano y Jones. No obstante, el filme que les unió profesional y personalmente —su amor mutuo por los monstruos del cine clásico creó un fuerte vínculo entre ellos— fue 'Mimic', el primer trabajo del dúo en el que Dougie —así le llama del Toro en set— se puso en la piel de uno de los horripilantes insectos mutantes antagonistas.

The Ancient ('The Strain')

Para terminar con los trabajos de Doug Jones para Guillermo del Toro nos vemos obligados a saltar al medio televisivo; concretamente a la serie 'The Strain', en la que el actor interpretaba a uno de los siete vampiros originales según la mitología creada por el mexicano y por Chuck Hogan. La idea inicial era que Jones tuviese más peso en el show, pero su compromiso con la también catódica 'Falling Skies' lo impidieron.

Gentleman ('Buffy Cazavampiros' - 'Hush')

Sin abandonar la televisión, retrocedamos hasta el año 2002, momento en el que la eterna 'Buffy Cazavampiros' emitió el décimo episodio de su cuarta temporada bajo el título de 'Hush'. Uno de los capítulos más celebrados del show de Joss Whedon en el que Doug Jones interpretó a uno de los Gentlemen: unos monstruos que han robado las voces de los habitantes de Sunnydale para evitar que griten cuando les arranquen el corazón.

Saru ('Star Trek: Discovery')

El trabajo más reciente para la pequeña pantalla de Jones es en la nueva etapa de la mítica space opera 'Star Trek', subtitulada como 'Discovery' y estrenada el pasado 2017. En ella, el actor se pone en la piel de Saru, un tripulante de la nave que da nombre a la serie perteneciente a la raza de los Kelpianos, una especie nueva en el universo trekkie; algo que le viene de perlas al intérprete para gozar de libertad al no verse limitado por el canon.

Thin Infected Man ('Quarantine')

En el año 2007, Jaume Balagueró y Paco Plaza nos quitaron el sueño con su irrepetible '[Rec]', cuya Niña Medeiros es una de las criaturas más horripilantes que ha dado el cine de género de los últimos años. En la fotocopia el remake norteamericano de este hito del terror cañí, fue Doug Jones el encargado de tomar el relevo de Javier Botet para convertirse en el "monstruo final" de este tren de la bruja en tiempo real.

Silver Surfer ('Los 4 Fantásticos y Silver Surfer')

Aunque no lo parezca, la traslación del icónico personaje de Marvel Cómics en la aberrante secuela de 'Los 4 Fantásticos' dirigida por Tim Story en 2007 oculta tras de sí algo más que unos cuantos efectos digitales obsoletos. Tras las toneladas de VFX se encuentra un Doug Jones irreconocible entre las capas de maquillaje y un cuerpo y rostro prostéticos, que tuvo que trabajar su postura corporal para resultar convincente como el heraldo de Galactus.

Billy Butcherson ('El retorno de las brujas')

Antes de que llegasen los anfibios, los fantasmas y los superhéroes, Doug Jones participó en su primera gran película de estudio bajo la piel muerta del zombi Billy Butcherson en 'El retorno de las brujas'. Una interpretación encantadora cuyo tono fue rebajado por el propio actor —según el guión, debía llamar "puta" a uno de los personajes; algo que no consideró oportuno—, quien hace poco reveló que las polillas que le salen de la boca no son ningún efecto especial, sino insectos reales.

The Ice Cream Man ('Legion')

He de confesar que 'Legión' —junto a 'El sicario de Dios'— es uno de esos placeres culpables que disfruto plenamente con el cerebro desconectado, algo que sería totalmente imposible si la película no atesorase, entre excesos y disparates, despuntes de calidad como el papel de Doug Jones como el grotesco hombre de los helados. Un diseño de personaje de lo más estimable para una película que, por mucho que me duela reconocerlo, es un auténtico despropósito.

Puede parecer una obviedad, pero el noble arte de la narración audiovisual esconde una complejidad aún mayor de la que aparenta, escondiendo elementos clave a la hora de construir un discurso en imágenes hasta en esas herramientas que, por prácticamente invisibles, pasan desapercibidas —no para todos— a pesar de llevar toda nuestra vida cinéfila frente a nuestros ojos.

Una de ellas, cuya historia, usos y efectos repasaremos a lo largo del siguiente texto, es la relación de aspecto —o aspect ratio en el idioma de Shakespeare—; un concepto que podríamos definir como la proporción existente entre el alto y el ancho de la imagen, expresado mediante la división de dos números —como 4:3 o 16:9—, con el resultado de las mismas en cifras decimales —4:3 equivaldría a 1.33—, o como una proporción —como 1.33:1, que representaría que la imagen es 1.33 veces más ancha que alta—. Pero vayamos paso a paso, y veamos cómo nace la relación de aspecto y cómo ha evolucionado hasta los estándares actuales.

La —breve y resumida— historia de la relación de aspecto

Podría concluirse que el primer aspect ratio fue ideado por el inventor y fotógrafo William Kennedy Dickson, trabajador del laboratorio del célebre Thomas Edison. Tras años de experimentación con los nuevos materiales sensibles de la época y en su afán de encontrar un tipo de película que pudiese proyectarse empleando un kinetoscopio —el precursor del cine moderno—, Dixon terminó dando con un prototipo de película de 35mm en la que cada imagen tenía una altura de cuatro perforaciones.

Este tipo de filme contaba con unas dimensiones de, redondeando, 2.4cm de ancho por 1.8cm de alto; medidas que tienen una relación de aspecto de 4:3 o, lo que es lo mismo, 1.33:1. El descubrimiento trascendió en 1909 gracias a la Motion Picture Patent Company, que convirtió este formato en el estándar para la industria cinematográfica de la época, hasta que los avances tecnológicos condujeron al inevitable cambio en la relación de aspecto.

El formato académico

Fotograma de 'Casablanca', concebida con una relación de aspecto de 1.37:1

La primera variación oficial de la relación de aspecto vino de la mano de la llegada del cine sonoro a finales de los años veinte, y estuvo relacionada con la distribución del espacio en la película de 35mm tras la adición en esta de la banda de sonido, localizada entre las perforaciones de la izquierda del filme y el margen izquierdo del fotograma, haciendo perder anchura a la imagen.

En 1932, la Academy of Motion Picture Artes & Sciences decidió que, para compensar esta deformación, la imagen debería estrecharse también de forma vertical, dando lugar a una relación de aspecto de 1.37:1 que, en 1937, sustituyó al 1.33:1 como el estándar cinematográfico bajo el nombre de "Academy Ratio", también conocida como "relación académica" o "cuadro académico". Pero, de nuevo, la evolución de la tecnología trajo consigo nuevas transformaciones.

La llegada del panorámico

Fotograma de 'La conquista del oeste' con el efecto de la proyección en Cinerama en pantalla curva

Llegó la década de los 50 y, junto a ella, la televisión. Poco a poco, la mal llamada caja tonta comenzó a arrebatar a las salas de proyección los afortunados espectadores que podían permitirse ver películas en la comodidad de su hogar a través de sus pantallas cuadradas en 4:3. Como medida de contraataque, la industria cinematográfica dio un golpe de efecto para tratar de devolver la público a sus butacas ofreciendo algo completamente novedoso: el formato panorámico.

El primer representante de la imagen panorámica fue el complejo Cinerama —fusión de las palabras "cinema" y "panorama"—, utilizado por primera vez en Broadway en 1952 en un espectáculo llamado 'This is Cinerama' y cuyo cénit fue la espectacular 'La conquista del oeste' —'How the West Was Won', George Marshall, 1962—. Este tipo de proyección utilizaba tres cámaras de 35mm que proyectaban simultáneamente a través de lentes de 27mm sobre una pantalla curva, dando como resultado una relación de aspecto de 2.59:1 al combinar la imagen de cada una de las cámaras, cuya altura de fotograma era de seis perforaciones.

Tanto el rodaje como la proyección en Cinerama eran procesos excesivamente costosos a nivel económico y complejos en lo que a técnica y logística se refiere. Por ello, en Paramount Pictures, conscientes de ello, decidieron apostar por su propio formato panorámico en pantalla plana. Su primer tanteo fue con el largometraje 'Shane' —George Stevens, 1953—, rodado en formato académico —1.37:1— y proyectado con una relación de aspecto de 1.66:1 recortando la imagen en las partes superior e inferior y ensanchándola sobre la pantalla.

La revolución anamórfica

Fotograma de 'La túnica sagrada', primera película rodada en CinemaScope

Los resultados con el 1.66:1 no fueron, ni mucho menos, satisfactorios. El ajustar el ancho del fotograma a las pantallas panorámicas se tradujo en una calidad de imagen deficiente y dominada por el grano a causa de la ampliación, continuando la carrera por hacerse con el formato panorámico perfecto con un movimiento de Twentieth Century Fox, que se alió con el creador del anamorfoscopio Henri Chrétien.

Este dispositivo, ideado por Chrétien en los años 20, distorsionaba la imagen horizontalmente mediante una lente anamórfica. Utilizando esta tecnología para rodar en película de 35mm con un fotograma de cuatro perforaciones de alto, en Fox concibieron el CinemaScope, sistema que permitía obtener relaciones de aspecto de 2.60:1 en la proyección y que debutó con la impresionante 'La túnica sagrada' —'The Robe', Henry Koster— en 1953. Esto derivaría, a través de modificaciones en la película causadas por la distribución de las bandas de sonido y la proximidad de los fotogramas entre sí en el 2.35:1 y el 2.39:1 que han perdurado hasta nuestros días.

El 1.85:1 y la VistaVision

Hasta el momento ya hemos conocido dos de los aspect ratios más utilizados —con sus variaciones— que han trascendido hasta nuestros días: el académico 1.37:1 y el 2.35:1. Pero, ¿cuándo nació el 1.85:1? Esta pregunta nos lleva de nuevo a Paramount Pictures donde, vistos los malos resultados del Cinerama y de su apuesta por el 1.66:1, decidieron continuar utilizando película de 35mm pero dándole al proceso una vuelta de tuerca. Concretamente, una de noventa grados.

En Paramount optaron por utilizar el material sensible existente de un modo un tanto diferente, rodando con un mecanismo horizontal en lugar de vertical en el que la anchura del fotograma sería de ocho perforaciones, dando lugar a una relación de aspecto de 1.85:1. A este sistema se le bautizaría como VistaVision, y fue utilizado por primera vez en 'Navidades Blancas' —'White Christmas', Michael Curtiz, 1954—, siendo empleado también en 'Los diez mandamientos' —'The Ten Commandments', Cecil B. DeMille, 1956— y en varios clásicos de Alfred Hitchcock como 'Vertigo' —1958— o 'Con la muerte en los talones' —'North by Northwest', 1959—.

Los grandes formatos

Fotograma de 'Lawrence de Arabia', rodada en Super Panavision 70

Más allá de los muchos formatos panorámicos nacidos en los 50 y sus relaciones de aspecto derivadas, la industria se dio cuenta de que debía darse un paso más allá y acompañar al 35mm de otros recursos de mayor ambición —y tamaño— para continuar explotando las cualidades de la gran pantalla. De este modo, el productor Mike Todd impulsó el desarrollo del Todd AO: un formato panorámico que empleaba película de 70mm cuyo fotograma tenía cinco perforaciones de alto y contaba con una relación de aspecto de 2.20:1, llegando a ser usado en grandes filmes como 'Sonrisas y lágrimas' —'The Sound of Music', Robert Wise, 1965— o 'Patton' — Franklin J. Schaffner, 1970—.

Por su parte, en Panavision se desarrollaron nuevos formatos como el MGM 65 de 'Ben-Hur' —William Wyler, 1959—, que utilizaba película de 65mm para generar una relación de aspecto de 2.76:1; o el Super Panavision 70, similar al MGM 65 pero utilizando lentes esféricas en lugar de anamórficas y con un aspect ratio de 2.20:1, usado en 'Lawrence de Arabia' —'Lawrence of Arabia', David Lean, 1962—.

Fotograma del tráiler de 'Los odiosos ocho', rodada en Ultra Panavision 70

En la actualidad, son muchos los realizadores que están apostando por los grandes formatos y sus espectaculares posibilidades en cuanto a relación de aspecto se refiere. Buena muestra de ello son, entre otras, 'Los odiosos ocho' —'The Hateful Eight', 2015— de Quentin Tarantino, rodada en 65mm con un aspect ratio de 2.76:1; 'Asesinato en el Orient Express' de Kenneth Branagh, rodada igualmente en 65mm con una relación de aspecto de 1.20:1 para sus proyecciones en 70mm; o 'Dunkerque', en la que Christopher Nolan volvió a trabajar con negativo de 65mm, ofreciéndose diferentes proyecciones cuyos aspect ratios variaban entre el 1:39.1 de las copias en 35mm hasta el inmenso 1.43:1, estándar de las salas de proyección IMAX.

La relación de aspecto y sus efectos en la narrativa

Martin Scorsese dijo en una ocasión que "El cine es una cuestión sobre lo que está dentro del cuadro y lo que está fuera". Esta brillante frase cobra especial sentido cuando hablamos de la relación de aspecto y relacionamos esta con la narrativa, pudiendo ser utilizada para, entre otras cosas, evocar distintas sensaciones sobre el espectador o manipular el espacio y el encuadre a favor del relato. Veamos algunos ejemplos de ello centrados en los diferentes aspect ratios aplicados en producciones contemporáneas.

 El poder del cuadro académico

Utilizar la relación de aspecto académica y sus derivados es una decisión que, en tiempos dominados por el formato panorámico, va mucho más allá de su obvio empleo para evocar épocas pasadas en pantalla. Podemos ejemplificar los efectos de los aspect ratio cuadrados a través de tres maravillosos filmes como 'El hijo de Saúl', 'Ida' y 'Mommy'; de 2015, 2013 y 2014 respectivamente.

En el caso del primero, ganador del Oscar a mejor película extranjera, la historia ambientada en el campo de concentración de Auschwitz en 1944 enmarca a su protagonista en un cuadro con una relación de aspecto de 1.37:1, asfixiante no sólo para Saúl —así se llama el personaje—, sino también para el espectador, a quien la falta de información en plano le obliga a imaginar las atrocidades que pueblan el fuera de campo, convirtiendo el visionado en una experiencia especialmente devastadora.

La polaca 'Ida', también ganadora de la estatuilla a mejor película extranjera —y que debió hacerse con la de mejor dirección de fotografía—, hace un uso ejemplar de una relación de aspecto de 1.33:1 para representar la posición de su protagonista frente a un mundo que no termina de comprender y en el que no encuentra un lugar para ella; aislándola, seccionando su cuerpo y arrinconándola durante todo el metraje para, finalmente, ofrecer un único plano encuadrado tradicionalmente cuando las cosas cambian.

El último caso que mencionaremos es el de la fantástica 'Mommy', que Xavier Dolan decidió rodar prácticamente de forma íntegra —más adelante trataremos esto— en un formato de 1:1; esto es, un cuadrado perfecto. Mucho se ha teorizado sobre los motivos tras esta decisión, pero nadie mejor que el propio director para arrojar luz sobre el tema:

"La gente ha estado intentando intelectualizar esto. Tan sólo quería rodar con una relación de aspecto que me permitiese estar muy cerca de mis personajes, evitar distracciones a la izquierda y derecha del encuadre y hacer que el público mirase a los personajes directamente a los ojos."

El panorámico y los grandes formatos: espectáculo en estado puro

Por norma general, asociamos los formatos panorámicos —dentro de sus múltiples variantes— con el innegable sentido del espectáculo del séptimo arte; algo estrechamente ligado con el tratamiento y la gestión del espacio. Es complicado imaginar los inmensos paisajes áridos de westerns como 'Hasta que llegó su hora' —'Once Upon a Time in West'— o las vastas extensiones interplanetarias de 'Star Wars' sin las dimensiones que ofrecen relaciones de aspecto como el 2.35:1.

Pese a que las normas en cuanto a realización cinematográfica se refiere estén para romperlas, el 1.85:1 tiende a asociarse erróneamente a largometrajes alejados de las grandes superproducciones centradas en el espectáculo audiovisual y los efectos especiales, siendo habitual en géneros que se creen menos exigentes visualmente hablando como puede ser la comedia y considerándose como una relación de aspecto óptima para cintas cuya acción se desarrolla en interiores.

No obstante, existen grandes excepciones a esta regla, demostrando que el 2.35:1 le sienta de maravilla a todo tipo de filmes de contar estos con una planificación bien estudiada; véanse casos como la embotellada 'No respires' de Fede Álvarez o 'Sin escalas' de Jaume Collet-Serra, cuyos metrajes transcurren en su mayoría dentro de una casa y en el interior de un avión respectivamente.

En lo que respecta a los grandes formatos y sus aspect ratios asociados ocurre algo parecido, siendo relacionados directamente con contenido espectacular y producciones particularmente ambiciosas. Ahí están Christopher Nolan y su inmersiva 'Dunkerque' —proyectada en 1.43:1 en su versión IMAX y en 2.20:1 en las proyecciones en 70mm y DCP—, o la fantástica 'Los odiosos ocho', en la que Quentin Tarantino demuestra que es posible ofrecer una dirección de fotografía espectacular en interiores rodando en Ultra Panavision 70 —2.76:1—.

Las relaciones de aspecto variables

Concluyendo nuestro repaso a través de las posibilidades narrativas que ofrecen, cabe mencionar los particulares —y atípicos— casos en los que, para bien o para mal, diferentes relaciones de aspecto se alternan de un modo u otro a lo largo de un mismo largometraje; práctica que, de ser ejecutada con torpeza, puede resultar de lo más molesta.

Este es el caso de 'Transformers: El último caballero', rodada en múltiples formatos y soportes, cuyo visionado resulta de lo más caótico al ir sucediéndose en pantalla planos con cuatro relaciones de aspecto diferentes a lo largo de sus dos horas y media de metraje, apareciendo bandas negras de distintos tamaños en la parte superior en inferior de la pantalla constantemente.

Existen otros casos en los que esta variación resulta más agradable y efectiva, aportando un extra de espectacularidad a las secuencias que así lo requieren. 'Interstellar' o 'El caballero oscuro: La leyenda renace' son buenos ejemplos de ello, variando Christopher Nolan entre el 2.39:1 predominante y el 1.78:1 —que gana imagen en las zonas superior e inferior de la pantalla— durante los pasajes con mayor despliegue visual.

En otras ocasiones, la relación de aspecto variable puede utilizarse para acompañar los cambios de época en los que transcurre un filme, como es el caso de 'El gran hotel Budapest' de Wes Anderson, —cuyos fragmentos ambientados en los años 30 tienen aspect ratio de 1.33:1, mientras que los que transcurren en los 60 y del 85 en adelante se proyectan en 2.35:1 y 1.85:1 respectivamente.

En último lugar, no podríamos dejar de lado el mencionado caso de 'Mommy', en la que Xavier Dolan ejecuta con maestría un cambio en la relación de aspecto que manipula a la perfección la emoción del espectador. En esta escena en concreto, del 1:1 en el que está concebida la inmensa mayoría de la cinta se pasa a un 1.85:1 con un gesto del personaje que parece ensanchar él mismo la imagen, respirando y cambiando completamente el tono y la atmósfera que le rodean.

Como hemos visto, la relación de aspecto, aún en constante evolución de la mano de los avances técnicos y los dispositivos de reproducción, es algo que trasciende a lo estrictamente técnico, condicionando el discurso y el lenguaje de todo largometraje o producción audiovisual como lo haría cualquier otra herramienta narrativa. Dicho esto; que el consumo de contenido online a través de dispositivos móviles y plataformas de VOD lleve los filmes venideros a una nueva dimensión es tan sólo cuestión de tiempo.

Estamos a punto de decir adiós a otra semana y en Espinof no podemos permitir que eso suceda sin que Cazando Gangas haga acto de aparición. En esa sección recopilamos las mejores ofertas sobre el mundo del cine y la televisión de estos últimos siete días y esta semana hay espacio, entre otros, para la colección de 'Solo en casa', la serie completa de 'Entre fantasmas' y muñecos de 'The Walking Dead', ¡vamos allá!

• Colección 'Solo en casa' en blu-ray: la franquicia tiene más entregas, pero las únicas que realmente merecen la pena son las dos primeras protagonizadas por Macaulay Culkin. Aquí tenéis una gran oportunidad para haceros con ellas en alta definición a un precio bastante reducido -y sí, es la edición alemana pero ambas entregas incluyen doblaje en español-: 11,11 euros

• 'Spider-Man: Homecoming', edición en Ultra-HD con figura: la edición española equivalente se vendía a un precio más alto, así que podéis haceros con la versión alemana y ya si eso podéis cambiar el disco por el español, ahorrándoos lo suyo en el proceso: 106,87 euros

• Películas con entrada de cine de regalo: con una compra superior a los 10 euros en una amplia selección de películas tanto en dvd como en blu-ray de Fox, Eone o Warner recibirás una entrada de cine de regalo: compra películas y entrada de regalo

• Steelbook de 'Train to Busan' en blu-ray: una de las películas de zombis más aclamadas de los últimos años ha tenido una edición en caja metálica ideal para coleccionistas cuyo precio va bajando poco a poco. Igual se agota si esperas que el coste se reduzca más...: 19,84 euros

• Steelbook de 'Jennifer's Body' en bluray: no tuvo un gran recibimiento en su momento, pero la cinta protagonizada por Megan Fox ha ido ganando adeptos con el paso del tiempo y quizá a alguno de ellos le interese hacerse con esta edición en caja metálica: 13,79 euros

• Serie completa de 'Entre fantasmas' en dvd: el drama sobrenatural protagonizado por Jennifer Love Hewitt recopilado al completo en un práctico pack a un precio de lo más interesante: 31,05 euros

• 40% de descuento en El Corte Inglés en series: tienes que comprar cuatro títulos para que te hagan el 40%, reduciéndose hasta el 30% si solamente adquieres tres y desapareciendo por completo para menos: 40% o 30% en televisión

• 'Sexo en Nueva York', serie completa en dvd: una oportunidad casi inmejorable para aquellos que no requieren de audio o subtítulos en español, ya que se trata de la edición británica: 16,09 euros

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• Gorro y camiseta de Star Wars: un pack similar al anterior, pero cambiando la figura por un útil gorro para protegernos de esas olas de frío que aún están por llegar y una camiseta a elegir entre dos modelos diferentes: 15 euros

• Estatua de Walter White: una cuidada figura del inolvidable personaje interpretado por Bryan Cranston en 'Breaking Bad' con un precio por el que merece la pena plantearse su compra: 19,99 euros

• Funko Pop de Woody: otro simpático cabezón de la línea más popular de muñecos de Funko a un muy buen precio, en esta ocasión dedicado a uno de los protagonistas de la saga 'Toy Story'. Luego acordaos de comprobar si no tiene una serpiente en su bota...: 9,33 euros

En los seis días comprendidos entre el 9 y el 15 de diciembre del año 2002, tres notables largometrajes tuvieron sus premieres norteamericanas: 'Gangs of New York', de Martin Scorsese; 'Chicago', de Rob Marshall y 'Las horas', de Stephen Daldry. Pero, ¿qué vínculo común une a estas tres cintas? En primer lugar, haber estado todas ellas nominadas al Oscar a mejor película y, en segunda instancia, tener todas entre su reparto al actor John C. Reilly.

Aparecer el mismo año en tres filmes nominados al máximo galardón de la temporada de premios convirtió al intérprete norteamericano en el primer ganador del premio que lleva su nombre, el John C. Reilly Award; creado por Griffin Newman —'The Tick'—, y que premia a los actores que han aparecido en la mayor cantidad de largos nominados, con un mínimo de tres para poder optar a la condecoración. Este 2018, dieciséis años más tarde, Michael Stuhlbarg ha repetido la hazaña.

El californiano, natural de Long Beach, ha participado a lo largo de 2017 en las tres magníficas películas 'La forma del agua' de Guillermo del Toro, 'Los archivos del Pentágono' de Steven Spielberg y 'Call Me by Your Name' de Luca Guadagnino; lo cual le convierte en el segundo ganador de la historia del premio. Antes de Stuhlbarg y del propio C. Reilly, tan sólo nueve actores y dos actrices fueron capaces de materializar el logro entre 1935 y 1943, como podéis ver en la siguiente tabla.

A lo largo de su carrera, John C. Reilly ha hecho acto de presencia en cinco largometrajes nominados a mejor película, mientras que Stuhlbarg ha aparecido en siete. En este apartado, Jack Nicholson se corona como el líder de la lista atesorando diez largometrajes, seguido de Tom Hanks con nueve, y de un triple empate entre Daniel Day-Lewis, Robert De Niro y Olivia de Havilland con ocho películas.

El impresionante éxito de 'Black Panther' vuelve a animar el debate sobre las adaptaciones de los cómics de Marvel y DC. La primera película sobre el rey de Wakanda sólo ha necesitado un par de semanas para alcanzar los 700 millones de dólares en taquilla, superando ya la recaudación total de 'Liga de la Justicia', la gran reunión de los superhéroes de DC.

El decepcionante resultado de la película dirigida por Zack Snyder (y Joss Whedon) ha sacudido los cimientos del Universo DC y todo apunta que Warner está recomponiendo el calendario de estrenos para abandonar el plan actual e iniciar una nueva etapa, o al menos sembrar las semillas con ese objetivo. Ante este panorama, el guionista Mark Millar ha ofrecido su experta opinión sobre por qué las películas de Marvel tienen más éxito que las de DC.

Cabe recordar que Millar ha creado cómics como 'Kick-Ass' o 'Kingsman', adaptados al cine, y ha trabajado para Marvel escribiendo por ejemplo el famoso arco de 'Civil War' (diferente a la película), aunque él se confiesa fan de los personajes clásicos de DC. De hecho, intentó llevar al cine las aventuras de Superman con su amigo Matthew Vaughn pero en Warner apostaron por el proyecto de Snyder.

En una entrevista para Yahoo, Millar aporta una llamativa teoría sobre el problema del Universo DC: los personajes no funcionan bien al adaptarlos al cine, sobre todo ahora. Así lo explica:

"Creo que es realmente simple: los personajes no son cinematográficos. Y digo esto como un tremendo fan de DC que prefiere mucho más sus personajes a los de Marvel. Superman, Batman y Wonder Woman son algunos de mis favoritos pero creo que, con la excepción de Batman, no están basados en torno a sus identidades secretas, están basados en torno a sus superpoderes.

Mientras, los personajes de Marvel tienden a apoyarse en las personalidades de Matt Murdock o Peter Parker, o las individualidades de los X-Men, todo se centra en los personajes. DC, al margen de Batman, no se centra en los personajes.

Con Batman, puedes entenderle y preocuparte por él. No con alguien como Green Lantern, que tiene este anillo que le permite crear tridimensionales manifestaciones físicas y plasma verde con pensamientos en su cabeza, ¡pero es alérgico al color amarillo! ¿Cómo haces una película con eso? En 1952 tenía todo el sentido del mundo pero ahora el público no tiene ni idea de qué va eso.

La gente me destrozará por esto pero creo que las pruebas están ahí. Hemos visto a grandes directores, grandes guionistas y grandes actores, toneladas de dinero a su disposición, y estas películas [de DC] no funcionan. Creo que están demasiado lejos del tiempo en el que fueron creados. Algo de ellos se siente un poco viejo, los niños los miran y no creen que molen. Incluso Superman, amo a Superman, pero pertenece a una América que ya no existe. Representa la América del siglo 20, creo que llegó a la cima en esa época.

Es un argumento interesante pero creo que hay varios agujeros en la teoría de Mark Millar. Uno muy evidente es que Warner y DC triunfaron el año pasado con 'Wonder Woman', recaudó 821 millones en taquilla y las críticas fueron muy positivas. Por otro lado, ¿acaso el Capitán América es más moderno que Superman? Marvel "sólo" recaudó 370 millones con la primera entrega ('El hombre de acero' hizo casi el doble) y realizó dos secuelas además de incluirle en los Vengadores.

No quiero ni imaginar lo que habría hecho Warner con el Capitán América... Tampoco Thor encaja con el argumento de Millar, es un Dios, y Marvel no ha tenido problemas en rodar una trilogía (más, de nuevo, su papel en las dos entregas de los Vengadores). No creo que el problema sean los personajes, creo que el problema está en la forma de adaptar los cómics y en la gestión de Warner, que no ha confiado en sus directores, con la excepción de Christopher Nolan.

Apostaron por Zack Snyder y no les salió bien, se equivocaron dejándole al mando de 'Liga de la Justicia' antes de saber si funcionaba 'Batman v Superman'. Pero si haces eso, deberías confiar en su visión, y no lo hicieron. Casi arruinan 'Escuadrón Suicida' al no confiar en el montaje de David Ayer pero la suerte ya se les acabó con 'Liga de la Justicia', donde quisieron imitar a Marvel apostando por un tono más ligero y cómico que no encajaba con el estilo de Snyder (sorprendentemente, tampoco respetaron la labor de Joss Whedon).

Creo que se puede hacer una versión de Superman que resulte divertida e interesante hoy en día, si se elige al cineasta adecuado. Espero que Matthew Vaughn pueda hacer esa película (con o sin Henry Cavill). Por cierto, el próximo estreno de Warner & DC es 'Aquaman', que llegará a los cines en diciembre con Jason Momoa, Amber Heard, Nicole Kidman, Willem Dafoe y Patrick Wilson, al frente del reparto. A ver cómo funciona el tráiler pero parece que hay mucho interés por ver lo que ha hecho James Wan.

Por último, creo que Millar se equivoca al afirmar que los personajes de DC no son cinematográficos. ¿Se ha olvidado de 'Superman' de Richard Donner, una de las películas fantásticas más influyentes de la historia del cine? ¿Se ha olvidado de la trilogía del Caballero Oscuro? Incluso con sus torpezas, Snyder demostró que las historias de estos superhéroes pueden dar lugar a momentos muy espectaculares en la gran pantalla. Lástima que el talento visual de Snyder haya quedado enturbiado por su torpeza narrativa.

Como todos los monstruos, las brujas tienen un subtexto que enriquece su mitologia. El vampiro es pulsión sexual y carnívora desatada, el monstruo de Frankenstein es nuestra ansia de trascender más allá de la muerte, el hombre-lobo es la bestia que llevamos dentro y el zombi, la despersonalización a la que nos somete la sociedad moderna. La bruja es una mujer diciendo que te metas tus puñeteras reglas que la obligan a someterse a las convenciones de género y las expectativas sociales por donde te quepan.

Las brujas han sido siempre iconos de una especie de feminidad exacerbada, de cosas que asustan a los hombres: se agrupan en contubernios prohibidos y obscenos; tienen conocimientos de magia y medicina que rivalizan con los de los más sabios (y son más efectivos); son viejas, de nariz ganchuda y joroba, pero si quieren también son mujeres de belleza cautivadora e hipnótica; son celestinas y matronas, es decir, que conocen los secretos del sexo, la vida y la muerte mejor que cualquier hombre. Y por eso hay que perseguirlas, torturarlas y quemarlas.

Películas de y con brujas ha habido desde el principio de la historia del cine, en títulos tan esenciales (y esotéricos) como 'Häxan'. Pero han tenido múltiples encarnaciones: desde los vejestorios pop de 'El mago de Oz' y Disney a las aventuras de cazadores de hechiceras, pasando por la reivindicación feminista agresiva que permea películas tan distintas como 'Las brujas de Eastwick' o la reciente 'La bruja'.

Hemos querido recopilar aquí las mejores películas de brujas: de las brujas más convencionales a las más aterradoras y viscerales, pero hemos intentado cubrir todas las posibilidades que nos da el mito. Hay unas cuantas rarezas que quizás no conozcáis y los clásicos inevitables. Estas son nuestras brujas del cine predilectas. ¡A la salud de Black Phillip!

Häxan - La brujería a través de los tiempos (1922)

Solo por estar inspirada en Malleus Maleficarum, el mítico manual alemán del siglo XV para cazar brujas ya debería estar en esta lista, pero es que este clásico silente de Benjamin Christensen es mucho más: una especie de docudrama que mezcla alta cultura sobre historia medieval y pura explotación de desnudos y torturas. La película es perturbadora por la potencia evocadora de sus imágenes, por su poesía erótica sin ningún tipo de cortapisas, y también porque cuando se pone en plan monstruos dementes y Satanás zampando gente, tampoco tiene parangón.

Blancanieves y los siete enanitos (1937)

La bruja que asentó el patrón por el que se cortaron todas las brujas de cuento de hadas posteriores, desde Úrsula de 'La sirenita' a la Bruja del Oeste de 'El mago de Oz'. El porte aristocrático de la reina lo imitó la propia Disney en la Maléfica de 'La Bella Durmiente', pero es su encarnación como anciana terorífica y de eterna sonrisa desdentada la que pasaría a la historia. Un clásico icónico y, aún hoy, profundamente inquietante.

Crítica en Espinof

El mago de Oz (1939)

Quizás, junto a las de Disney, la bruja de cuento de hadas más icónica de todas. Buena parte de la culpa la tiene la brillante, odiosa y aterradora interpretación de Margaret Hamilton y su soberbia caracterización con todo lo que caracteriza a una buena bruja (gorro puntiagudo, escoba, verruga). Al principio iba a ser una bruja glamourosa y menos estridente, acorde a la descripción del libro donde sale mucho menos, pero se decidió dar un giro en ese sentido. Al fin y al cabo, quien quiere parecerse a esa boba remilgada de Glinda.

De entre las secuelas y ampliaciones del mundo de Oz, mucho ojo a la Princesa del Norte de la oscurísima secuela que rodó Disney en los ochenta, 'Oz, un mundo fantástico' (con Fairuza Balk, más tarde brujita gótica en 'Jóvenes y brujas' dando vida a Dorothy). La encarnaba Jean Marsh, que también interpretó a una hechicera de espada y fantasía paradigmática de los ochenta, la reina Bavmorda de 'Willow'.

Crítica en Espinof

Me enamoré de una bruja (1958)

Una comedia romántica con Kim Novak y James Stewart (curiosamente, seis meses tan solo después de 'Vértigo', una película que no puede ser más distinta a todos los niveles) en la que una bruja hechiza a su vecino para fastifiar a una rival. Muy divertida e inocentona, con excelentes papeles secundarios de Elsa Lanchester (¡la novia de Frankenstein!) y Jack Lemmon y, junto con la magnífica screwball comedy con Veronica Lake 'Me casé con una bruja', gran responsable de la implantación en la cultura pop de una idea romántica y doméstica de las hechiceras que cristalizaría en esa obra maestra del humor televisivo que es 'Embrujada'

La máscara del demonio (1958)

Rodada en un atmosférico y tenebroso blanco y negro por Mario Bava, estamos ante uno de los grandes clásicos del horror de todos los tiempos y una de las brujas que claman venganza ante los descendientes de quienes le ajusticiaron más justamente populares de la historia. Con una atmósfera gótica única, llena de ataúdes, murciélagos y castillos que se caen a cachos, posee una violencia iconográfica asombrosa para los años sesenta, y el rostro de Barbara Steele marcado horriblemente por la máscara del título y por donde se pasean campantes unos cuantos escorpiones sigue helando la sangre.

Crítica en Espinof

La Bella Durmiente (1959)

De todas las brujas Disney, Maléfica es sin duda la más elegante y magnética. Se distancia del tópico de la vieja maquiavélica y eso la hace más temible e insidiosa: va de frente y no oculta su maldad. Diseñada además con un gusto estético absolutamente legendario, obra de Marc Davis, su presencia cautivadora justificó la versión en imagen real 'Maléfica', que si bien no cumplió las expectativas, aprovechó con acierto la indiscutible prestancia visual del personaje.

Crítica en Espinof

Arde, bruja, arde (1962)

Basada en un libro clásico de Fritz Leiber, y adaptada por un par de expertos de la categoría de Charles Beaumont y Richard Matheson, estamos ante una bella y y atmosférica película de brujería que coloca los hechizos y los tejemanejes arcanos en un contexto cotidiano: una mujer (Janet Blair) usa la brujería para hacer prosperar la carrera de su marido. Cuando éste lo descubre, colérico, destruye todos los instrumentos de brujería, pero no es tan sencillo huir de la magia... ni de una rival de su mujer. Un clásico menor con detalles en común, por su enfoque racionalista, con 'La noche del demonio' de Tourneur.

Mary Poppins (1964)

El epítome de la bruja buena Disney, también apuntalada por la memorable 'La bruja novata'. Se trata de brujas que prescinden de cualquier elemento demoniaco en la caracterización de sus brujas, y que hasta sustituyen elementos típicos como la escoba por, en este caso, un paraguas. La historia de la bruja-ángel de la guarda de 'Mary Poppins', en cualquier caso, es deliciosa y está llena de momentos gloriosos, y pavimenta el camino para la actual moda de brujas limpias, que aprenden sus tejemanejes en asépticas academias y cuya principal representante actual es la Hermione de 'Harry Potter'.

Y por supuestísimo que 'Mary Poppins' ha tenido versiones oscuras. La mejor de todas es Jenny Seagrove en 'La tutora', de William Friedkin, una niñera druida que mantiene una relación íntima con un árbol milenario. Esta bruja capaz de volar y controlar a una manada de lobos sacrifica bebés a un ser vegetal. Nada más brujeril y tradicional, por mucho que rinda tributo a las fuerzas de la Naturaleza más que al viejo y bueno Satán.

Las brujas (1966)

Única incursión de la Hammer en el tema de la brujería (aunque no en el de los rituales oscuros o los cultos paganos), que se beneficia de dos nombres muy clásicos: Joan Fontaine -'Rebeca'- como protagonista y Nigel Kneale -creador de Quatermass- como guionista. Ambos dieron pie a una intriga sosegada, pero con una dosificación del suspense infartante, en la que una profesora de escuela empieza a sospechar, tras volver de un viaje por África, que la rodean una encarnación moderna de las clásicas brujas. Una de las muestras más interesantes de folk horror pre-'Hombre de mimbre'

Crítica en Espinof

La estación de la bruja (1973)

Junto a la inclasificable 'Los caballeros de la moto', la película de culto por excelencia de George A. Romero, una especie de versión esotérica y macabra de 'Las mujeres de Stepford'. Aquí, una mujer insatisfecha (Jan White) empieza a usar la magia negra para seducir al novio de su hija. Su falta de presupuesto (100.000 dólares, 16 mm., actores casi aficionados) puede resultar algo agresiva hoy día, pero eso es lo que le da, precisamente, una atmósfera oscura y densa, casi de akelarre suburbial auténtico.

Suspiria (1977)

Quizás la película más bella de la historia del cine de terror y la obra maestra de Dario Argento, que también se dice pronto. Esta hiperestética, onírica y violentísima historia de una joven bailarina (Jessica Harper) atrapada en una academia de danza que en realidad esconde un akelarre art-déco es el arranque de la trilogía de las Tres Madres, tres perversas brujas que dominan el mundo a través del dolor, las lágrimas y la oscuridad, y que en las películas de Argento no se personifican (únicamente) como ancianas contrahechas, sino como símbolos esotéricos, edificios de siniestra belleza y terror en estado puro.

La trilogía de las Tres Madres de Argento continuaría con 'Inferno' en 1980 y, mucho después, con 'La madre del mal', en 2007. Las películas van perdiendo interés según las brujas adquieren más presencia tangible, pero ambas son dignísimas continuaciones de la primigenia 'Suspiria'. Sobre todo 'Inferno', una maravilla aún más siniestra y violenta, donde se nombra por primera vez a las Tres Madres y que está llena, debido a las lecturas ocultistas de Argento por entonces, de pistas esotéricas y teorías malignas.

Las brujas de Eastwick (1987)

Esta comedia negra no solo tiene un historia de fondo modernísima (un trío de mujeres -Michelle Pfeiffer, Susan Sarandon, Cher- forman involuntariamente un akelarre e invocan a un demonio -Jack Nicholson-, con quien inician una relación lúbrica y concupiscente) sino que su humor, feminista y muy oscuro, resulta pasmosamente actual. Rarísima y única, se beneficia no solo de un póker de interpretaciones sensacionales, sino de un George Miller en plena forma, recién salido de la Cúpula del Trueno y con el excéntrico subido.

La maldición de las brujas (1990)

Esta adaptación de Roald Dahl es... bueno, puro Roald Dahl: humor negro, misantropía generalizada, fantasía desbordante y todo envuelto y dispuesto para que sea consumido perfectamente y sin traumas por niños de cuerpo y mente. Esta historia de una convención de brujas horribles, crueles y con acento de la Europa del Este cuenta con un par de bazas imbatibles: una Anjelica Huston desfasadísima y aterradora y el Jim Henson más macabro y aterrador. La escena en la que las brujas desvelan su auténtico aspecto es una pesadilla perfecta de los días de gloria del látex.

Nicky la aprendiz de bruja (1993)

Una de las primeras producciones de Studio Ghibli es esta aventura familiar que reformula los códigos más amables del mito de la brujería: escobas voladoras y mascotas parlantes dan la réplica a esta jovencísima hechicera de 13 años que monta un servicio de mensajería. Por supuesto, al final lo que menos importa es el componente de hechicería y lo que nos queda es una deliciosa historia, cien por cien Miyazaki, de maduración, crecimiento y descubrimiento de uno mismo.

El retorno de las brujas (1993)

El paso del tiempo la ha llevado de convertirse de comedia infantil a película de culto amable gracias a su simpático punto de partida (un trío de hermanas brujas ajusticiadas hace trescientos años, resucitan en el Salem actual en la noche de Halloween). Adorables interpretaciones del trío de novias de Satán (Bette Midler, Sarah Jessica Parker y Kathy Najimy), humor de tebeo para todos los públicos (casi un 'Archie' especial Halloween) y estrellato total para un gato que habla, idea que alcanzaría la gloria absoluta en la serie de televisión de 'Sabrina'.

Jóvenes y brujas (1996)

Una película que respira "años noventa" tanto o más que su tremendo título español, y que hizo por la wicca y demás neobrujerías del siglo XX más que cualquier necronomicón. En realidad, una pieza de horror teen bastante oscura, que trata temas como el suicidio o la violación en una época en la que el aséptico cine de género estaba a otras cosas y que tiene como principal activo a una Fairuza Balk increíble como jefaza de un akelarre adolescente por el que también anda Neve Campbell.

El crisol (1996)

No vamos a entrar en las películas sobre cazas de brujas históricas, porque como sabemos, son películas que hablan de cosas bien distintas a la hechicería: tratan sobre todo el acoso y la persecución de las mujeres en épocas no tan sumergidas en el pasado remoto como nos gustaría, y también de herramientas gubernamentales de opresión y de luchas de poder político y sexual. Ponemos este ejemplo, la estupenda adaptación de su propia obra que hizo Arthur Miller, y recordamos que la figura del cazador de brujas ha inspirado innumerables obras, de corte fantástico o no: de 'El inquisidor' a 'El último cazador de brujas'

Mención aparte merece también 'I am not a witch', donde la presencia de una hechicera es meramente circunstancial para una película que ha sido elogiada por la crítica y multipremiada en premios como los BAFTA, donde ganó al Mejor Debut para su guionista y director Rungano Nyoni. Cuenta cómo en Zambia una niña de ocho años es acusada de brujería y repudiada de su aldea. Una denuncia del fanatismo y la ignorancia que no prescinde de cierto realismo mágico folclórico y un sentido del humor muy peculiar.

Prácticamente magia (1998)

Los códigos de la comedia romántica, un par de actrices que en 1998 encajaban en ella como un guante (Sandra Bullock y Nicole Kidman) y una reformulación amable de la idea de las brujas, aquí dos hermanas hechiceras que matan al novio abusador de una de ellas y despliegan todos sus encantos en una nueva comunidad. Otro potente vehículo de propaganda involuntaria de esa empalagosa brujería new age que es la wicca en un producto prefabricado pero con gancho gracias al carisma de sus dos protagonistas y de secundarias adorables como Dianne West y Stockard Channing.

El proyecto de la bruja de Blair (1999)

Aún hoy inquietante y enigmática, 'El proyecto de la bruja de Blair' supuso un éxito descomunal que desató todo tipo de secuelas (un par propias que, de hecho, no están tan mal como se dice aunque carezcan de la demencial frescura de su predecesora) y que no tiene una bruja con presencia física (aunque se alude a menudo a su escalofriante historia), pero sí una serie de códigos que ya son parte del género. Entre ellos, la cabaña abandonada que emite malas vibraciones o los signos de advertencia rústico-esotéricos que las potenciales víctimas se van encontrando.

Mención especial para otra bruja de serie Z y que también conecta con la estética teen y punk de 'Jóvenes y brujas': LeeAnne Baker en 'Necrópolis'. ¿Te acuerdas de 'Turbo Girl', el videojuego español de los ochenta? Pues se basa en esta pizpireta y cruel hechicera que organiza aquelarres en cloacas y amamanta con sus seis tetas a unos monjes del averno. Una aberración magnífica de Empire, la productora de Charles Band en la etapa post-'Re-Animator', cuando ya caía en barrena en los productos más dementes.

Crítica en Espinof

The Lords of Salem (2012)

Una de las películas que más ha polarizado a los fans del cine de terror de los últimos tiempos, aunque de un tiempo a esta parte está ganándose un justo reconocimiento como obra maestra perversísima y oscura. Dotada de una imaginería absolutamente impía y con un trío de brujas (Judy Geeson, Dee Wallace y Patricia Quinn) de auténtica antología y que sirven como detonadoras de una de las mejores historias de corrupción de un inocente de los últimos años, 'Lords of Salem' recupera con gran fortuna la concepción clásica de bruja discípula de Satán.

La bruja (2016)

La primera película de Robert Eggers tuvo un impacto doble: confirmó la curiosa y muy estimulante edad de oro del cine de terror que vivimos actualmente y rubricó el interés del género por una nueva visión de la mujer en general y de las brujas en particular. Aquí, la historia de una adolescente (Anya Taylor-Joy) bajo sospecha y su turbia relación con su propia familia sirve como alegoría de ciertas dinámicas sociales represivas... sin renunciar a las cabras que hablan, los sustos excelentemente planificados, una estética opresiva y estudiadísima y un final épico.

Crítica en Espinof

The Love Witch (2017)

Huyendo de la investigación por la sospechosa muerte de su marido, una joven y romántica bruja llega a California donde se instala en un coqueto apartamento desde donde empieza a disparar conjuros de seducción a los hombres de la zona. Una peculiarísima y nada complaciente sátira feminista, que usa el cine de explotación de los sesenta como código estético y a las brujas como reformulación de la idea de las mujeres poderosas y sin ataduras, y que supone una obra total (guion, dirección, producción, montaje, diseño de producción, vestuario y música) de Anna Biller, una cineasta interesantísima a quien conviene seguir de cerca.

Crítica en Espinof

Por supuesto, hemos señalado nuestras 22 favoritas, pero nos hemos dejado decenas de obras en el tintero. ¿Con qué otros títulos ampliarías la lista de las mejores películas de brujas de todos los tiempos?

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Una vez más, Marvel vuelve a darnos una alegría en el terreno cinematográfico con 'Black Panther', la adaptación a la gran pantalla de las aventuras de T'Challa (Chadwick Bosewan), dirigida por Ryan Coogler. Una cinta que es amor hacia África y, a un nivel más local, a la población afroamericana y su cultura.

Para mí es una película que ha ido directa al top de mis adaptaciones favoritas y más porque está repleta de guiños y homenajes que solo hacen aumentar el disfrute al verla. Así que, dejándonos la excelente banda sonora aparte, vamos a repasar 21 referencias que hacen especial a 'Black Panther'.

Oakland, cuna de los "Pantera Negras"

Una de las cosas que podríamos pensar que es casualidad es esa relación entre Wakanda y la localidad californiana de Oakland. No es solo porque Ryan Coogler sea de allí y, además, sea su ambientación predilecta. Lo que hace especial esta conexión es que en Oakland es donde nació el partido de los Panteras Negras.

El niño de 'Moonlight'

Además, Ryan Coogler hace su propio homenaje a una de las mejores cintas del pasado 2017: 'Moonlight'. Coogler, amigo de Barry Jenkins quiso incluir a modo de cameo al mismo protagonista de esta fabulosa historia. Alex Hibbert, el pequeño Chiron, aparece como uno de los niños que juegan al baloncesto en Oakland y tiene el honor de decir la última palabra de la película (sin contar los post-créditos, claro).

Stan Lee, el cameo del "aprovechado"

El cameo de Stan Lee en 'Black Panther' puede que sea uno de los más obvios y participativos ya no en los últimos diez años del Universo Cinemático Marvel, sino de la era desde las películas de Reimi. En esta ocasión ha sido el señor que se aprovecha de las ganancias ajenas. Servidor, que tiene muy mala baba, piensa que es una no tan velada crítica hacia el privilegio del hombre blanco o bien una referencia oscura a cómo ha barrido hacia su terreno el tema de los royalties por los personajes de la editorial

Padres e hijos

The Oscar winning Legend, Forest Whitaker What an amazing man So much love for him.. #SurroundedByLegends #BlackPantherPremiere

Una de las curiosidades del casting de 'Black Panther' radica en los lazos familiares de dos de los personajes. El viejo y el joven T'Chaka están interpretados por, respectivamente, John Kani y su hijo Atandwa. Y, aunque se apelliden igual, Forest Whitaker y Denzel Whitaker, que interpretan respectivamente al mismo personaje en edades distintas no guardan parentesco.

La bandera pan-africana

Lo que está más que claro es que 'Black Panther' es un canto de amor a la cultura (y la multiculturalidad) africana y la película no deja de recordárnoslo de una u otra manera. Uno de los guiños sutiles es el uso de los colores de los vestidos "de pasar desapercibidos" en la misión en Busan. Ese verde, negro y rojo son los de la bandera pan-africana, un movimiento que busca la alianza de todo el pueblo africano tanto del continente como de la "diáspora".

No le llamemos "Hombre mono"

Una de las muestras de que vivimos en una época con sensibilidades muy distintas a las de cuando se creó gran parte del panteón de 'Pantera Negra' es que han evitado en todo momento llamar a M'Baku (Winston Duke) por su alter ego, "Hombre mono". Pero aun así podemos observar algún guiño a su traje clásico.

La máscara de Killmonger

El querer hacer la película todo lo realista posible (dentro de lo aceptable) hace que no se pueda reflejar todo lo estrafalarios que son los personajes tal como salen en el cómic. Casi nada más comenzar la película, el personaje de Michael B. Jordan, Killmonger se encapricha y se lleva una máscara tribal que resulta ser bastante parecida a la que usa su contrapartida comiquero.

Las cataratas

Hablando de Killmonger, donde sí que no escatimaron en que se pareciese al cómic es en el combate entre Killmonger y Pantera Negra. Seguramente muchos de los fans del cómic dimos un gritito en cuanto vimos que ese combate a muerte se haría en tan emblemático lugar.

El meteorito de Vibranium

El origen de Wakanda y cómo un meteorito con este raro y valioso elemento cayó en una parte del África central, está prácticamente calcado a los cómics al igual que el tema de haber vivido aislados durante siglos. Por cierto, si habéis estado atentos seguramente habréis captado que este es el material del escudo del Capitán América.

El monte Bashenga

Uno de los escenarios principales de la película es el Monte Bashenga, lugar desde donde se accede a las minas de vibranium y que toma el nombre del primer rey de Wakanda, el primero en fundar la dinastía actual de Panteras Negras. Un buen guiño a toda la rica historia de los cientos de siglos de historia de la nación.

El mundo de Djalia

Aunque yo esperaba que los encuentros de T'Challa con su fallecido padre fuese mas en plan "Simba y Mufasa", me alegro que hayan optado por representar Djalia, el más allá wakandiano, en donde se reúnen los muertos con los vivos y donde tanto Pantera como su villano tienen su momento transcendente.

La diosa Bast

Terminamos este tramo de referencias a la mitología de Wakanda con el culto a la diosa Bast que es, de hecho, una derivación del nombre de Bastet, la diosa felina egipcia. A menudo considerada como hija de Ra, esta es la divinidad que concedió a lo largo de los eones el poder de Pantera Negra a los ancestros de T'Challa.

El brazo sónico de Klaue

La primera vez que vimos a Klaue (Andy Serkis) fue en 'La era de Ultrón', pero en los cómics es uno de los enemigos más persistentes tanto de Pantera Negra como de Vengadores y Cuatro Fantásticos. Un ser hecho de sonido puro, durante esta película hemos podido ver el poder de su "brazo sónico".

"Otro blanquito roto"

Tras el fiasco en Corea del Sur, deciden llevar a Ross (Martin Freeman) al laboratorio-bershka de Shuri (Letitia Wright), cuya reacción es comentar que tiene "otro blanquito" a su cargo. Esto viene por el devenir de 'Civil War' y la acogida de Bucky Barnes por parte de los wakandianos para poder curarle.

El lobo blanco

Esta referencia, además, enlaza con la segunda escena post-créditos de 'Black Panther'. En ella vemos a Bucky (Sebastian Stan) recuperado de su control mental y siendo llamado "Lobo blanco". Esto puede ser una referencia al hermano adoptivo de T'Challa, quien bajo el manto de Lobo Blanco dirigió la policía secreta de Wakanda. ¿Podría ser Bucky el espía que necesita Pantera para 'Infinity War'?

Perros de guerra

Lo que yo no sé es qué relación puede tener esta mención del Lobo Blanco con los Perros de la guerra wakandianos. Este entramado de espías a lo largo del mundo al que pertenece Nakia (Lupita Nyong'o) parecen estar inspirados precisamente de los Hatut Zeraze dirigidos por el Lobo Blanco.

Zemo y el atentado de la ONU

Lo de Bucky, además se une con un par de referencias al barón Zemo y nos puede permitir situar en el tiempo a 'Black Panther' en un lapso de no demasiados días ¿semanas? después de 'Civil War'. Primero podemos ver un reportaje de la BBC hablando del atentado que mató a T'Chaka y del que se acusa a Zemo (Daniel Brühl), nombre que se menciona en el reencuentro entre T'Challa y Ross en el casino surcoreano.

Un par de cambios familiares

Aunque no hay demasiados cambios en el trasfondo personal de los diferentes héroes del MCU respecto a los cómics, siempre hay alguno. En cuanto a la familia de T'Challa decir que, en los cómics** Ramonda (Angela Basset) y Shuri (Letitia Wright) son madrastra y hermanastra** de nuestro héroe en vez de familia biológica.

Shuri, Pantera Negra

Hablando de Shuri, esta es probablemente el personaje revelación de toda la película. Una crack y, para muchos, la mejor "princesa Disney" (sin serlo, claro). En los cómics tiene un papel algo más político e incluso llega a llevar el manto de Pantera Negra.

Las zapatillas de Regreso al futuro

Lo que está claro es que es probablemente una de las personas más inteligentes de la Tierra Marvel... y también la que más referencias pop suelta a lo largo de la película. Desde la escena en la que aparece con el peinado a lo Princesa Leia hasta las "desfurtivas" que prepara a su hermano en honor a otras insignes zapatillas del cine de ciencia ficción.

El collar dorado

Un muy buen homenaje doble, y que a este paso se va a convertir en un tropo de las adaptaciones, es el de los collares que adornan el traje de Pantera Negra. En esta película no solo no fue un guiño al traje de los 90 sino que, además, cuando Killmonger se enfunda en él vemos unos motivos de leopardo que hace que nos acordemos de su mascota en los cómics, Preyy.

Black Panther vs Rinocerontes

Uno de los momentos de aplaudir, simplemente porque es uno de esos guiños al cómic que no te esperas, es esa llamada a los rinocerontes y que T'Challa combata con ellos. Mis kudos.

Aprovechando que la semana pasada saltó la polémica, porque todos tenemos claro que si no hubiera sido por eso aun tendríamos que esperar semanas o meses, Antena 3 realiza esta noche una premier especial de 'Fariña', una de sus series más ambiciosas y que está basada en el libro de Nacho Carretero.

A la espera de poder ver esta noche este esperado preestreno, vamos a hablar precisamente del libro, qué es lo que podemos esperar de su adaptación y hasta qué punto está justificado el infructuoso secuestro judicial.

La mejor manera de definir 'Fariña: Historias e indiscreciones del narcotráfico en Galicia' es diciendo que es una radiografía panorámica de la cultura del contrabando en las Rias Baixas gallegas, sobre todo centrándonos en la Ria de Arousa, una de las principales vías de entrada de droga en Europa.

Y cuando digo cultura es porque, según Nacho Carretero, todo el tema del contrabando y del narcotráfico estaba en las mismas raíces y en todos los niveles de la sociedad de esa parte de Galicia. Algo que se explica durante los primeros capítulos del libro en el que repasa la evolución de cómo se llegó a donde se llegó.

De la necesidad al lujo

Todavía cuentan la historia los viejos de a raia.

Un vecino mayor cruzaba a diario la frontera entre Galicia y Portugal en bicicleta, cargando siempre un saco al hombro. Cada vez que atravesaba a raia, la Guardia Civil le daba el alto y le preguntaba qué llevaba en el saco. El hombre, paciente y educado, mostraba siempre el contenido: «es solo carbón», explicaba. Y los agentes, mosqueados, lo dejaban pasar. En el otro lado se repetía la escena: la Guardia de Finanzas portuguesa (conocidos por los vecinos como guardinhas) también registraba el saco del hombre y lo dejaban seguir pedaleando. La misma escena se repitió durante años ante el malestar creciente de los guardias fronterizos. No solo eran incapaces de encontrarle material de contrabando, sino que en cada nueva pesquisa se manchaban el uniforme de carbón. Como en el cuento de Poe, en el que la Policía registra minuciosamente una casa en busca de una carta que ha estado todo ese tiempo en primer plano, el secreto del hombre de a raia estuvo todos esos años a la vista.

Era un contrabandista de bicicletas

Partiendo de esta leyenda, Carretero aborda en 'Fariña' la singularidad del paisaje gallego: la difusa línea fronteriza y cómo el mercadeo entre aldeas de un lado y otro era habitual. Pero, sobre todo, cómo en los años de posguerra floreció el estraperlo. Primero de cosas de primera necesidad y luego de productos no tan básicos e incluso de lujo.

Esto también se producía en la costa, donde los vecinos de las rías eran testigos de numerosos naufragios e incluso de presuntos abordajes. De algún modo u otro, una porción de los habitantes de Galicia sobrevivían gracias al contrabando. Ya sea implicándose en ello, participando de él o beneficiado simplemente por llevar la gasolinera o hacer la vista gorda.

'Fariña' cuenta cómo unos pocos clanes gallegos, como Os Charlines u Os Piturros, entre muchos otros, empezaron a trabajar en el contrabando y prácticamente de manera natural dieron los siguientes pasos lógicos: del tabaco (con el que contaban con la complicidad de las tabacaleras) al hachís (¿para qué bajar "al moro" pudiendo desembarcar aquí?) y después a las drogas duras (Galicia se convirtió en el destino favorito de Colombia).

El jocoso cartel que publicitaba una marca de café y que adquiere otro significado si conocemos lo que cuenta Fariña

Lo fascinante es constatar que, durante una larga época, los Sitos (los capos, para entendernos) y todo su entramado estaban en tan alta estima por la sociedad gallega que eran intocables. Tanto que hasta que no llegó una macrooperación como la Nécora, llevada por el juez Garzón, no se sintieron amenazados. Y, aún así, la mayoría de los cabecillas salieron impunes tras el juicio subsiguiente.

En febrero de 1992 concluyó el sumario, y en julio se decretó la apertura del juicio oral. «En realidad paramos porque no podíamos más», explica Zaragoza. «Era tanta la información que o poníamos un punto y final a aquello y arrancábamos el juicio, o podíamos estar años investigando. Era descomunal». Meses después se inició el macrojuicio en la Casa de Campo.

El libro de Carretero deja claro también que los implicados en el entramado no eran precisamente discretos e incluso estaban orgulloso de ello y cuenta un montón de anécdotas e indiscreciones al respecto.

Por eso me creo bastante la tesis de Tsevan Rabtan en Jotdown de que a Alfredo Bea Gondar, el alcalde de O Grove que presentó esta demanda de secuestro al libro, le entró una crisis de irrelevancia ya que aparece en un párrafo y una nota en un libro de más de trescientas páginas... y ni siquiera se le acusa de nada grave. Tanto es así que cuando leí hace unas semanas 'Fariña', pasé por esas alusiones como por otras cualquiera.

Un secuestro que, aun habiendo precipitado la post-producción de la serie, le ha dado mayor publicidad a un libro que ya de por sí ha sido un best-seller. Lo mejor es que no necesitaba esta atención porque el 'Fariña' de Carretero es excelente y absolutamente apasionante y no me cabe duda de que su adaptación por parte de Antena 3 lo convertirá en una de las series del año.

Los Oscar 2018 están, como quien dice, a la vuelta de la esquina, y puede que el gran fin de fiesta de esta temporada de premios sea el más previsible de los últimos años. La culpa la tiene la falta de sorpresa en cuanto a resultados se refiere de las últimas grandes citas como los BAFTA, los Globos de Oro o los Critic's Choice, donde la mayoría de intérpretes, largometrajes y directores han reafirmado sus indiscutibles éxitos ceremonia tras ceremonia.

Esto se ha visto reflejado en las cuotas que las casas de apuestas están atribuyendo a cada nominado, encontrando en ocasiones verdaderos abismos entre los principales candidatos a levantar la estatuilla el próximo día 4 de marzo y sus competidores directos. Es por esto que, para todos los valientes que se animen a jugarse unos cuantos euros, hemos decidido recopilar información sobre las principales categorías de los Oscars 2018 para que sepáis cómo están los pronósticos y en qué medida podríais beneficiaros en caso de una —improbable— sorpresa.

Mejor película

Tanto los analistas de GoldDerby como las casas de apuestas online que hemos consultado coinciden a la hora de situar 'Tres anuncios en las afueras' como la principal candidata para alzarse con la estatuilla. La probabilidad de 13/10 que indican los primeros encaja con los 1.83€ por cada euro apostado que reportaría en Betfair y los 1.81€ de 888sport, los 1.80€ de William Hill o los 1.72€ de Bet365.

Pisando los talones al filme de Martin McDonagh se encuentra 'La forma del agua', con unas probabilidades de 20/10 según GoldDerby. Apostar un euro por la película de Guillermo del Toro nos haría ganar 2.75€ en 888sport, 2.62€ en William Hill o 2.50€ en Betfair y Bet365.

La diferencia entre ambas nominadas con la tercera candidata es más notable, situándose 'Lady Bird' como la siguiente opción con unas cuotas que oscilan entre los 13 y los 10 euros. Parece que, por mucho que haya obtenido una puntuación perfecta en Rotten Tomatoes, el debut en la dirección de Greta Gerwig no inspira la suficiente confianza a los apostantes. Del mismo modo, otro de los filmes más celebrados del año, 'Dunkerque', pierde el apoyo popular, pagándose su triunfo con cifras que rondan los 36 euros.

Aunque, si sois de los que suelen pensar aquello de "aquí hemos venido a jugar", siempre podéis optar por 'El instante más oscuro', cuya victoria se premia con 201€ por euro apostado en Betfair y Bet365. No cabe duda de que se estila más utilizar frases falsas de Winston Churchill en conversaciones que dar un voto de confianza al largometraje de Joe Wright.

Mejor director

En el caso del Oscar a mejor director no hay lugar a dudas: Guillermo del Toro ha esquivado todas las acusaciones de plagio vertidas sobre 'La forma del agua' y tiene todas las de ganar, pronosticando GoldDerby su victoria con una probabilidad de 1/10 y oscilando las cuotas en casas de apuestas entre los 1.07€ de Betfair y los 1.10€ de 888Sport. Siguiendo al mexicano, estaría Christopher Nolan, cuya victoria daría a los apostantes entre 7 y 8 euros por euro apostado.

Si sois lo suficientemente valientes y confiáis en que Jordan Peele pueda hacerse con el galardón por su trabajo en 'Déjame salir', con tan sólo un euro podríais llegar a embolsaros 51 en William Hill y Bet Stars.

Mejor actor

La categoría de mejor actor está aún más cantada si cabe. Según los pronósticos, Gary Oldman saldría a recoger el Oscar por su interpretación en 'El instante más oscuro' con unas probabilidades de 2/13, y con unas irrisorias cuotas que van de los 1.02€ a los 1.04€.

En segunda posición, con una cuota de 17€ en Bet365 se sitúa Daniel Kaluuya, seguido de Daniel Day-Lewis, con cuotas entre los 26€ y los 21€, y de Thimotee Chalamet, cuyas cuotas van de los 29€ a los 17€. En último lugar, la victoria de Denzel Washington —el peor situado de los cinco contendientes, con unos pronósticos en GoldDerby de 100/1—, se paga en este momento con una cuota de 81€ por euro apostado.

Mejor actriz

De nuevo, parece que no hay lugar alguno para la sorpresa en cuanto al Oscar a mejor actriz se refiere. Con un pronóstico de 2/13 según GoldDerby, Frances McDormand se llevaría el gato al agua, oscilando la cuota en casas de apuestas entre los 1.08€ de William Hill y los 1.04€ de Bet365.

Siguiendo a la protagonista de 'Tres anuncios en las afueras' se encuentra Saoirse Ronan, cuya improbable victoria — se pronostica con un 18/1— se paga con cuotas que varían entre los 13€ de Bet365 y 888sport, y los 10€ de William Hill. Cerrando la lista, Meryl Streep reportaría unas ganancias de 76€ por cada euro invertido a los que apostasen por su victoria en Bet Stars.

Mejor actor/actriz de reparto

Más de lo mismo sucede en las categorías que premian a los mejores actores y actrices de reparto de la temporada, coronando el apartado masculino un Sam Rockwell con todas las de ganar, unas probabilidades de 2/11 y unas cuotas en casas de apuestas que rondan los 1.1€. Willem Dafoe se situaría como el segundo candidato con más opciones de alzarse con el Oscar, con un pronóstico de 10/1 y unas cuotas de en torno a los 6€ por euro invertido.

En cuanto al sector femenino, Allison Janney tendría el triunfo asegurado por su fantástica labor en 'Yo, Tonya', con una probabilidad de ganar la estatuilla a mejor actriz secundaria de 2/7 y unas cuotas de 1.12€. La sigue a cierta distancia **Laurie Metcalf, cuya victoria se premia con cantidades que colindan los 5€* en la mayoría de casas de apuestas.

Mejor película de animación

En lo que respecta a la categoría de mejor película de animación, tampoco hay debate que valga. Tanto casas de apuestas como GoldDerby dan como rotunda ganadora a la 'Coco' del estudio de animación Pixar con un pronóstico de 1/10 y unas cuotas irrisorias que rondan los 1.04€. A un abismo de distancia la sigue 'El pan de la guerra', cuyo triunfo se paga con 13€ en Betfair. Más lejos se sitúa 'El bebé jefazo', cuya victoria se paga con 26€ por cada euro invertido, quedando en última posición 'Ferdinand', con una cuota de 51€ en la misma casa.

Mejor guión/guión adaptado

Mucho ojo con los Oscars que premian a los mejores libretos de la temporada, porque mientras el galardón a mejor guión adaptado parece estar destinado a ir, sin duda, a 'Call Me by Your Name' —con cuotas que rondan el euro en caso de victoria—, parece que hay esperanza para tener un poco de emoción en cuanto a los guiones originales.

Aunque 'Déjame salir' sea la gran favorita para los analistas de GoldDerby —con un pronóstico de 11/10—, los libretos de 'Tres anuncios en las afueras' y 'Lady Bird' siguen muy de cerca el trabajo de Jordan Peele con unas probabilidades de victoria de 8/5 y 17/2 respectivamente. Las casas de apuestas coinciden, con unas cuotas de 2.25€ para el filme de terror —por mucho que haya sido catalogado como comedia—, 2.5€ para la cinta de Martin McDonagh, y 4€ para el filme de Greta Gerwig —todas ellas en Betfair—.

Donald Trump ha encontrado el verdadero problema de la violencia en Estados Unidos. Y no son las armas de fuego; es la violencia plasmada en los videojuegos y las películas. Puede sonar a una parodia, a un sketch del Saturday Night Live, pero es la triste realidad. Es la opinión que ha expresado públicamente el Presidente de los Estados Unidos de América:

"Estoy oyendo a más y más gente decir que el nivel de violencia en los videojuegos está moldeando realmente las mentes de los jóvenes. Y entonces das un paso más, y son las películas. Ves las películas y son muy violentas, y aun así, un niño puede verlas si no hay sexo. Pero hay asesinato, y quizá debería haber un sistema de valoración para eso.

Y te metes en un asunto muy grande y complicado. Lo cierto es que te llegan películas que son muy violentas, con las muertes y todo lo demás, y quizá ésa sea otra cosa que necesitamos discutir. Mucha gente está diciendo que tienes estas películas hoy en día que puedes ir a ver con un niño y son muy violentas y repugnantes, así que quizá vamos a tener que discutirlo."

Al parecer, Donald Trump no sabe que en el cine ya existe un sistema de valoración que establece la edad adecuada o recomendada para ver una película (también lo hay para los videojuegos).

Por eso en Hollywood realizan tan pocas películas para adultos, porque la MPAA (Motion Picture Association of America) les planta la temida "R" y las familias con niños no pasan por taquilla. La mayoría de blockbusters limitan la violencia o el sexo que aparece en pantalla para poder obtener el sello "PG-13" (para mayores de 13 años) y atraer a los adolescentes.

Dicho eso, Trump sabe que tiene algo de razón en lo que afirma, hay un problema aunque no es el que ha apuntado. Puede que haya "mucha gente" preocupada con la violencia de las películas pero existe la MPAA para regular el acceso a esa violencia; el problema es que la labor de asociación cuanto menos discutible.

A la hora de evaluar si una película es para menores o mayores de edad, la MPAA da más peso al "lenguaje inapropiado" que a la cantidad de violencia en pantalla. Uno de los casos recientes más famosos es el de 'El discurso del rey' ('The King's Speech'): originalmente iba a recibir la "R" pero al reducir los "fucks" ("joder") se cambió a PG-13. La misma calificación que tienen 'El caballero oscuro' ('The Dark Knight') o 'Venganza' ('Taken'), por citar sólo un par de títulos.

Así que el sistema de clasificación por edades debería revisarse, pero hay uno, y en todo caso, ésa no es la cuestión. La cuestión es: ¿hay una relación directa entre la violencia en el cine y la violencia real? O dicho de otro modo: ¿ver películas MUY violentas te convierten en un asesino? Todos los que llevamos décadas viendo películas violentas o muy violentas, y no hemos matado a nadie, sabemos que no. No hay ningún estudio científico que establezca un vínculo entre la violencia en el cine o los videojuegos y los asesinatos reales. Y es que sabemos establecer la diferencia.

Jan Wahl: ¿Por qué esa necesidad de tanta violencia gráfica?

Quentin Tarantino: PORQUE ES MUCHO MÁS DIVERTIDO, JAN.

-Oh, ¿de verdad? Me gustaría verte salir a la calle y que te atacaran unos niños que acaban de ver tu película.

-Ah, Jan, estás muy confundida, estás hablando de la vida real. Si quieres hablar de la película, hablamos de la película. Si quieres hablar de la vida real, hablamos de la vida real.

-¿Y los niños de 12 años pueden ver la diferencia? Dile eso a sus padres, Quentin.

-Yo podía. Yo veía todas las películas en las que me estoy basando.

-Y mira lo maravilloso que has salido.

-Sí, los niños van a un cine y pueden ver la diferencia. Quizá tú no podías, pero yo sí.

Por otro lado, y volviendo a las palabras de Donald Trump, en todas partes vemos las mismas películas violentas y jugamos a los mismos juegos violentos que en Estados Unidos. Sin embargo, en ningún país del mundo hay tantas muertes por armas de fuego como en Estados Unidos. Sería interesante que el señor Trump respondiese a este enigma.

Por cierto, Forbes apunta que Trump recibió 30 millones de dólares de la NRA (la Asociación Nacional del Rifle) durante la campaña electoral. Y ahora dice que si hay profesores armados se pueden evitar matanzas como la ocurrida recientemente en el instituto de Parkland (Florida). Suena al argumento de una película, ¿no? Trump quiere profesores como los de 'El rector' ('The Principal') o 'El sustituto' ('The Substitute'). Pero ganó las elecciones, es el Presidente. Quizá sí que hay "mucha gente" que piensa como él:

Vuelven las llamadas de teléfono a deshoras y el viejo cascarrabias que no tiene nada mejor que hacer que lamentarse de lo mal que está todo y de cómo esto en sus tiempos no pasaba. Esta vez arremete contra una moda que ha acabado convirtiéndose en una plaga sin demasiado fuste dentro del cine mainstream actual: las secuencias post-créditos que no sirven para nada.

Después de poner finas las nominaciones a los Oscar, nuestro adorable vejestorio tiene cuatro cosas que decir sobre la moda de las secuencias post-créditos, que empezaron como un chiste en comedias desmadradas y han acabado convirtiéndose en una obligación casi contractual con los espectadores. Los espectadores de las películas de superhéroes, por ejemplo, se sienten estafados si no se llevan a casa su buena media docena de extras después de leer millones de nombres de técnicos de modelado 3D.

Esto ha llevado a cierta pereza en la creación de esas secuencias, a veces pescadillas que se muerden la cola, autorecurrentes y sin ningún valor añadido. A veces sirven para rematar tramas que quedaron en el aire, a veces para dar un colofón final al argumento de la película. En resumen, son una buena muestra de la pereza y la realización mecánica que a veces rodea a las grandes producciones.

Parece mentira que los Muppets, que todo lo que tocan lo convierten en Bondad, estén detrás de un concepto que, cuenta nuestro anciano, ha degenerado tremendamente. No te pierdas su atropellada diatriba contra de todo lo que a ti te gusta en la nueva entrega de 'Old Man Yells at Cloud'.

Netflix hizo historia con el estreno de 'The Cloverfield Paradox'. Nunca antes se había anunciado con apenas unas horas el lanzamiento de una película de esas proporciones. Luego es cierto que no llegó a tener todo el éxito que la compañía esperaba, pero se hablado mucho de ella, aunque en no pocos casos haya sido de forma negativa. Uno de los aspectos más comentados ha sido, sin lugar a dudas, su final.

El hecho de ser uno de los detalles más importantes para conectar a 'The Cloverfield Paradox' con el universo iniciado por 'Monstruoso' ('Cloverfield') ha sido determinante para ello y no ha pasado desapercibido para ninguno de sus responsables. De hecho, Julius Onah, director de la película, y JJ Abrams, productor de la saga, han querido lanzar un poco de luz al respecto. Esto es lo que ha señalado Onah durante el paso de ambos por The Empire Film Podcast -cuidado con los spoilers a partir de aquí-.:

Ahora que hemos abierto múltiples líneas temporales y las cosas están sucediendo dimensionalmente, hay muchas formas de desarrollarlo. Hay una buena conexión para hacer con las cosas que caen en el océano cuando se dan cuenta de que han caído en otra dimensión. Hay muchas más posibilidades que vendrán con otros aspectos de la historia.

Vamos, que ha optado por no entrar en muchos detalles pero se confirma que 'The Cloverfield Paradox' sucede en una línea temporal diferente a la de 'Monstruoso', a lo que hay que añadir otra importante revelación que hicieron Onah y Abrams: es la mismo monstruo. Vamos, que todo apunta a que la teoría de que lo que vimos en su momento no era más que una bebé de esas temibles criaturas es totalmente cierta.

Además, Abrams quiso entrar en toda la polémica alrededor del hecho de estar cogiendo guiones sin nada que ver con el universo de Cloverfield y modificándolos para que formen parte del mismo. Tampoco elaboró demasiado su respuesta, pero esto es lo que apuntó al respecto:

Por una parte puedes decir que "bueno, ahora cualquier cosa podría ser una película de Cloverfield", pero la intención nunca fue coger una película y poner a Cloverfield en ella. La idea era decir que Cloverfield es una especie de paraguas bajo el cual todo tipo de géneros y emocionantes viajes pueden tener lugar.

Vía | Comic Book Movie

La meteorología que nos ha acompañado los últimos días en la Ciudad Condal, en la que los chubascos han estado a la orden del día, ha sido la más adecuada para generar una atmósfera propicia para acompañar la que, a título personal, considero como una de las mejores experiencias a nivel cinematográfico que he experimentado —a la altura del visionado de '2001: Una odisea del espacio' en 70mm que pude disfrutar hace una temporada—.

El Grup Balañá, dentro del siempre encantador marco del Teatre Tivoli de Barcelona, ha dado al respetable la oportunidad de disfrutar en dos pases de la proyección de una copia especial de la gloriosa 'Cantando bajo la lluvia' sin arreglos musicales, recayendo la interpretación de la parte instrumental de la banda sonora del filme sobre la Orquesta Sinfónica Camera Musicae. Un evento que me ha permitido redescubrir a un nuevo nivel el que no sólo es el mejor musical de todos los tiempos, sino una de las mejores películas que nos ha regalado el séptimo arte, independientemente de su género, a lo largo de la historia.

Una vez se atenuaron las luces y la orquesta comenzó a interpretar las eternas e irrepetibles notas de la introducción del clásico dirigido por Stanley Donen y Gene Kelly, superpuestas a las voces originales del propio Kelly, Debbie Reynolds y Donald O'Connor, el vello de punta acompañó a una gigantesca sonrisa que se dibujó en mi rostro de manera instantánea y que me acompañó a lo largo de la velada, mientras mis ojos intentaban asimilar la magia que destilaba la pantalla.

Por supuesto, gran parte de culpa de estas sensaciones la tuvo el portentoso sonido en directo de unas melodías que, escuchadas en prácticamente cualquier condición, son capaces de emocionar por sí solas. No obstante, por muchas remasterizaciones que se realicen del material original, la pista de audio de 'Cantando bajo la lluvia' siempre adolecerá las imperfecciones heredadas de la tecnología de los años 50; es por esto que contar con la nitidez y la fuerza de la sinfónica en vivo logró enriquecer al largometraje, haciéndolo aún más perfecto si cabe.

Hay que reconocer que, a pesar de que que las condiciones de proyección no fuesen las más refinadas, con una pantalla no demasiado grande y luminosa, todo el encanto y el poderío a nivel visual de 'Cantando bajo la lluvia', que muchos han intentado replicar una y mil veces sin éxito, continúa maravillando como el primer día.

Su viva y saturada paleta de colores, que exprime hasta la última gota las capacidades del Technicolor, los movimientos de cámara que acompañan a los inigualables números musicales filmados en fascinantes planos secuencia, los titánicos escenarios en los que se ambientan... Todo en 'Cantando bajo la lluvia' lleva grabada a fuego la etiqueta de "espectáculo en mayúsculas"; incluido el carisma de su trío protagonista, ante cuyas habilidades para el baile, voces, y presencia frente a la cámara es imposible no caer rendido.

Sesenta y seis años después de que Metro Goldwyn Mayer estrenase esta oda al mundo del cine, que repasa con acierto y un gran sentido del humor los devenires de la industria durante la transición del mudo al sonoro, sigue sorprendiendo cómo una narrativa que se empeña por suceder —impresionantes— números musicales resulta tan efectiva y permite hilar una historia en cuya sencillez radica su mayor virtud.

Una obra maestra siempre será una obra maestra, y resulta harto complicado llegar a imaginar que puede ser posible mejorarla de algún modo. Gracias a esta oportunidad no sólo he comprobado que esto puede llegar a suceder, sino que he vuelto a enamorarme ciegamente del filme de Donen y Kelly, reforzando mi creencia de que, como sugería el título del programa que tenía Jose Luis Garci en La 2, hay muy pocas cosas en esta vida más grandes que el cine.

Cada vez falta menos para que se anuncien los ganadores de la 90ª edición de los Oscar. Falta muy poco para conocerlos, pero antes vamos a descubrir la identidad de los triunfadores en otros galardones. En el caso de los Razzie habría que entrecomillar lo de triunfadores, ya que dudo mucho que nadie esté deseando llevarse uno, pero hace unas horas se desveló el palmarés de este año.

Tal y como se esperaba, 'Emoji: La película' ('The Emoji Movie') ha sido seleccionada como la peor película de 2017, convirtiéndose así en la primera cinta animada en tener ese "reconocmiento", sumando además otros tres. De esta forma se convirtió en el título con más victorias de la noche, duplicando los dos recibidos por 'Cincuenta sombras más oscuras' ('Fifty Shades Darker'). A continuación os dejamos la lista completa de ganadores de los Razzies 2018:

PEOR PELÍCULA

• 'Emoji: La película' (GANADORA)
• 'Transformers: El último caballero' ('Transformers: The Last Knight')
• 'Cincuenta sombras más oscuras'
• 'La momia' ('The Mummy')
• 'Los vigilantes de la playa' ('Baywatch')

PEOR DIRECTOR

• Darren Aronofsky por 'madre!' ('mother!')
• Michael Bay por 'Transformers: El último caballero'
• James Foley por 'Cincuenta sombras más oscuras'
• Alex Kurtzman por 'La momia'
• Anthony (Tony) Leonidis por 'Emoji: La película' (GANADOR)

PEOR ACTRIZ

• Dakota Johnson por 'Cincuenta sombras más oscuras'
• Tyler Perry por 'Boo 2! A Madea Halloween' (GANADOR)
• Katherine Heigl por 'Unforgettable (Amor, celos, locura)'
• Emma Watson por 'El círculo' ('The Circle')
• Jennifer Lawrence por 'madre!'

PEOR ACTOR

• Tom Cruise por 'La momia' (GANADOR)
• Jamie Dornan por 'Cincuenta sombras más oscuras'
• Mark Whalberg por 'Dos padres por desigual' ('Daddy's Home 2') y 'Transformers: El último caballero'
• Johnny Depp por 'Piratas de Caribe: La venganza de Salazar' ('Pirates of the Caribbean: Dead Men Tell No Tales')
• Zac Efron por 'Los vigilantes de la playa'

PEOR ACTRIZ SECUNDARIA

• Kim Basinger por 'Cincuenta sombras más oscuras' (GANADORA)
• Sofia Boutella por 'La momia'
• Laura Haddock por 'Transformers: El último caballero'
• Goldie Hawn por 'Descontroladas' ('Snatched')
• Susan Sarandon por 'El gran desmadre' ('A Bad Moms Christmas')

PEOR ACTOR SECUNDARIO

• Javier Bardem por 'madre!' y 'Piratas del Caribe: La venganza de Salazar'
• Russell Crowe por 'La momia'
• Josh Duhamel por 'Transformers: El último caballero'
• Mel Gibson por 'Dos padres por desigual' (GANADOR)
• Anthony Hopkins por 'Collide' y 'Transformers: El último caballero'

PEOR COMBINACIÓN EN PANTALLA

• Cualquier combinación de 'Cincuenta sombras más oscuras'
• Cualquier combinación de 'Transformers: El último caballero'
• Cualquier combinación de 'Emoji: La película' (GANADORA)
• Johnny Depp y su trillada rutina de borracho por 'Piratas del Caribe: La venganza de Salazar'
• Tyler Perry y su andrajoso vestido viejo o su desgastada peluca por 'Boo! 2: A Madea Halloween'

PEOR GUIÓN

• 'Los vigilantes de la playa'
• 'Emoji: La película' (GANADORA)
• 'Cincuenta sombras más oscuras'
• 'La momia'
• 'Transformers: El último caballero'

PEOR REMAKE, RIP OFF O SECUELA

• 'Los vigilantes de la playa'
• 'BOO 2: A Medea Halloween'
• 'Cincuenta sombras más oscuras' (GANADORA)
• 'La momia'
• 'Transformers: El último caballero'

Desde que comenzó a picarme el gusanillo por el séptimo arte e inicié mi aventura cinéfila, me he visto estrechamente ligado al cine de género en un romance que continúa siendo tan intenso como el primer día y gracias al cual puede llegar a comprenderse la alegría y esa especie de orgullo ajeno que me embarga al ver 'Déjame salir' entre la selecta lista de nominadas a mejor película en la próxima ceremonia de los Oscars.

Pocas cosas supondrían un mejor fin de fiesta para la gala que se celebra el próximo domingo que ser testigo de cómo Jordan Peele y compañía salen a recoger la última estatuilla de la noche. Un escenario que, con los pies en la tierra y dejando las fantasías a un lado, se antoja muy poco probable; especialmente tras leer las sorprendentes declaraciones de algunos de los miembros más jóvenes de la Academia con derecho a voto.

Según han recogido varios medios estadounidenses a raíz de una entrevista publicada originalmente en Vulture, han sido varios los académicos más entrados en años que no se han dignado siquiera a ver el largometraje que nos ocupa, considerando que "no es una película digna de los Oscar". Hecho que revela una ranciedad y un tufo a alcanfor en la institución que sólo podrán disipar las nuevas —y necesarias— generaciones.

Sintiéndolo mucho por estos miembros del sector más ajado de la Academia Norteamericana, mucho me temo que su tozudez e imposibilidad de ver más allá de biopics protagonizados por actores sepultados bajo kilos de maquillaje, dramas lacrimógenos y personajes traumatizados, les está impidiendo disfrutar de una de las mejores películas de 2017 que bien merece esta modesta y férrea reivindicación como la firme candidata a alzarse con el ansiado galardón que es.

Una película oportuna, ácida y comprometida

Apartando momentáneamente a un lado los aspectos estrictamente cinematográficos que convierten a 'Déjame salir' en una más que digna contendiente en la carrera por el Oscar a mejor película, es necesario recordar que un premio de este calado no debería recompensar únicamente la excelencia técnica y narrativa de un largometraje.

Más allá de eso, es necesario que tenga en consideración el contexto en que se ha creado, lo oportuno de su lanzamiento, su valentía y su trascendencia a nivel temático y sociopolítico. Elementos que en el caso del filme de Jordan Peele se ven reflejados en su valor como representante y dignificador del cine de género y, por supuesto, en el peso e importancia de su reivindicación racial.

Su importancia para el género

La eterna 'El exorcista' de William Friedkin fue la primera cinta de terror de la historia que recibió una nominación al Oscar a mejor película. Desde aquél lejano 1973, tan sólo cuatro películas han conseguido optar al premio hasta la fecha, siendo la última 'El sexto sentido' —en 1999—, y destacando 'El silencio de los corderos' como la única capaz de llevarse el gato al agua en la ceremonia de 1992.

Esto evidencia, a juzgar por la inmensa cantidad de grandísimas obras que ha dado históricamente, una suerte de menosprecio institucional sistematizado hacia un género que ha encontrado en 'Déjame salir' un nuevo estandarte, ya no sólo para el terror per-se, sino para la vertiente afroamericana del mismo.

Su trascendencia en cuanto a temática racial

En la pista de audiocomentarios que incluye la edición doméstica de 'Déjame salir', su director y guionista Jordan Peele reflexiona sobre la figura de las personas de raza negra en relación con cine de terror. Este afirma que, como aficionados, los pertenecientes a esta etnia siempre se han solido ver relegados al patio de butacas o a ver a sus homólogos en pantalla, salvo honrosas excepciones, padeciendo funestos destinos como secundarios, siempre lejos de los papeles protagonistas.

Es muy importante que sea precisamente un director negro el encargado de sacar esta problemática a la palestra con su obra y no un realizador blanco, honrosamente aliado de una causa ajena a su naturaleza y problemática diaria. Esto cobra importancia si atendemos al modo en que Peele trata los efectos del racismo en 'Déjame salir', articulando el discurso con conocimiento de causa, sentido del humor —no faltan los clichés raciales— y reflejando con autenticidad muchas de las situaciones incómodas a las que se puede enfrentar —y se enfrenta— una persona de su raza.

Desde las microagresiones involuntarias fruto de la torpeza social o la ignorancia que pueden percibirse en la presentación de Dean —el padre de Rose—, en la que utiliza jerga asociada a la comunidad negra para ganarse la confianza de Chris, hasta las muestras más frontales de racismo —sobrecogedora la secuencia de la cena capitaneada por Caleb Landry Jones—; todo desprende una veracidad que se diluye ente el espíritu con voluntad de género del filme, haciéndolo aún más incómodo si cabe.

Además de esto, 'Déjame salir' llega en un momento absolutamente oportuno, marcado por el indistinguible contexto edificado en torno a los muros, el odio y el racismo estandartes de la era Trump. No obstante, la película se las apaña para brillar incluso cuando se dedica a lanzar dardos a la sociedad yanqui, optando por no limitarse al tópico de atacar al sector ultraconservador, republicano e intrínsecamente racista para golpear también a las élites liberales, redondeando de forma muy inteligente su crítica y, en consecuencia, elevando su calidad hasta cotas insospechadas.

Una cinta excelente en la que el mensaje no lo es todo

Hasta el momento, ha quedado claro —o, al menos, eso espero— que 'Déjame salir' oculta grandes bondades temáticas y una inmensa cantidad de materia gris tras su esa fachada de película de terror corriente y moliente que tanto ha tirado para atrás a ciertos académicos pero, más allá de su poder reivindicativo, esta irrepetible ópera prima esconde un gran producto cinematográfico.

Con su primer largo, Jordan Peele ha firmado un crowd-pleaser que prácticamente nadie esperaba, capaz de abrazar y satisfacer por igual al público casual con ganas de pasar un —buen— mal rato y al consumidor más ávido de cine de género; todo ello con un sentido del entretenimiento abrumador, mala baba y una ejecución excelente en términos formales y narrativos.

Un guión excelente como los mejores cimientos posibles

Pese a su aparente sencillez, 'Déjame salir' esconde tras su magnífico ejercicio de hibridación genérica —en el que hay cabida para el suspense con poso clasicista, la ciencia ficción más delirante y una acertada carga cómica— un trabajo inconmensurable en cuanto a guión se refiere que va más allá del innegable frescor de la propuesta.

Las incontables horas empleadas por Jordan Peele para dar forma a su libreto —también nominado al Oscar— trascienden a su proceso de escritura, afirmando el guionista haber construido un trasfondo inmenso para crear el universo de la película, cuyos orígenes se remontan a la época de los templarios y el Santo Grial; momento en el que se creó la Sociedad de los Alquimistas Rojos a la que pertenece la familia Armitage y los asistentes a la siniestra puja sobre la que gira el segundo acto de 'Déjame salir'.

Como suele decirse, el Diablo está en los detalles, y este es sólo uno de los muchos que convierten el magnífico guión de la cinta en algo excepcional. Podríamos continuar enumerando sutilezas como la presentación del protagonista, al que conocemos tiñéndose el rostro de blanco con espuma de afeitar; o la de Rose, la sociópata antagonista a la que vemos por primera vez eligiendo pasteles a través de una vitrina con una pérfida sonrisa.

Los personajes y su psique como el gran motor de la historia

Estas dos muestras, que podríamos incluir en cualquier master-class de narración cinematográfica, invitan a continuar hablando del soberbio tratamiento que Peele da a sus personajes principales, edificados en torno a un fuerte componente psicológico que va más allá del simple trasfondo para dar complejidad a sus personalidades, sino que se eleva como el principal motor de la historia.

Lejos de las pautas impuestas por el guión en sus transiciones entre actos, giros dramáticos y demás elementos estructurales, son las acciones de Chris, motivadas por sus traumas y experiencias, las que van desenvolviendo la trama de forma orgánica. Por ejemplo, el hecho de que decida no huir cuando todo se ha descontrolado obedece a su sentimiento de culpa por la muerte de su madre; algo que no quiere revivir con Rose y que descubrimos en una de las escenas más brillantes del filme.

A todo lo que hemos comentado hasta el momento, debe añadirse la propia figura de Jordan Peele, cuya cinefilia y pasión por el género no sólo le han permitido minar el relato de referencias a varios clásicos del terror —que además le han servido de inspiración—, sino para conseguir refinar la narrativa huyendo de clichés y esquivando las pantanosas aguas rebosantes de agujeros de guión e incoherencias en las que suelen navegar muchas de sus congéneres.

Como veis, 'Déjame salir' es mucho más que "una película de terror nominada al Oscar"; es una firme postulante a elevarse con el máximo galardón de la temporada de premios por unos méritos propios que van desde su ejemplar ejecución, dirección de actores o guión hasta su importancia a nivel reivindicativo e histórico. Lamentablemente, parece que este 2018 aún es un año temprano para que la Academia se libre de prejuicios y aprenda a ver más allá de un póster, una premisa y un género; una actitud que, irónicamente, casa considerablemente bien con el eje temático del debut de Jordan Peele tras las cámaras.

Los Oscar están a la vuelta de la esquina y pronto acapararán toda nuestra atención, pero en Espinof no podíamos faltar a nuestra cita de los domingos con las mejores ofertas del mundo del cine y la televisión de estos últimos días.

En esta ocasión hay espacio, entre otros muchos productos, para la trilogía de 'Thor', la edición coleccionista de 'Your Name', las series completas de 'Dragon Ball Z' y 'Aquellos maravillosos años', el Funko Pop de 'Aladdin' y figuras de Harry Potter. ¡Vamos allá!

• Trilogía de 'Thor' en blu-ray: las tres aventuras del Dios del Trueno interpretado por Chris Hemsworth. Son todas bastante diferentes entre sí, así que igual es poco probable que queráis todas, aunque a cambio está el hecho de querer tener todas las películas de Marvel...: 32,94 euros

• Colección 'Piratas del Caribe' en blu-ray: seguro que más de uno dirá que la primera era la única buena -y en algunos casos que ni eso-, pero la franquicia liderada por Johnny Depp no ha recaudado varios miles de millones de dólares por casualidad: 30,09 euros (que se quedan en 23,09 euros si queréis el pack en dvd)

• 'Your Name', edición coleccionista en blu-ray: una película muy especial que logró encontrar a su público en España, tanto que luego apareció a la venta una excelente edición para coleccionistas que ahora puede ser vuestra con un buen descuento: 27,99 euros

• 'Handia' en blu-ray: es una pena que se quedase sin el Goya a la mejor película tras arrasar en las categorías técnicas, pero no quita para que sea una propuesta muy a tener en cuenta: 10,49 euros

• 'Malas tierras' en blu-ray: por ahora esta estupenda película de Terrence Malick solamente puede adquirirse en Fnac, por lo que igual os interesa aprovechar este descuento del 30% que tiene actualmente: 9,09 euros

• 'Dragon Ball Z', serie completa en dvd: siempre defenderé que 'Dragon Ball' es mejor que 'Dragon Ball Z', pero eso no quita para que la segunda sea quizá hasta más emblemática y este pack el sueño hecho realidad para muchos de sus fans: 153,99 euros

• 'Black Sails', serie completa en dvd: algún día entenderé el motivo por el que en España hay series bien recientes que solamente se lanzan en dvd en España. La que ahora nos ocupa es solamente una de ellas, pero al menos no queda mal de precio: 38,49 euros

• 'Crónicas vampíricas', serie completa en dvd: yo no logré pasar del segundo episodio, pero esta ficción emitida por The CW tuvo millones de fans y me da que más de uno de ellos querrá hacerse con ella: 70,69 euros

• 'Aquellos maravillosos años', serie completa en dvd: un titulo inolvidable que seguro que muchos de sus amantes ya tienen algo borroso en su memoria. Ahora pueden solucionarlo gracias a este práctico pack que la recopila al completo: 39,89 euros

• 'Bajo sospecha', serie completa en blu-ray: Yon González lideró este thriller televisivo español que ahora se puede conseguir con un suculento descuento ddel 30%: 27,99 euros

• Funko Pop de Aladdin: un simpático cabezón dedicado al protagonista de una de las películas más emblemáticas: 10,76 euros

• Mystery Minis de Harry Potter: la segunda edición de las cajas sorpresas de Funko dedicadas a las aventuras del joven mago interpretado en la gran pantalla por Daniel Radcliffe. Vuelve a pasar lo de siempre, que no puedes elegir cuál te va a tocar: 7,49 euros

• Pack de 5 figuras de 'El Hobbit': a medida que pasa el tiempo se va reduciendo el precio del merchandising de casi cualquier franquicia y la adaptación de la popular novela de Tolkien no iba a ser una excepción: 18,99 euros

• Figura de resina de Ramsay Bolton: una elaborada figura con grandes acabados de uno de los villanos más emblemáticos de 'Juego de Tronos'. Yo hasta echo de menos su maravillosa y retorcida maldad: 22,90 euros

• 3 por 2 en camisetas frikis: una amplia selección de camisetas de Star Wars, Deadpool, Black Panther, Harry Potter y muchas más: 3 por 2

La tradición de los grupos prefabricados es casi tan antigua como la propia historia de la música pop, y quien identifique necesariamente música para las masas con algo auténtico, genuino, insobornable y que transpira auténtica creatividad independiente... o sabe muy poco de la industria del entretenimiento, o aún cree que U2 están en esto para hacer grandes canciones que inspiren a generaciones enteras.

La industria de la música siempre ha buscado artistas que replicaran los modos y tics de quienes iban arrasando en las listas de éxitos. Decenas de rockeros que movían la pelvis como Elvis fueron solo el primer paso: los Monkees fueron un producto de laboratorio que intentó replicar a los Beatles, los Archies o Josie and the Pussycats (que por cierto, inspiraron una película con mucho en común argumentalmente con esta) se crearon con castings para dar voz a grupos de dibujos animados, y monstruos del metal como KISS han dado más importancia al personaje que a la persona, da igual quién se pintarrajee la cara.

Por eso, para aquellos para quienes la debacle de Milli Vanilli no supuso una ignonimia inenarrable, sino el divertido signo de los tiempos, que en los noventa triunfaran un grupo de chicas reclutadas via casting con canciones compuestas por expertos semi-robóticos en asaltar las listas no supuso ninguna sorpresa. Y como además, las canciones eran, prejuicios aparte, francamente resultonas, las Spice Girls no solo se convirtieron en modelo de conducta para miles de niñas en todo el mundo, sino en un simpático y muy estimable producto doscientos por cien pop para aficionados sin prejuicios.

Las Spice Girls nacieron a partir de un casting que pedía chicas deslenguadas entre 18 y 23 años que supieran cantar y bailar, y cuya intención era competir con las boy bands que por entonces arrasaban, como Take That. Casi todo el plantel definitivo de miembros quedó fijado desde el principio, cuando la banda se iba a llamar Touch. Poco después, y ya con el nombre Spice en mente, huyeron de su primera agencia robando los masters de sus primeras maquetas (!!), y se aliaron con Simon Fuller, que les consiguió un contrato con Virgin. El resto es (más o menos) historia.

En una época pre-Internet en la que los grupos que triunfaban de forma global a esta escala eran los reyes del pop, las Spice Girls fueron número 1 en casi cuarenta países con 'Wannabe' y vendieron de ese single 6 millones de copias. Y no fueron un one-hit wonder: la racha continuó con temas (algunos de ellos, temazos) como '2 become one', 'Say you'll be there' o 'Spice up your life'. Es fácil desestimar hoy sus méritos, pero el éxito fue apabullante y a nivel global. La idea de rodar una película promocional era absolutamente evidente.

Spiceworld: una película a medida

La película de las Spice Girls llegó en un momento complicado: el segundo y último disco del grupo, titulado como la película, acababa de salir a la venta. De nuevo se encontraban en lo más alto de las listas de ventas, pero prensa (la prensa de información general: la siempre remilgada prensa especializada, por supuesto, no las tragó desde el principio) y parte del público empezaban a estar cansados de la sobreexposición de las chicas a los medios, del extraordinario éxito de sus singles y de la inevitable pérdida de frescura inicial que se derivaba del paso de los meses.

Todo eso caló en una película que, sobre el papel, funciona como una reformulación de '¡Qué noche la de aquel día!' de los Beatles (que nadie se eche las manos a la cabeza: cuando los Beatles rodaron esa película, su posicionamiento para crítica, público y medios no era muy distinta a la de las Spice Girls), pero en versión simplificada. Como aquella, cuenta el falso día a día en la vida de la banda pero obviamente, al no tener a alguien como Richard lester al mando, los resultados son mucho menos subversivos.

Y sin embargo, y eso es lo más sorprendente en un producto tan aparentemente descafeinado como las Spice Girls, Spiceworld introduce entre en su argumento, entre líneas, una mala baba eminentemente británica. Algo que hace de Spiceworld un producto todo lo teledirigido e industrial que se quiera (tengo una mala noticia: exactamente igual que las películas de Marvel y Star Wars), pero mucho más fresco de lo esperable sobre el papel.

Parte de ello viene de la despreocupada representación de las chicas como un producto de marketing. Aunque se muestra un pasado donde eran amigas, falseando su auténtico origen en un casting, el caso es que ese flashback no deja de ser una excusita para calzar una canción, sin más. El grueso de la película transcurre en el presente, y ahí se nos muestran como una banda de éxito dominadas por su manager (un divertido Richard E. Grant) y controladas en la sombra por un tronchante Roger Moore que parodia al Blofeld bondiano, mascotas incluidas.

Por supuesto todo está presentado con un tono blanco e inofensivo: aunque las Spice Girls sean títeres de un megalómano que habla con crípticos refranes, posiblemente desde el interior de un volcán, llevan una vida despreocupada y entregada a la difusión internacional del Girl Power. Pero los chistes con mala baba se deslizan por la trama una y otra vez: críticas a la ética descerebrada de los paparazzis, las curvas de Geri sacando a un niño de un coma y la insinuación de que Victoria Adams, sencillamente, es imbécil.

Victoria es tratada como una boba porque Spiceworld juguetea con la percepción pública de los papeles que les ha tocado interpretar (la deportista, la niña -lo que propicia una parodia de Agatha Christie estupenda-, la pija, la sexy y la que da miedo). Juguetea hasta el punto de fantasear con un intercambio de papeles entre ellas, o de proponer una divertida parodia de James Bond, Spice Force Five, en la que Victoria es una chica Bond protitípica y Geri es una maestra del disfraz que se convierte... en Bob Hoskins.

Hoskins, de hecho, es solo uno de los muchos cameos que pueblan la película: Elvis Costello, Stephen Fry, Bob Geldof o Elton John son otros de los notorios artistas británicos que se prestan a dejarse ver con las chicas. El más (infaustamente) famoso fue Gary Glitter, que debía aparecer con ellas interpretando el clásico 'I'm The Leader Of The Gang', pero fue eliminado del montaje cuando salieron a la luz las condenas por pederastia del cantante. La versión del tema permaneció en la película. El papel más divertido, sin embargo, le toca a Meat Loaf, que cita uno de sus estribillos más famosos: "I would do anything for love, but I won't do that"

Todo ello, además, está bañado en un espíritu tontorrón y optimista, para todos los públicos, perfectamente acorde con el tono inofensivo, colorista y pop de las Spice Girls. Y proclive a reírse de sí misma, lo que siempre resulta refrescante: la secuencia en la que un aspirante a guionista propone argumentos para la propia película, sugiriendo por ejemplo una historia de superación con cinco hermanas huérfanas que encuentran el éxito a través de la música es decididamente ácido y malvado.

¿Lo convierte eso en una buena película? Demonios, no del todo. 'Spiceworld' es un largo, largo videoclip de las Spice Girls, rebosante de interpretaciones escandalosamente malas, empezando por las de las propias Spice Girls. Es muy consciente de su condición de producto de marketing y bromea sobre ello, pero hubiera sido de agradecer algún esfuercito a la hora de disimularlo, aunque fuera en terminos presupuestarios (algo de lo que también se ríe la película, en el memorable gag del bus y la bomba).

Y sin embargo, con sus pros y sus contras... hay algo que la hace especialmente relevante hoy. Las reivindicaciones de Girl Power por parte de las chicas picantes nunca sonó demasiado sincera en su día, para ser honestos. Aparte de su total carencia de fondo político, a veces sonaba más a eslogan prefabricado, otro elemento de marketing más en el espectáculo -aunque me consta que muchas niñas de la época se vieron inusualmente inspiradas por el espectáculo de cinco mujeres fuertes reivindicando el poder femenino-.

Pero el argumento de 'Spiceworld', en el que cinco mujeres se ven constantemente sermoneadas, zarandeadas, espiadas y teledirigidas por un grupo de hombres sin escrúpulos -del sádico sarnoso al amigo aparente, pasando por el jefe en la sombra o los explotadores de talento ajeno-, para al final acabar saliendo adelante apoyándose una en la otra y sin necesidad de injerencias masculinas... vaya, ¿no es eso inusitadamente actual y genuínamente reivindicativo?

Spiceworld es una película intrascendente y sin mayor importancia, estamos de acuerdo. Un producto publicitario y apresurado para hacer caja con un fenómeno de éxito, sí... pero sin embargo, entre líneas y entre risas, esconde algún mensaje genuína y honestamente subversivo, más de una idea tan potente hoy como en su día. Y eso, en mi libro, es de las cosas que merecen la pena ser revindicadas veintipico años después. Zig-a-zig-ah!!