Cada nueva información que sale a la luz sobre el caso de presunto acoso sexual de Harvey Weinstein resulta más espeluznante que la anterior. Ya las primeras revelaciones dejaban claro que había muchos casos a lo largo de estos años que no habían salido a la luz, y precisamente lo que está sucediendo durante estas últimas horas es que están apareciendo un aluvión de acusaciones que incluso están elevando los cargos hasta el nivel de violación.

Varias estrellas de Hollywood como Jennifer Lawrence, Kate Winslet, Meryl Streep o Nicole Kidman se han posicionado abiertamente en contra de Weinstein, pero es que otras actrices como Angelina Jolie, Asia Argento, Gwyneth Paltrow o Rosanna Arquette no han dudado en desvelar que ellas también sufrieron ese tipo de trato por parte del productor de 'Shakespeare in Love'. Da vértigo repasar todos los casos, pero en Espinof nos vemos en la obligación de intentarlo.

Asia Argento

I wrote and directed this scene in 1999. #Weinstein pic.twitter.com/VFRJQM0O4M

— Asia Argento (@AsiaArgento) October 10, 2017

Me pidió que le diera un masaje. Yo estaba en plan "Mira, no soy una jodida idiota", pero recordándolo, lo fui y todavía estoy lidiando con lo que pasó. Me aterrorizó y él era muy grande. No podía parar, fue una pesadilla. La cosa sobre ser una víctima es que me sentía responsable. Porque si era una mujer fuerte, le habría dado una patada en las pelotas y habría huido, pero no lo hice y por eso me siento responsable.

Así recuerda Asia Argento un encuentro con Weinstein cuando fue invitada a una fiesta en un hotel francés cuando apenas tenía 21 años. El problema es que tal fiesta no existía y se encontró a solas con Weinstein, quien acabó levantándole la falda, separando sus piernas y practicándole sexo oral contra su voluntad. Ella admite que le dejó continuar adelante porque se sentía incapaz de defenderse a sí misma, así que fingió disfrutarlo y al acabar le dijo a Weinstein "No soy una puta". ¿La reacción de Weinstein? Echarse a reír. La propia actriz ha dado a entender que la escena de más arriba, que forma parte de la película 'Scarlet Diva', está basada en su encuentro con Weinstein...

Eso sí, el caso se complica aún, Weinstein siguió contactando con ella y ofreciéndole caros regalos. Ella acabó manteniendo relaciones consentidas con él varias veces durante años venideros, una experiencia que ella no recuerda de forma especialmente positiva. La primera fue meses después, poco antes de que 'B. Monkey' llegase a los cines y Argento recuerda sentirse obligada a hacerlo para no enfurecerle. Años después, Argento ya era madre soltera y Weinstein se ofreció a pagarle la niñera y ella apunta que volvió a sentirse obligada a aceptar sus avances sexuales.

Mira Sorvino

Mira Sorvino también tuvo una mala experiencia en la habitación del hotel de Weinstein durante el Festival de Toronto de 1995: "Me empezó a masajear los hombros, lo cual me hizo sentir muy incómoda, y luego intento pasar a lo físico, como persiguiéndome". Su reacción fue decir que iba contra su religión liarse con hombres casados -Weinstein lo estaba por aquel entonces- y se fue. Meses después volvió a intentarlo, presentándose en la habitación de ella, pero le comentó que su novio -un amigo suyo que iba a hacerse pasar por su pareja- llegaría en breve y Weinstein se marchó.

Sorvino acabaría ganando el Oscar por 'Poderosa Afrodita' ('Mighty Aphrodite'), cinta producida por Weinstein, y volvería a trabajar en varias ocasiones con él, y reconoce que ese éxito la hizo dudar sobre la necesidad de hacer público lo sucedido. De hecho, confiesa que ni siquiera se lo dijo a Bob Weinstein, de quien todavía es amiga. Sin embargo, cree que rechazar a Harvey fue uno de los factores clave para que su carrera se hundiera: "Puede que hubiera otros factores, pero definitivamente me sentí aislada y que mi rechazo a Harvey tuvo algo que ver con ello."

Angelina Jolie

Tuve una mala experiencia con Harvey Weinstein cuando era joven y como resultado de ello decidí no volver a trabajar con él de nuevo y advertir a otras personas cuando lo hicieron. Esta actitud hacia las mujeres en cualquier campo y país es inaceptable.

La protagonista de 'Maléfica' ('Maleficent') no aclara a qué película se refiere, pero echando un ojo a su filmografía vemos que Weinstein fue uno de los productores de 'Jugando con el corazón' ('Playing by Heart'), cinta en la que Jolie participó cuando apenas tenía 22 años.

Gwyneth Paltrow

Gwyneth Paltrow tuvo un encuentro con Weinstein poco después de haber sido fichada para protagonizar 'Emma': "Era una niña, estaba petrificada. Creía que iba a despedirme". Weinstein le puso las manos encima y sugirió que fueran a su habitación para unos masajes, pero ella se negó y se fue. No tardó en contarle lo sucedido a Brad Pitt, su novio por aquel entonces, quien no dudó en hacer frente a Weinstein.

Poco después, Weinstein la llamó, enfadado por haber discutido lo sucedido con alguien: "Me gritó durante un buen rato. Fue brutal.". No obstante, ella insistió en que todo volviera a ser una relación profesional, lo cual acabó sirviendo para lanzar su carrera y también para que ganase un Oscar por 'Shakesperare in Love'. Sin embargo, ella recuerda que no todo fue un camino de rosas a partir de entonces: "Tan pronto era generoso, te apoyaba y luchaba por ti como te castigaba o actuaba como un abusón.

Rosanna Arquette

A principios de los 90, Weinstein pidió a Rosanna Arquette que se pasase por su hotel a recoger el guion de una película. Pronto notó que algo raro sucedía cuando le pidieron que subiese, pero fue a peor cuando la recibió en albornoz y quejándose de un dolor en el cuello, a lo que ella reaccionó intentando recomendarle una masajista profesional. ¿Cuál fue la reacción de él? Agarrarle la mano y ponerla sobre su pene erecto: "Mi corazón estaba acelerado. Era una situación de pelear o huir y le dije que "No soy esa chica y nunca lo seré""

Como consecuencia de lo sucedido, Arquette señala lo siguiente: "Me hizo la vida muy difícil durante años", aunque también confiesa que eso fue en parte el motivo de su silencio: "Él va a trabajar muy duro en localizar y silenciar a la gente. En hacerles daño, eso es lo que hace."

Heather Graham

Había una pila de guiones en su escritorio. 'Quiero meterte en una de mis películas', me dijo y me ofreció a elegir cuál me gustaba más. Más tarde, mencionó que tenía un acuerdo con su mujer. Podía acostarse con quien quisiera cuando estuviese fuera de la ciudad... No había una mención explícita a que tenía que acostarme con él para protagonizar una de esas películas, pero el subtexto estaba ahí.

Heather Graham, visto en películas como 'Boogie Nights' o 'Desde el infierno' ('From Hell'), también ha relatado su experiencia con Weinstein. Además, ha apuntado que en otra ocasión pidió a una amiga que le acompañase a otra reunión con él pero ella finalmente no pudo ir. Avisó a Weinstein de lo sucedido para anular la cita, pero él dijo que su amiga estaba allí y que fuera. Sabiendo que mentía, siguió adelante con su plan de cancelar el encuentro y ahí terminó su experiencia. Y sí, se quedó sin el papel.

Lea Seydoux

Estábamos hablando en el sofá cuando de repente se abalanzó sobre mí e intentó besarme. Tuve que defenderme. Él es grande y gordo, así que tuve que resistirme con fuerza. Abandoné la habitación completamente asqueada. Sin embargo, no le tenía miedo porque sabía el tipo de hombre que era en todo momento.

Lea Seydoux tuvo también una mala experiencia, en esta ocasión durante la Fashion Week celebrada en París en 2012. Luego ha vuelto a encontrarse con él en otros eventos y le ha oído realizar todo tipo de comentarios misóginos y vanagloriarse de todas las actrices con las que se había acostado. Además, llegó a decirle en determinado que sería mejor si perdiera peso.

Cara Delevingne

Cuan llegué me sentí aliviada porque había otra mujer en la habitación y pensé inmediatamente que estaba segura. Pidió que nos besáramos y empezó a hacer avances. Me levanté velozmente y le dije si sabía que podía cantar. Y empecé a cantar pensar que eso haría que la situación mejorase, fuese más profesional, como una audición, estaba tan nerviosa. Después de cantar dije de nuevo que tenía que irme. Él me acompañó a la puerta, se pudo delante de ella e intentó besarme en los labios. Le detuve y logré irme

Esa es solo parte de la experiencia de Cara Delevingne con Weinstein, pues con anterioridad tuvieron una llamada telefónica en la que le preguntó si le gustaban las mujeres y que de ser el caso nunca conseguiría el papel de una mujer heterosexual. Además, recuerda que acabó consiguiendo el papel tras lo sucedido en su habitación, pero que se sentía fatal por haberlo hecho y por cómo se sentía tras lo sucedido. Todo apunta a que se refiere a ‘Tulip Fever’, rodada en 2014 pero que no llegó a los cines hasta 2017.

Varias estrellas muestran su repulsa hacia Weinstein

Me sentí profundamente trastornada al oír las noticias sobre el comportamiento de Harvey Weinstein. Trabajé con él cinco años y personalmente no experimenté ningún tipo de acoso ni sabía nada sobre estas alegaciones. Este tipo de abuso es inexcusable y terrible. Mi corazón está con todas las mujeres afectadas por estas repugnantes acciones. Y quiero agradecerles a todas ellas su valentía por hacerlo público.

Ese ha sido el comentario de Jennifer Lawrence, una de las últimas estrellas de Hollywood que Weinstein ha ayudado a construir, sobre lo sucedido, pero cada vez son más los que han decidido posicionarse. Jessica Chastain reconoce que "Me advirtieron desde el principio. Las historias estaban por todas partes. Negarlo es volver a crear el caldo de cultivo para que suceda de nuevo", mientras que Colin Firth comenta que "siente nauseas leyendo lo sucedido tras haberse beneficiado del apoyo de Weinstein". Por su parte, Nicole Kidman ha lanzado el siguiente comunicado:

Como he comentado públicamente antes, apoyo y aplaudo a todas las mujeres que se pronuncian contra el abuso y la mala utilización del poder, sea la violencia doméstica o el acoso sexual en el lugar de trabajo. Tenemos que erradicar este comportamiento.

La lista es interminable: Ben Affleck ha comentado en su cuenta de Facebook: "Me siento triste y enfadado porque un hombre con el que trabajé usó su posición de poder para intimidar, acosar sexualmente y manipular a muchas mujeres durante décadas.", mientras que George Clooney ha señalado: "Tenemos que ser más diligentes y prestar atención a las señales de peligro. Antes no prestábamos suficiente atención y ahora hay que hacerlo. Este es el momento para empezar a asustar a ese tipo de gente para que no vuelvan a hacerlo."

He financed the first 14 years of my career - and now I know while I was profiting, others were in terrible pain. It makes me feel ashamed. https://t.co/T0hInW7EqJ

— KevinSmith (@ThatKevinSmith) October 9, 2017

"Financió los 14 primeros años de mi carrera y ahora sé que me estaba beneficiando mientras otros sufrían un dolor terrible. Me hace sentir avergonzado."

I believe all the women coming forward about Harvey Weinstein's sexual harassment. It takes bravery to do so.

— Seth Rogen (@Sethrogen) October 7, 2017

"Creo a todas las mujeres que han hecho público el acoso sexual de Harvey Weinstein. Requiere valentía hacerlo"

I'm as appalled and repulsed by the Weinstein news as anyone with a beating heart. And forever in awe of the bravery of those who spoke out.

— Lin-Manuel Miranda (@Lin_Manuel) October 10, 2017

"Estoy tan horrorizado e indignado por las noticias sobre Harvey Weinstein como cualquiera que tenga un corazón que lata. Y por siempre asombrado de la valentía de quienes han hablado al respecto."

Las escandalosas noticias sobre Harvey Weinstein han horrorizado a todos aquellos cuyo trabajo defendió, y también a aquellos cuyas buenas y valiosas causas que apoyó. Las intrépidas mujeres que alzaron sus voces para exponer sus abusos son nuestras heroínas.

Esas palabras forman parte de las declaraciones de Meryl Streep, quien también señala que ella no sabía nada al respecto. En una situación parecida está Judi Dench: "No hay duda de que Harvey Weinstein ha ayudado en mi carrera durante los últimos 20 años. No sabía nada sobre esos horribles delitos. Ofrezco mi solidaridad a todas las que han sufrido y mi apoyo de corazón a todas las que han decidido hablar."

Estoy sentada aquí, profundamente disgustada, reconociéndome a mí misma que sí, durante años fui consciente de los vagos rumores sobre que Harvey Weinstein tenía un patrón de comportamiento inapropiado con las mujeres. Harvey siempre ha sido decente conmigo, pero ahora que esos rumores tienen fundamento, estoy enfadada y triste.

Palabras de Glenn Close, mientras que Julianne Moore ha señalado lo siguiente en su cuenta de twitter: "Hacer público un caso de abuso sexual y coacción da miedo y las mujeres que lo hagan no tienen nada que ganar con ello.". Kate Winslet tampoco ha querido dejar de pronunciarse sobre lo sucedido:

El hecho de que estas mujeres estén empezando a hablar sobre la repugnante actitud de uno de nuestros productores más importantes y bien considerados es muy valiente y ha sido estremecedor saberlo. La forma en la que Harvey Weinstein ha tratado a estas vulnerables y talentosas jóvenes mujeres es algo que nunca debería ser aceptable o común en ningún lugar de trabajo.

Lena Dunham, Patricia Arquette, James Gunn, Hillary Clinton, Mark Ruffalo, Benedict Cumberbatch, Alan Alda o Gretchen Mol son solamente algunas de las otras personalidades que han declarado su repulsa hacia las acciones de Weinstein. De hecho, la lista va creciendo casi a cada minuto que pasa y lo extraño será aquellos que acaben optando por el silencio sobre lo sucedido, aunque quizá aún más impactante sea lo que Paul Schrader ha comentado en su cuenta de Facebook:

Claro que sabía que Harvey Weinstein era un gánster sexual, como también lo sabía mucha gente que se cruzó en su camino. Era un olor que le precedía. Eso no era lo que más me ofendía sobre él. Es el hecho de que comprase película de Bernardo Bertolucci y Wong Kar Wai y las remontase. The Weinstein Company nos ofreció a Bret Ellis y a mí comprar 'The Canyons' con la condición de que Harvey la remontaría. ¿Por qué íbamos Bret y yo, grite al teléfono, a pasar por el sacrificio de autofinanciarnos la película para dejar que un gilipollas como Harvey la remontase?

Está bien defender la integridad del cine, pero hay cosas mucho más graves que destrozar una película. Por ejemplo, destrozar la vida de muchas actrices.

Lindsay Lohan sale en defensa de Weinstein, pero su mujer decide dejarle

"I feel very bad for Harvey Weinstein right now. Everyone needs to stop...its wrong," Lindsay Lohan said on IG. Huh?https://t.co/p6C0wUop2K

— Chris Gardner (@chrissgardner) October 11, 2017

"Me siento muy mal por Harvey Weinstein ahora mismo. Todo el mundo tiene que parar... está mal"

La protagonista de 'Chicas malas' ('Mean Girls') es por ahora la única que se ha pronunciado a favor de Weinstein, añadiendo también lo siguiente: "Creo que Georgina (Chapman) tiene que adoptar una postura y estar ahí para su marido." Se ve que no se ha enterado de la noticia de que la esposa de Weinstein desde 2007 sí que se ha mojado, pero ha sido para apoyar a las víctimas y señalar que va a abandonar a su esposo, con el que tiene dos hijos.

Vía | New York Times, New Yorker, Independent, Vulture y CNN

Piensa en una secuencia icónica o altamente memorable de 'Desafío Total' ('Total Recall'). Te saldrán por decenas. Máscaras que se vuelven locas en la aduana, efectos de las altas presiones en los astronautas desprevenidos, triple tentación en las zonas de Marte de más baja estofa, escudos humanos improvisados, extracción de micrófonos vía nasal, contratos matrimoniales cancelados de forma expeditiva... la mayoría de ellas, violentas o rebosantes de efectos especiales.

Sin embargo, la secuencia que mejor resume 'Desafío total', su mensaje y su espíritu, es una muy sencilla, de planificación casi clásica, pero que exhibe todos los elementos que hicieron grande a la película de Paul Verhoeven, por encima de la ultraviolencia mayúscula, la presencia de Arnold Schwarzenegger o el descubrimiento de Sharon Stone. Se trata del encuentro entre el inopinado héroe de la función, el obrero de la construcción con fantasías de espionaje marciano Doug Quaid y el severo doctor Edgemar.

Edgemar informa a Quaid de que en realidad no está allí, es solo un sueño. Todos son un sueño, un implante de recuerdos falsos que se ha salido de madre. Para asumir que todo está en su cabeza, Quaid solo tendrá que hacer un gesto simbólico y tragarse una pastilla que le saque de esa insensatez imposible de dobles identidades y conspiraciones planetarias. Pero entonces, Edgemar hace algo nunca visto en un sueño...

La escena más hitchcockniana de una película trepidante

La escena es casi una rareza dentro de una película que no para ni un minuto, pero es la que le otorga la categoría de mejor película inspirada en Philip K. Dick. Un tema recurrente del autor de '¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?' o 'Minority Report' siempre fue la confusión entre lo real y lo intangible e imaginado, y pocas secuencias como esta lo ejemplifican mejor, en una película en la que la paranoia y la difuminación de la personalidad lo inundan todo.

En los libros de Dick, la tecnología, las drogas o las propias carencias de la mente y los recuerdos son los que hacen que la realidad se desmorone. Aquí es la aplastante confianza de Edgemar el vehículo de esa duda, al asegurar a Quaid con toda tranquilidad que nada es real o que, al menos, la realidad ya no es lo que era. Una secuencia de tanta importancia para el ambiente de caos identitario de la película que Verhoeven pidió al guionista Ronald Shusett que ampliara los diálogos, para que el impacto que tiene en el espectador durara todo el metraje.

Como es habitual en Verhoeven, una puesta en escena más bien sofisticada (composición de planos, mensajes ocultos con el montaje) se esconde tras una apariencia simple o incluso ramplona, pero sirve al director europeo para desplegar una atmósfera de sueño intranquilo, que es lo que puede estar sufriendo Quaid (o no). Una más de las múltiples capas de significados de una película que se divierte sembrando la duda total en el espectador.

Ha sido una de las sorpresas más sonadas de este año y el título que los defensores acérrimos de lo que DC ha venido perpetrando en la gran pantalla en los últimos tiempos —sí, perpetrando, que quede claro desde ya que no soy de los que defienden a capa y espada a la faceta fílmica de la editorial— han necesitado para entonar un ansiado "¿veis como sí puede haber películas buenas del actual universo cinematográfico de DC?".

Pero, a mi modesto entender, 'Wonder Woman' dista muchísimo de ser la sólida propuesta que muchos —y sobre todo muchas, punto fundamental para entender el éxito de la cinta— han querido ver en una cinta que tarda sobremanera en arrancar, que cuando lo hace nos ofrece una escena asombrosa y que, tras ella, vuelve a caer en lo anodino para rematar la faena con un clímax poco más que funcional.

Y no sólo eso —y no, no voy a entrar a descalificar a los efectos visuales, ellos se las apañan solos para lograrlo— es que, como ya me ocurriera con la horrenda 'Batman vs. Superman: el amanecer de la justicia' ('Batman vs Superman: Dawn of Justice', 2016), y por mucho que su química con Chris Pine sea de lo poco que destacaría del filme, sigo sin "ver" a Gal Gadot ni al tratamiento de Jenkins y Allan Heinberg como exponente de la Wonder Woman que el cine se merecía.

Varias son las razones que se me ocurren para ello —y ninguna tienen que ver, por ejemplo, con la incuestionable belleza de la israelí— más, en lugar de enumerarlas de forma directa, va a ser objetivo de esta entrada, que os ofrecemos a colación del lanzamiento en formato doméstico del filme, el mostrarlas de manera algo más acorde con el espíritu del que la suscribe, ofreciéndoos la posibilidad de acercaros a cinco sagas que, en la página impresa, sí supieron tratar a la princesa amazona como tan puntal personaje se merece.

La Wonder Woman de George Pérez

Qué tienes que leer: los dos volúmenes en los que ECC ha recopilado la etapa al completo de George Pérez y que puedes encontrar aquí y aquí.

Tras ese legendario evento llamado 'Crisis en las tierras infinitas' que sirvió a DC para limpiar y ordenar una casa que arrastraba un caos monumental derivado de décadas de adquisiciones de personajes foráneos y de poco control sobre el sayo que cada equipo creativo de turno hacía de su capa/colección; la editorial quiso dejar claro que lo que vendría a continuación sería un reinicio en toda regla de un universo cohesivo y coherente que, respetando la continuidad, ofrecería a las nuevas generaciones de lectores un auténtico punto de partida.

Fue este el momento el elegido para que Frank Miller construyera su legendaria incursión en el hombre murciélago, para que John Byrne hiciera lo propio con su maravilloso tramo inicial dedicado a el hombre de acero o para que George Pérez tomara las riendas de una Wonder Woman que, desde que William Moulton la creara en 1941, nunca había conocido las mieles del éxito que sí habían disfrutado de forma plena tanto Batman como Superman, los otros dos miembros de la Trinidad del Universo DC.

Confiando de forma plena en su capacidad, la editorial confirió plenos poderes a Pérez como autor completo —los mismos que se otorgaron a Byrne— para que guionizara y dibujara las aventuras de Diana bajo la premisa tácita de crear para ella un microcosmos que la situara en primera fila. Dicho y hecho, fue la decisión del artista de caracterizar a la heroína como un personaje de marcado tono feminista y el explorar a conciencia sus raíces mitológicas lo que conseguiría que, con muy pocos números, esta renovada Wonder Woman encandilara a legiones de lectores.

En ello también tendría mucho que ver el meticuloso y detallista trazo de un George Pérez que en las primeras entregas se dejaría la piel concretando una iconografía que aún hoy, tres décadas más tarde, sigue impresa a fuego en el ADN del personaje, consiguiendo el neoyorquino de ascendencia portorriqueña que sus dos años al frente de la colección como autor completo sigan ahí incólumes como los que mejor han sabido entender a la amazona y a toda su cohorte de personajes secundarios, desde Steve Trevor a cualquiera de sus enemigos divinos o mundanos.

La Wonder Woman de William Messner-Loebs

Qué tienes que leer: el tomo que recopila la colaboración entre Messner-Loebs y Deodato.

Dejando sus labores en el tablero al margen, Pérez extenderá su determinante influencia en el personaje hasta abandonarlo por completo en el número 62, momento en el que muchas serán las dudas que rodeen a el que elegido para recoger el testigo del escritor y artista. Un nombre que tenía ante sí la doble tarea de, no sólo equiparar el trabajo realizado por su antecesor, sino incluso superarlo, haciéndonos olvidar algo más de cinco años que fueron una gozada casi constante.

Sabedor de que la hazaña era poco menos que titánica, William Messner-Loebs, guionista de la casa y autor, por ejemplo, de la muy simpática 'Epicuro el sabio', decide salirse por la tangente y, para evitar comparaciones que no habrían jugado en su favor, atar a Diana mucho más a la realidad del Universo DC y menos a la componente mitológica que Pérez había explorado a placer.

Con una Wonder Woman de cualidades más "urbanas", el resultado de alejar al personaje de lo que hasta entonces había sido norma encontrará su punto álgido en los diez números en los que Messner-Loebs una fuerzas con la espectacularidad del dibujo de Mike Deodato Jr. artista brasileño que será el primero en dibujar a la mayor aportación de esta etapa a la iconografía de la princesa de Themyscira, la amazona Artemisa, que hoy en día podemos encontrar en la muy recomendable 'Red Hood and the Outlaws'.

La Wonder Woman de John Byrne

Qué tienes que leer: serán tres volúmenes de los que ECC ha publicado hasta el momento 'Segunda génesis' y 'El juicio de los Dioses'.

Británico de nacimiento y canadiense de adopción, John Byrne llevaba desde los años setenta dejando su sello en las mejores colecciones que DC y Marvel podían ofrecer: si en la Casa de las Ideas, donde se había forjado a pulso su fama, son legendarias sus incursiones en los mutantes escritos por Chris Claremont o en las aventuras de 'Los 4 Fantásticos' de las que se encargaría como autor completo; en DC ya hemos citado la honda huella que dejaron sus años al frente de Superman.

Con la carta de presentación que ya supondrían sólo los seis primeros números de 'Man of Steel', no fue extraño ver como las cabezas pensantes de la editorial eligieron al artista como el encargado de tomar el testigo de Messner-Loebs y, otorgándole carta blanca de nuevo en el doble papel de guionista y dibujante —y entintador—, dejar que campara a sus anchas durante tres años que son testimonio vivo tanto de lo mejor que Byrne era capaz de conseguir como de lo no tan bueno que ha caracterizado a mucho de su vasta producción tebeística.

Centrándonos únicamente en los aspectos positivos de los treinta y seis números en los que se mantuvo al frente de la cabecera, el trabajo de Byrne devuelve a las páginas de 'Wonder Woman' una buena parte de la componente mitológica del personaje que, mezclada de forma sabia con otros puntos cardinales del Universo DC —el primer arco argumental de su estancia estará marcado por la presencia de Darkseid—, hace de estos tres años una lectura más que recomendable, por más que tenga sus pequeños puntos en contra.

La Wonder Woman de Azzarello y Chiang

Qué tienes que leer: ECC ha recogido la etapa de Azzarello al completo en seis tomos que podéis encontrar siguiendo este enlace.

Y, de repente, la mediocridad. Cuando Byrne abandona 'Wonder Woman' —o es invitado a abandonar, quién sabe— corre el año 1998 y DC está inmersa en un mar de decisiones más o menos equivocadas que la ha llevado a no saber qué diantres hacer para rescatar algo de la gloria que, poco más de un lustro atrás, había tocado techo con el deceso de Superman. Un mar que terminará convirtiéndose en un océano al cabo de una década y que conducirá a la editorial a creer que lo que necesita no son "crisis" tras "crisis" sino una renovación radical.

Llegamos así a 2011, aciaga fecha en la que DC rompe con toda la continuidad —o casi toda, aunque no me extenderé en este particular— de seis décadas de cómics y se saca de la manga "las nuevas 52"; 52 series que reinician, en algunos casos de forma categórica, a todos los héroes de su universo y una maniobra que, defendida como la posibilidad de que los nuevos lectores que a ellos se acerquen puedan ignorar el lastre de décadas pasadas no es más que un movimiento impulsado por el vil metal.

Lamentable decisión en términos generales, sólo un reducido puñado de tan absurdo número de cabeceras mensuales será digno de la atención de los lectores que no se conformen con cualquier cosa y, entre ellos, encontraremos a la excepcional etapa con la que Brian Azzarello y Cliff Chiang —acompañado de algún que otro artista de relleno— devolverán casi intacta la gloria de tiempos pretéritos a Diana.

Para ello, Azzarello decide trastocar de manera radical los orígenes del personaje y apostar por un regreso a su faceta mitológica reinventando de arriba a abajo las claves de la misma, convirtiendo a Diana en diosa de la guerra y ofreciendo a los lectores una visión del Olimpo que nada tiene que ver con la ideada por Pérez tres décadas atrás. El resultado, treinta y cinco números asombrosos que con el maridaje entre guión y la limpieza narrativa e imaginación visual de Chiang, se sitúan por derecho como la segunda mejor etapa que ha conocido Wonder Woman. Ahí es nada.

La Wonder Woman de Greg Rucka

Qué tienes que leer: ECC lleva publicados cinco volúmenes que, en formato rústica, recopilan cuatro números de la serie regular U.S.A. Podéis encontrarlos en este enlace.

Incontables fueron las voces que, desde el primer momento y a lo largo de los meses, exigimos indignadas a DC un regreso inmediato a la continuidad clásica. Finalmente, fueron las paupérrimas ventas de un desorbitado porcentaje de sus series las que hicieron entrar en razón a los ejecutivos de la compañía y las que provocaron que, con Geoff Johns a la cabeza, DC volviera por la puerta grande a mediados del pasado 2016 gracias a un 'Rebirth' que no ha dejado de darnos gratísimas sorpresas desde entonces.

Con una de ellas actualmente en publicación —ese espléndido evento que está siendo 'Metal'— y otra a las puertas de dejarnos noqueados —el inminente arranque de 'Doomsday Clock'— que DC ha vuelto por sus antiguos fueros es algo que las muchas series que vale la pena seguir cada mes demuestran mejor que cualquier otra disquisición. Y una de ellas, al menos hasta hace bien poco, ha sido la "reinvención" a la que Greg Rucka ha sometido a 'Wonder Woman'.

Guionista hábil y uno de los mejores con los que cuenta la ciencia-ficción actual en el mundo del cómic —os recomiendo encarecidamente acercaros a 'Lazarus', publicada por Image—, Rucka es consciente desde el principio que Wonder Woman y mitología son términos que deben ir de la mano, así que esa entrecomillada reinvención no pasa por ignorarla, sino por abrazarla en toda su plenitud y por, y aquí está el aporte genial del escritor, establecer la cabecera en dos líneas temporales alternas con dos artistas diferentes.

Íntimamente relacionados entre sí, tanto el tiempo presente como el pasado en los que van discurriendo los veinticinco números firmados por Rucka utilizan como premisa la incesante búsqueda de Diana de una Themyscira a la que no puede acceder. Tratando a fondo también la definición de la identidad del personaje, es en el extraordinario trabajo de Liam Sharp en el presente y Nicola Scott y Bilquis Evely en el pasado, donde la 'Wonder Woman' del 'Rebirth' pasa de ser muy recomendable a lectura imprescindible para los amantes de lo mejor del Universo DC.

Un universo que, decía más arriba, está dando hoy por hoy satisfacciones continuas a sus lectores y que en su contrapartida cinematográfica se muestra decididamente incapaz de dar con el tono adecuado. Con la gran incógnita de saber si 'Liga de la Justicia' ('Justice League', 2017) será capaz de encontrarlo de una vez por todas, insisto en que lo que resulta dolorosamente evidente asomándose a cualquiera de las aproximaciones aquí recomendadas es que la amazona cinematográfica no es, ni de lejos, la que este redactor ansiaba encontrarse.

Una semana más acudimos a nuestra cita con el repaso a las mejores ofertas del mundo del cine y la televisión en nuestro Cazando Gangas. El menú de esta semana incluye, entre otros, 'Wonder Woman' en digibook, el steelbook de 'Encuentros en la tercera fase', las series completas de 'Alias' y 'Los diminutos', un muñeco de Goku y zapatillas de 'Pesadilla antes de Navidad'. ¡Vamos allá!

• Digibook de 'Wonder Woman': la semana pasada destacábamos el steelbook y en esta ocasión 22,99 euros de la aventura en solitario de la superheroína interpretada por Gal Gadot y hoy toca centrarse en la otra edición diferente a lo habitual: 22,99 euros

• Steelbook de 'Hannibal' en blu-ray: la notable secuela de la magistral 'El silencio de los corderos' en una cuidada edición en caja metálica a un precio muy estimulante: 6,79 euros (y un 10% de descuento adicional usando el código HSTEEL10, válido para otros muchos steelbooks)

• Pack 'La Cosa' en blu-ray: la obra maestra de John Carpenter y su remake unidos en un pack en alta definición ideal para completistas a un precio insuperable: 7,19 euros

• Steelbook de 'Encuentros en la tercera fase' en bluray: una estupenda edición con motivo del 40 aniversario de la película de Steven Spielberg que además de una presentación en caja metálica también incluye un segundo disco con extras: 13,49 euros

• Steelbook de 'Train to Busan': a mí no me fascinó tanto como a otros, pero esta cinta asiática de zombis fue todo un bombazo, por lo que no podía faltar su edición en caja metálica para los coleccionistas más exigentes: 18,96 euros

• Serie completa de 'Alias' en dvd: la serie que disparó la popularida de J.J. Abrams -lástima que luego no aprovechan bien las posibilidades de Jennifer Garner como heroína de acción en la gran pantalla- y que sin duda fue decisiva para que Tom Cruise confiase en él para dirigir la tercera entrega de 'Misión Imposible': 38,45 euros

• Serie completa de 'Los diminutos' en dvd: la mítica serie infantil recopilada al completo en un pack que queda bastante bien de precio: 18,35 euros

• Serie completa de 'Mortadelo y Filemón' en dvd: la serie animada emitida por Antena 3 en los noventa no es, ni de lejos, la mejor adaptación realizada de la obra de Ibáñez, pero seguro que hay varios nostálgicos a los que les gustaría recuperarla: 22,49 euros

• Serie completa de 'V' en dvd: la emblemática serie de los años 80 recopilada en un único pack a un precio que convierte en poco menos que un delito el hecho de no tenerla aún en tu colección -salvo que estés esperando a su lanzamiento en blu-ray-: 27,29 euros

• Pack Temporadas 1 y 2 de 'El ministerio del tiempo': las dos primeras temporadas de la estupenda serie creada por los hermanos Olivares. Últimamente parece que no se habla tanto de ella, pero actualmente mantiene su gran nivel: 34,99 euros tanto en blu-ray como en dvd

• Figura de Goku y Shenron: cuidada figura de Son Goku a lomos del mítico dragón Shenron a un precio irresistible: 8,21 euros

• 2 Funko Pops por 20 euros: Zavvi tiene en marcha una interesante oferta que te permite escoger dos Funko Pops de una selección de 185 diferentes por apenas 20 euros: 2x20 euros

• Estatua Spider-Gwen: una estupenda estatua a escala 1/7 del popular personaje del universo de Spider-Man: 67,79 euros

• Figura de Heisenberg: un cuidado muñeco basado en el alter ego de Walter White, el personaje interpretado por Bryan Cranston en 'Breaking Bad': 32,79 euros

• Zapatillas de 'Pesadilla antes de Navidad': un gran regalo para todo fan de la mítica película de Henry Selick basada en una historia de Tim Burton: 6,31 euros

Una de las decisiones más conflictivas de Disney tras la adquisición de Lucasfilm fue la eliminación del universo expandido de Star Wars. Sin embargo, la compañía no ha querido olvidar por completo a los fans del mismo y ha ido recuperando algunas ideas del mismo. Ahora ha sido Ron Howard el que ha confirmado que dos personajes de ese universo expandido van a aparecer en el spin-off de Han Solo.

Los personajes en cuestión son Tag y Bink, dos peculiares rebeldes creados por Kevin Rubio para un cómic que no tardó demasiado en convertirse de culto. En sus aventuras originales se iban cruzado con personajes como Anakin, Boba Fett o Lando Calrissian, causando problemas de diversa índole. Su naturaleza es cómica y ni siquiera su propio autor era consciente de que iban a aparecer en la película hasta que Howard lo ha anunciado de esta manera:

#tagandbink ? pic.twitter.com/1EzUbS3MQs

— Ron Howard (@RealRonHoward) October 14, 2017

Posteriormente, Jon Kasdan, uno de los guionistas de esta primera aventura en solitario de Han Solo, ha señalado que es un gran fan de Tag y Bink y que su inclusión en la película se la debemos a él. De hecho, el propio Kasdan interpreta a uno de ellos, mientras que el otro tiene el rostro de Toby Hefferman. Lo que está por ver es la importancia real que vayan a tener en la película, aunque todo apunta a que no será más que un pequeño cameo a modo de guiño a los fans.

Recordemos que este spin-off protagonizado por Alden Ehrenreich, Emilia Clarke, Paul Bettany, Woody Harrelson y Donald Glover llegará a los cines el próximo 25 de mayo. La gran duda está en saber cómo le habrá sentado a la película el despido a mitad de rodaje de Phil Lord y Chris Miller, los directores originales que acabaron siendo sustituidos por Howard. Seguro que no faltan los comentarios señalando que esta o aquella escena seguramente sea de ellos y no del realizador de 'Una mente maravillosa' ('A Beautiful Mind').

Vía | Dark Horizons

Para muchos de los que adoramos el cine de terror, ver el logotipo de Blumhouse Productions acompañando a un tráiler estimula algún tipo de mecanismo en nuestro cerebro que nos lleva a salivar de forma instantánea. Una reacción natural que viene de la mano de un pensamiento asociado al nombre de la productora con una suerte de infalibilidad que podría considerarse dogmática, pero que está fundamentada sobre un modelo particular de negocio.

Todos hemos escuchado hablar de 'Paranormal Activity', 'The Purge' o 'Insidious', pero, ¿de dónde sale Blumhouse Productions?, ¿dónde radica el secreto de su éxito? y, lo que es más importante, ¿qué películas de la productora nos esperan en un futuro? Durante las siguientes líneas intentaremos arrojar algo de luz sobre estos interrogantes mientras navegamos por los entresijos de la compañía del Rey Midas del terror actual.

¿De dónde sale Blumhouse Productions?

Jason Blum

Blumhouse Productions, pese a arrancar oficialmente su periplo en 2007 con el éxito indiscutible 'Paranormal Activity', fue fundada en el año 2000 por Jason Blum, su actual presidente. La carrera de Blum como productor se inició junto a la del director Noah Baumbach con 'Kicking and Screaming' en 2005, después de que consiguiese financiar el guión gracias a una carta de recomendación de Steve Martin.

Antes de esto, Jason trabajó como productor independiente para Warner Bros. y para los hermanos Harvey y Bob Weinstein, gracias a los que consiguió bagaje como productor ejecutivo, y para los que consiguió los derechos de 'The Reader (El lector)' utilizando la frase "mi jefe es Harvey Weinstein. Si no te reúnes conmigo, no me dejará volver." cuando el autor de la novela se negó a recibirle.

Sin duda, esta experiencia previa al lanzamiento de su primer filme con Blumhouse Productions ayudó a Blum a perfilar los detalles de un inteligente modelo de negocio que le permitiría realizar un número envidiable de producciones anuales, minimizando riesgos, y pudiendo codearse con los grandes estudios y nombres de la industria mediante proyectos de una naturaleza esencialmente modesta.

El modelo de negocio Blumhouse

El ascenso meteórico de Blumhouse, como es obvio, no es algo casual, sino que atiende a la combinación de un producto creativo de calidad y una fórmula comercial —o modelo de negocio— que la compañía sigue a pies juntillas en la inmensa mayoría de sus producciones.

La estrategia de Jason Blum para mantener a flote su productora y amasar una buena cantidad de beneficios pasa por el simple patrón de "produce a pequeña escala y distribuye a lo grande". De este modo, salvo casos excepcionales, todos los presupuestos que manejan los largometrajes de la casa oscilarían entre los 3 y 5 millones de dólares, para después ser distribuidos mediante acuerdos como el de primera opción firmado con Universal Pictures.

'Paranormal Activity'

Blum explicó durante su panel en el evento "Produced by" el por qué de la cifra concreta de 3 a 5 millones por filme:

"El número de tres a cinco millones de dólares no está escogido al azar. Esa cantidad corresponde a lo que seríamos capaces de recuperar si las películas no consiguen un lanzamiento mundial. En el peor de los casos podríamos perder algo de dinero, pero no demasiado, y todo el mundo cobraría sin problema. Ese presupuesto está pensado para que al menos recuperemos nuestro dinero y podamos mantener nuestras puertas abiertas."

Por supuesto, se aproximan a cada largo de forma realista, valorando las opciones, hablando con los directores al mando y optando por diferentes opciones de distribución en función de diferentes variables:

'The Purge: Election Year'

"Cada largometraje que hacemos, creemos que será lanzado a nivel mundial, pero parte de trabajar con presupuestos bajos es que dependes totalmente de ti mismo. Así que, si no hay compromiso de distribución alguno, y todos los directores con los que trabajamos lo saben.

Intentamos ver qué tenemos entre manos y nueve veces de cada diez llegamos a un acuerdo con el director. Estamos en la misma onda. Si decimos "wow, tendremos un estreno mundial, vamos a por ello", finalmente lo tenemos. Pero si decimos "intentamos hacer un lanzamiento amplio, pero parece que no podremos conseguirlo, así que no gastemos 30 millones en la película para abrir con una taquilla de 7 millones; vayamos a Netflix o a iTunes y hagamos un estreno reducido en cines, o sin pasar por salas". Así es como funciona el proceso, básicamente. A veces el director está en desacuerdo con nosotros y es una auténtica mierda; no pasa a menudo."

'Oculus'

Mantenerse entre estas cantidades, tan sólo superadas en casos puntuales como la tercera parte de 'Insidious', 'Ouija: El origen del mal', 'Sinister 2', o ambas secuelas de 'The Purge' —curiosamente, secuelas de filmes populares con éxito comercial asegurado—, no es algo que deba trabajarse únicamente en la fase de pre-producción. La gestión durante el rodaje es un punto clave del proceso, e incluye el uso de storyboards animados para llevar todo masticado al set.

"Intentamos no rodar más de seis días a la semana e intentamos no tener sesiones de rodaje nocturnas, porque estas dos cosas son muy duras para el equipo. Intentamos cuidar de ellos; todos son mejores creativos cuando se están descansados y sienten que están cuidando de ellos."

La forma de trabajar de Jason Blum podría resumirse a la perfección atendiendo al consejo que le da a los aspirantes a productor o a todos aquellos que estén dando sus primeros pasos en la industria, y es que "sigan trabajando aunque sea en la película de vuestro amigo con 5.000 dólares de presupuesto". Hay mucho capital disponible si se busca bien, y muchísimo margen de beneficio para compensar el esfuerzo y los dolores de cabeza.

Nombres propios del cine de género

James Wan

Junto a todo lo repasado hasta el momento, otro de los grandes aciertos de Blumhouse Productions recae directamente sobre la impresionante lista de directores con los que ha trabajado desde sus inicios. Nombres propios dentro del cine de género que han aumentado su legado dentro de la productora del señor Blum con títulos imprescindibles dentro del terror contemporáneo.

Desde figuras en su momento emergentes como Mike Flanagan, que llegó al gran público de la mano de Blumhouse con su segundo largo 'Oculus' para continuar sus andanzas en la compañía con la genial 'Hush' y la estimable 'Ouija: El origen del mal'; hasta cineastas consagrados como M. Night Shyamalan con genialidades como 'La Visita' y 'Múltiple', la lista se antoja infinita.

Marcus Nispel con la infravalorada y divertidísima 'Exeter', Eli Roth con su salvajada caníbal 'The Green Inferno', Rob Zombie con esa catedral del horror titulada 'Lords of Salem'... una retahíla de cineastas imprescindibles encabezada por ese par de genios llamados Scott Derrickson —tremebunda su 'Sinister'— y un James Wan que no necesita carta de presentación y que encontró un hogar para sus imprescindibles 'Insidious' e 'Insidious: Capítulo 2'.

No sólo terror, no sólo cine

'Whiplash'

Pese a asociar directamente el nombre de Blumhouse Productions al medio cinematográfico y al género de terror, la compañía californiana ha coqueteado con diversos géneros y formatos en proyectos que han sido recibidos con mayor o menor fortuna y que han llegado a suponer notables alegrías para Jason Blum como una nominación al Oscar a mejor película.

Este reconocimiento corresponde a su labor como productor en 'Whiplash', el impresionante debut de Damien Chazelle y, probablemente, el mayor éxito de la productora fuera del cine de género. Junto a esta cinta, Blumhouse ha tanteado el drama con 'Lowriders' y 'Sleight'; la comedia con, entre otras, 'The Babymakers' o 'The Resurrection of Gavin Stone'; y el western con la fantástica 'In a Valley of Violence' del incombustible Ti West.

'The River'

Lejos de la oscuridad de las salas de cine, Blum y su equipo han ampliado sus miras a sectores como el televisivo, donde debutaron en 2012 con la serie found-footage 'The River' en la que participó Jaume Collet-Serra como director. Desde entonces han ido ofreciendo un nutrido surtido de productos que oscilan entre la ficción, los game shows como 'Hellevator' —presentado por las hermanas Soska de 'American Mary'—, o los documentales como 'Alive and Kicking' centrado en el mundo del Swing.

Por si esto fuera poco, desde 2015 está en marcha Blumhouse Books: una línea editorial que, hasta ahora, ha publicado cinco libros con el terror como leitmotiv. Un periplo iniciado con la antología 'The Blumhouse Book of Nightmares: The Haunted City' en la que figuran historias escritas por, entre otros, Ethan Hawke, James DeMonaco, o Scott Derrickson, y que termina de confirmar a la empresa como uno de los principales motores multidisciplinares del género contemporáneo.

Lo que nos espera

'Feliz día de tu muerte'

Si el pasado y presente de Blumhouse Productions son suficientes para hacer babear a todos los aficionados al terror, su futuro —tanto a corto como a largo plazo— resulta igualmente alentador, contando con cerca de una veintena de producciones con las que deleitar nuestros paladares ávidos de emociones fuertes a lo largo de los próximos años.

Comenzando por las inminentes 'Creep 2' y 'Feliz día de tu muerte', que hemos podido disfrutar en el Festival de Sitges de este año, el listado el listado se extiende hasta más allá de 2021 y está salpicado de éxitos venideros como las nuevas secuelas de 'Insidious' y 'The Purge', la esperadísima 'Glass' de M. Night Shyamalan o la nueva 'Halloween' apadrinada por el mismísimo John Carpenter.

También habrá hueco para la animación con 'Spooky Jack', desarrollada en colaboración con DreamWorks; la ciencia ficción con 'Stem', escrita y dirigida por Leigh Whannell; o el thriller criminal de 'Stockholm', protagonizado por Ethan Hawke, Mark Strong y Noomi Rapace. Una variedad que augura a Blumhouse Productions un futuro mucho más brillante que las sombrías historias con las que está haciendo las delicias del respetable a lo largo y ancho del globo.

En plena vorágine sobre el abominable escándalo que está sacudiendo la maquinaria hollywoodiense, son cada vez más las voces que se están alzando para denunciar los abusos sexuales y vejaciones perpetrados por Harvey Weinstein. No obstante, la intérprete Emma Thompson ya avisó de que el caso del mítico productor es tan sólo "la punta del iceberg", afirmando que en Hollywood hay muchos más como él, e infinidad de casos en los que se dan estas prácticas abusivas.

La última celebridad en manifestarse al respecto ha sido la actriz Jennifer Lawrence quien, además de solidarizarse y dar su apoyo a las mujeres que han admitido haber sido víctimas de abusos por Weinstein, ha compartido en un evento de Elle Magazine, una experiencia "humillante" que padeció en sus primeros años de carrera. Una desagradable escena relacionada con su físico y por la que pasó anteriormente otra compañera que terminó siendo despedida a causa de su peso.

"Cuando era mucho más joven y estaba empezando, los productores de una película me pidieron que perdiese 7 kilos en dos semanas. Durante ese tiempo una productora (mujer) me hizo desnudarme y ponerme en fila con otras cinco mujeres que eran mucho, mucho más delgadas que yo, y estuvimos de pie unas junto a otras con tan sólo unos apósitos cubriendo nuestras partes. Después de aquella degradante y humillante fila, la productora me dijo que debería usar fotos de mi misma desnuda para inspirarme para mi dieta."

Para más inri, Lawrence remarcó que cuando acudió a otro productor varón para intentar quejarse sobre las expectativas irreales que tenían sobre su figura y los cambios a los que debía someterse en tan breve espacio de tiempo, la respuesta que obtuvo se limitó a un escueto "no se por qué todos piensan que estás tan gorda, creo que eres totalmente follable".

Después de este incidente, la oscarizada por 'El lado bueno de las cosas' concluyó diciendo que a partir de ese momento fue catalogada como "difícil" o "una pesadilla" y que, "como muchos otros jóvenes actores y actrices en sus primeros pasos, dejó que le tratasen de ese modo porque sintió que tenía que hacerlo por su carrera". Un ejemplo más que deja de nuevo en evidencia a una industria en la que estas prácticas parecen haber sido silenciadas durante décadas a pesar de haber estado a la orden del día.

Mientras en Hollywood no hay tregua que valga en la guerra por la franquicia del año, la década, o a poder ser, del siglo, parece que en la industria nadie quiere darse cuenta de que sin esfuerzo aparente han creado un universo propio tan personal que parece mentira que aún nadie haya bautizado. Bueno, para esto estamos nosotros: bienvenidos al fascinante universo cinematográfico de los pueblos de Norteamérica.

Pongamos que todo comenzó con 'Fargo', aunque puestos a pensar en pueblos con historia quizás 'Sangre Fácil' (Blood Simple) o 'Terciopelo Azul' (Blue Velvet) ya contaron a nuestra generación que los pequeños núcleos urbanos suburbiales podían albergar mil y un secretos oscuros. Aunque a veces dieran risa, como en 'No matarás al vecino' (The Burbs), el fondo era mucho más negro. No olvidemos que en pueblos de ese tipo se estrenaron en lo suyo personas como Ed Gein, Jeffrey Dahmer o nuestro “Mataviejas”.

Indios y Vaqueros

En algún momento alguien en este país de estrenos de tapadillo y jugosos inéditos que repescar en la compra de importación (en el mejor y más honrado de los casos) se pronunciará sobre la distribución de la primera película de Taylor Sheridan como director, 'Wind River', estrenada en medio mundo, en varios festivales de cine (estuvo en Sitges hace unos días) y a estas alturas también en ese contenedor de delitos que es la red de descargas ilegales, más conocida como “internet”.

En su tercer libreto, el guionista de 'Sicario' y 'Comanchería' (Hell or High Water) se ha reservado la silla de director para ofrecer una cruda historia basada en hechos reales (atención: casi siempre lo son) sobre el desprecio hacia la comunidad india de América del Norte, reducida a pequeñas comunidades y reservas que a duras penas se diferencian de los parques de tráilers de un sector de la población blanca mucho más tumultuoso. ¿Y qué hay peor que unos “indios resentidos”? Pues la basura blanca que se crece y se viene arriba en el nombre de un pueblo que, en realidad, pertenece justo al otro bando. A la minoría. Algo así pasaba en la divertidísima 'Operación Reno' (Reindeer Games) de John Frankenheimer, donde un puñado de blancos asaltaba uno de esos casinos indios que tanto ayudan a un thriller.

Ojo por ojo

Pero no siempre estamos ante choques raciales, no te creas tú que el ciudadano medio de un pueblo de los que tienen problemas más grandes que su densidad de población necesita una cultura diferente para subir al ático a por la escopeta del abuelo. Una mujer fatal, un hartazgo marital, un problema de infidelidades o una herencia pueden hacer saltar por los aires los cimientos de cualquier pueblo, sea Fargo, un pueblo de Texas o uno de Alaska.

En los últimos años la historia de “problema grande, pueblo pequeño”, se ha puesto de moda y siempre con el disfraz de cowboy moderno para intentar encontrar su sitio en el género.

Así, de 'No es país para viejos' (No Country for Old Men) a 'Comanchería' (Hell or High Water), Hollywood ha planteado docenas de misterios por resolver en ciudades invisibles. En 'Blue Ruin', Jeremy Saulnier, pronto en True Detective 3, plantaba una venganza a fuego lento que iría cobrando sentido para el espectador a medida que la olla a presión iba alcanzando la máxima temperatura. Pero no fue el único.

Jim Mickle, director más habituado a la serie b de tintes fantásticos, dotaba de esa atmósfera a su estupenda 'Frío en Julio' (Cold in July), uno de las últimos trabajos de Sam Shepard donde, según el propio director, el propio actor (y escritor) ayudó a mejorar su personaje con una serie de líneas creadas por él mismo durante el rodaje de la película. La tercera en discordia sería la entrañable 'Ya no me siento a gusto en este mundo' (I Don't Feel at Home in This World Anymore) , dirigida precisamente por el protagonista de la primera, Macon Blair.

La reciente 'Sweet Virginia', segunda película de Jamie M. Dagg y con guión de The China Brothers, es la última en jugar en esta liga regional protagonizada por perdedores honrados y gente con tendencia a la violencia. Programa ideal con 'Wind River' cuando la de Sherydan encuentre distribución: 'Sweet Virginia' ya la ha encontrado.

El Supersheriff

¿Qué más elementos comunes pueden tener estos pueblos conectados por la magia del cine? Sí, un hombre de ley honrado dispuesto a poner en juego su vida con tal de restaurar el orden. O no.

En 'El último desafío' (The Last Stand), Kim Jee-woon coloca al grandioso Arnold Schwarzenegger al frente de la ley de un pequeño pueblo que se pondrá patas arriba con la llegada de un delincuente (Eduardo Noriega) y su ejército de hombres del mal. Porque ese es su trabajo. Pero como no todos los sheriff son iguales, no está de más recordar que el tipo de la placa (y posiblemente del bigote) puede ser un mal tío.

En 'Cop Car' dos chavales se meterán en un lío por culpa de un sheriff chungo (con bigote) encarnado por un Kevin Bacon en su patio de recreo particular. John Watts, su director, saltó de aquí a Spider-Man en un visto y no visto.

Otro sheriff en una situación complicada es el de la excelsa 'Red Hill', el prometedor primer trabajo de Patrick Hughes, donde coge una idea sencilla y la retuerce un buen rato, la baña en el aroma a polvo del Walter Hill de oro y le otorga un incomprensible acento australiano. Con esos ingredientes logra crear una nueva cara para el terror y la venganza mientras sacude los prejuicios. Ademas de eso, la película está rodada con el cuidado de un 'Acorralado' (First Blood) y es la primera película “paranormal” de la selección. Siete años lleva inédita.

El hartazgo hipster

Vamos a ver, que en estos sitios, como en el pueblo de 'Footloose', también hay gente joven. Y también está quemada.

Lo que diferencia a 'Joe' de 'Prince Avalanche', ambas ideas ajenas (una es un remake, la otra una adaptación), y ambas películas de David Gordon Green, es que en la primera la miseria traspasa la pantalla, consigue crear un suspense aterrador (teniendo en cuenta que estamos ante un drama rural protagonizado por basura blanca miserable) y recupera al mejor Nicolas Cage visto en años.

Otros pueblos con gente (más o menos) joven harta de su vida también se han visto en dos películas recientes de género que encajan perfectamente en nuestro especial sobre problemón en el pueblo: 'The Guest', uno de los mayores hits de Adam Wingard y la joya de Nacho Vigalondo, 'Colossal'.

Ambas películas pertenecen al género fantástico sin ningún género de dudas, aunque una prefiera jugar a volar en explosivo Cannon la elegancia del 'Drive' de Nicolas Winding Refn y la película de Vigalondo disfrute nadando entre mensaje para terminar casi en una Guerra de los Mundos.

¿Demasiados asuntos pendientes con los títulos? ¿Eres Millennial y no te suena nada anterior a la película de Wingard? Bueno, vamos a ponerte deberes cronológicos en forma de TOP 5 con las citas indispensables de este artículo que debes tener con el género para empezar a disfrutar del turismo rural americano. El resto caerán solas. Apunta:

• ‘No matarás al vecino’ (The Burbs)
• ‘Fargo’
• ‘Operación Reno' (Reindeer Games)
• ‘El último desafío’ (The Last Stand)
• ‘Wind River’

Una vez acabes con estas cinco te apuesto lo que quieras a que tendrás un puñado de títulos nuevos escalando posiciones de tu watchlist, bastante ansiedad por verlas y, tal vez, nuevos destinos vacacionales.

Quien más, quien menos, ha experimentado en algún momento de su infancia —e incluso preadolescencia— alguna experiencia desagradable ligada a un terror irracional hacia alguno de esos objetos de aspecto generalmente humanoide a los que denominamos "muñecos". En mi caso, la encargada de quitarme el sueño y de hacerme correr por el pasillo de casa era una muñeca de porcelana de aspecto homicida —o así la veía yo—, pero la diversidad de estas criaturas inanimadas —o eso quieren hacernos creer— es abrumadora.

Es más que probable que el séptimo arte y el mundo catódico tengan gran parte de la culpa de que muñecos de ventrílocuo, marionetas y monigotes de todo tipo de materiales y formas nos hayan helado la sangre en algún momento mientras nos miran con esos ojos carentes —a priori— de vida.

Es por esto que, con el retorno de la infame Annabelle en su segundo filme en solitario subtitulado 'Creation', nos ha parecido el momento oportuno para hacer un repaso a 19 ejercicios de terror que ha hecho desfilar a los muñecos más malrolleros por nuestras pantallas, grandes y pequeñas. Una suerte de terapia de choque para tratar esa ​pediofobia latente que todos llevamos dentro.

'Ataque diabólico' (Bert I. Gordon, 1958)

Empezamos esta lista con una propuesta que no encaja al cien por cien con la idea preconcebida que tenemos sobre el cine de muñecos cabroncetes. Y es que en este clásico de Bert I. Gordon —'El imperio de las hormigas'— no son los muñecos los que cobran vida, sino que los seres humanos son convertidos en muñecos vivientes. Un revulsivo en clave de terror a 'El increíble hombre menguante' con un diseño de producción y una dirección de arte geniales.

'La dimensión desconocida: El muñeco' (Abner Biberman, 1962)

De entre todos los tipos de muñecos, probablemente sean los de ventrílocuo los más proclives a generar escalofríos gracias a sus ojos móviles y a esas marcadas comisuras que les permiten articular los labios. El primero de los varios que aparecerán en este listado es el grotesco Willy, quien hace la vida imposible a su dueño Jerry Etherson en este episodio de 'La dimensión desconocida'. ¿Está Willy realmente vivo o es tan sólo un delirio de Etherson causado por su alcoholismo?

'La dimensión desconocida: La muñeca viviente' (Richard C. Sarafian, 1963)

Seguimos en el mundo catódico de 'La dimensión desconocida', esta vez de la mano de Tina Parlanchina, una muñeca de voz dulce y no muy buenas intenciones que irrumpe en un hogar algo disfuncional para perturbar la paz del arisco Erich Streator, el cabeza de familia. Dirigido por Richard C. Sarafian, responsable de la fantástica 'Punto límite cero', 'La muñeca viviente' posee la inmensa mayoría de elementos que ahora asociamos al subgénero de los peleles asesinos. Imprescindible.

'El muñeco diabólico’ (Lindsay Shonteff, 1964)

Camina, habla, ve y asesina. Así describe el tráiler de 'El muñeco diabólico' las funciones principales Hugo, el horripilante muñeco del hipnotizador y ventrílocuo conocido como El gran Vorelli, cuyo espectáculo destaca por el libre albedrío de su marioneta en el escenario. Aunque sobre las tablas todo sean risas, el hecho de que cada noche se tenga que encerrar al bueno de Hugo en una especie de jaula de contención no dice nada bueno de él, ni mucho menos de su dueño.

‘Trilogía del terror’ (Dan Curtis, 1975)

Se que no debería ser así, pero siempre he encontrado especialmente entrañable al muñeco Zuni de la 'Trilogía del terror' de Dan Curtis. El antagonista del tercer fragmento de la antología televisiva, poseído por el espíritu de un cazador aborigen conocido como "aquél que mata", siempre será recordado por su feroz aspecto, sus dientes puntiagudos, sus greñas y su lanza pero, a pesar de sus instintos criminales, más que huir de él, dan ganas de hacerle un hueco en la vitrina en la que tengo expuestas las figuras de acción.

'Magic – El muñeco diabólico' (Richard Attenborough, 1978)

De entre todos los que veremos a lo largo de este artículo, Fats es, probablemente, el mayor y más inquietante representante de los muñecos de ventrílocuo malignos de la historia del subgénero. Su turbador aspecto y, especialmente, su voz, prestada por un Anthony Hopkins cuyo papel en este clásico de Richard Attenborough le sirvió para cosechar nominaciones a los BAFTA y los Globos de Oro en la categoría de mejor actor, son motivos más que suficientes para haberlo incluido en nuestra macabra colección.

'Poltergeist' (Tobe Hooper, 1982)

Damas y caballeros, con todos ustedes la que, probablemente, sea la película causante del mayor número de traumas infantiles relacionados con los muñecos de entre la gente que ronde o haya superado la treintena. El maldito payaso del clásico de Tobe Hooper nos ha acompañado a muchos en nuestras peores pesadillas, y aún hoy día invita a mirar de reojo a cualquier figura inanimada que tengamos cerca de la cama antes de ir a dormir. Lo peor de todo es que sigue siendo tan aterrador como el primer día.

'Dolls' (Stuart Gordon, 1987)

Stuart Gordon, ese genio de la Serie B que debutó en 1985 con la genial 'Re-Animator', firmó en 1987 esta 'Dolls', que bebe en parte del concepto de 'Ataque diabólico'. En ella, un grupo de excursionistas terminará pernoctando en la casa de una pareja de fabricantes de muñecas, descubriendo que sus creaciones son en realidad personas miniaturizadas reconvertidas en juguetes. Un estimable ejercicio de terror sobrenatural con un imaginario envidiable y unos efectos especiales más que notables.

'Muñeco Diabólico' (Tom Holland, 1988)

Pensar en muñecos asesinos es hacerlo automáticamente en el "bueno" de Chucky, su peto vaquero, sus ojos azules, su cabellera pelirroja y sus irrefrenables ganas de matar. Un icono indiscutible del cine de terror contemporáneo al nivel de Freddy, Jason, Myers y compañía, cuyo legado ha derivado en seis secuelas dominadas actualmente por un refrescante y divertidísimo tono que ha hecho hueco a la comedia más negra y salvaje entre el terror propio de los inicios del personaje.

'Puppet Master – La venganza de los muñecos' (David Schmoeller, 1989)

Los títeres homicidas creados por David Schmoeller en este largometraje de 1989 fueron el germen de una longeva franquicia que se ha extendido a lo largo de prácticamente tres décadas y doce filmes que han terminado alcanzando unos niveles de delirio argumental considerables —el arco argumental de los juguetes nazis es de traca—. Ojo, porque está en plena producción una nueva parte de la saga escrita nada más y nada menos que por S. Craig Zahler, director y guionista de 'Bone Tomahawk' y 'Brawl in Cell Block 99'.

‘Juguetes asesinos’ (Peter Manoogian, 1992)

Mucho antes de asociarse con Christopher Nolan para dar forma a su trilogía de 'El caballero oscuro', David S. Goyer firmó el guión de 'Juguetes asesinos': un olvidable filme de terror que seguía la estela de la infinitamente superior 'Puppet Master' —franquicia con la que colisionaría en el crossover 'Puppet Master vs Demonic Toys' en 2004—. Pese a no aportar nada nuevo respecto al filme de David Schmoeller, muchos recordamos con especial cariño los diseños de los engendros protagonistas en general, y el del horrendo Babydoll en particular.

'Los Simpsons: La casa-árbol del terror III' (Carlos Baeza, 1992)

No podríamos dejar fuera de esta recopilación a la familia amarilla más famosa de América y, más concretamente, al fragmento 'El muñeco sin piedad' del tercer especial de 'La casa-árbol de terror'. Uno de los mejores capítulos temáticos de Halloween de la serie con el que no puedo evitar soltar una carcajada automática tras escuchar al pelele parlante de Krusty decir aquello de "¡Soy Krusty el payaso y no te quiero nada!". Oro puro que nos hace echar aún más de menos la época dorada de 'Los Simpson'.

'La venganza de Pinocho' (Kevin Tenney, 1996)

'La venganza de Pinocho' es todo un clásico de las estanterías de videoclub de finales de los noventa —custodiada generalmente por carátulas memorables como las de 'Infierno blanco' y 'El dentista 2'—. Un desastre cinematográfico con un infame muñeco de madera como leitmotiv al que no se le podría catalogar como "plenamente viviente"; y es que el monigote en cuestión hace gala de una rigidez —no se le mueven ni los ojos— que convierte el visionado de la cinta en una experiencia hilarante.

'Buffy Cazavampiros: 'The Puppet Show' (Ellen S. Pressman, 1997)

Regresamos de nuevo al panorama televisivo junto a la eterna 'Buffy Cazavampiros' de Joss Whedon. De entre todos los episodios memorables de la serie protagonizada por Sarah Michelle Gellar, uno de mis favoritos es, junto al maravilloso musical 'Once More, with Feeling', el noveno de la primera temporada, emitido bajo el título de 'The Puppet Show'. Para el recuerdo queda el muñeco de ventrílocuo Sid y el mal rato que les hace pasar a Giles, Xander y compañía.

'Saw' (James Wan, 2004)

La temática de la multimillonaria franquicia de terror 'Saw', iniciada en 2004 de la mano de James Wan, no tiene nada que ver con el subgénero de los muñecos vivientes. No obstante, pese a no contar con vida propia, la icónica personificación del asesino Jiggsaw a través de este monigote sin nombre a bordo de su inseparable triciclo es lo suficientemente grotesca como para merecer un puesto en nuestro repertorio.

'Black Devil Doll' (Jonathan Lewis, 2007)

La propuesta más demencial de la lista es la aberrante 'Devil Black Doll': una suerte de homóloga * blaxploitation* de 'Muñeco diabólico' protagonizada por un muñeco negro con pelo a lo James Brown poseído por el espíritu de un violador y asesino en serie ejecutado en la silla eléctrica. Sexo, fluidos corporales, lenguaje malsonante y una factura y reparto femenino dignos de la peor película porno se dan la mano en una delirante hora y cuarto de lo más cutre, casposa y salvaje que nadie debería perderse bajo ningún concepto.

‘Silencio desde el mal’ (James Wan, 2007)

La segunda de las tres aportaciones de James Wan a la lista es esta 'Silencio desde el mal': una nueva muestra del poderío del director a la hora de asustar al respetable como es debido. En este caso, la obsesión de Mary Shaw —la principal antagonista del filme— por crear el muñeco de ventrílocuo perfecto nos deja una nutrida colección de estos títeres de entre los que destaca Billy, cuya siniestra imagen fue el eje central de la campaña promocional de la película.

'Expediente Warren: The Conjuring' (James Wan, 2013)

Aunque ya tenga dos largos en solitario, la primera aparición de Annabelle tuvo lugar en la fantástica 'Expediente Warren: The Conjuring' que dirigió James Wan —quién, visto lo visto, debe tener algún tipo de filia extraña con los muñecos— en el año 2013. Además de revitalizar el género de terror con un ejercicio sobresaliente, el realizador malasio dio a luz a la sucesora espiritual de Chucky como la muñeca diabólica por antonomasia de esta generación.

'The Boy' (William Brent Bell, 2016)

Nada como un muñeco de porcelana del tamaño de un niño de ocho años para cerrar esta lista. Por si el aspecto de Brahms no fuese suficiente para helar la sangre del espectador más aguerrido, debemos sumar el comportamiento de un matrimonio que trata al juguete como si fuese su hijo; lo más normal del mundo. Es una lástima que, pese a contar con momentos de lo más inspirados, finalmente 'The Boy' no sea más que un cúmulo de los clichés del subgénero pero, a falta de terror e innovación, tenemos a Lauren Cohan llenando la pantalla y entregándose a la causa.

'Solo'. Sin más. Así se titula de manera oficial el siguiente spin-off de la saga 'Star Wars'. Tras el éxito de 'Rogue One', la siguiente 'historia de Star Wars' se centra en los orígenes de Han Solo, el carismático contrabandista al que hasta ahora sólo había interpretado Harrison Ford. En su lugar veremos al joven Alden Ehrenreich.

Bautizar una película como ésta no debe ser fácil aunque elegir algo tan obvio y simple como 'Solo' da la sensación de que han ido a lo fácil, a que ni siquiera se han esforzado por buscar algo más llamativo. Y eso no transmite buenas vibraciones. De hecho, ya sabemos cómo se va a titular el spin-off de Obi-Wan Kenobi...

La franquicia más popular de la historia del cine tiene un legión de fans muy amplia y diversa, lo cual se reflejó en las numerosas reacciones y opiniones provocadas por el anuncio del título oficial. Más abajo he seleccionado algunas de las más destacadas:

El "mensaje especial" de Ron Howard y las reacciones en Twitter

Hey #Twitterville we just wrapped production so here's a special message #StarWars pic.twitter.com/8QJqN5BGxr

— Ron Howard (@RealRonHoward) 17 de octubre de 2017

IM SO EXCITED!!! pic.twitter.com/SxMR0TVsQD

— not actually obi wan (@not_thomas_1) 17 de octubre de 2017

pic.twitter.com/oFwLvt32T8

— Geek Girl Diva (@geekgirldiva) 17 de octubre de 2017

The memes will never end. @starwars @RealRonHoward #HanSolo pic.twitter.com/QcoZtnjt2O

— TheGoldClaw (@TheGoldClaw) 17 de octubre de 2017

It’s good we have those A Star Wars Story subtitling these movies. We don’t want Solo to be mixed up with Mario Van Peebles. pic.twitter.com/0F6Q2nfBEo

— Eric Jones (@deacon05oc) 17 de octubre de 2017

Por culpa de la RAE, nunca sabremos si es solamente una película de Star Wars o una peli de Star Wars sobre Han Solo. pic.twitter.com/mzWgDXbcud

— Manuel F. Herrador (@mfherrador) 17 de octubre de 2017

ron howard: we have a great name for the Han Solo movie

ron howard narrating: they didn't pic.twitter.com/byAbqB6LWV

— tc (@chillmage) 17 de octubre de 2017

SW: We're proud to announce the title of the Han Solo standalone movie is 'Solo'

SW Fandom: pic.twitter.com/pOp6YI6mxK

— 💀 Killah Ren 💀 (@Kleo_Ren) 17 de octubre de 2017

Much better title for new solo movie “me and my Wookie” or “Solo: The Wookie Years” #starwars

— Hellblazerbiz (@hellblazerbiz) 17 de octubre de 2017

It took y’all this long to come up with “Solo: A Star Wars Story”?!

— Porg-Star (@lindavanjalista) 17 de octubre de 2017

#SOLO NOOO! #StarWars pic.twitter.com/diUtX7XeRy

— Hotdog & Doughnut (@HotdogDoughnut) 17 de octubre de 2017

c'mon, Howard, just give the audience what it wants pic.twitter.com/YyKHsYXF9X

— Dave Itzkoff (@ditzkoff) 17 de octubre de 2017

me: hey! one ticket to solo please!
attendant: what
me: (sigh) one ticket to the untitled han solo film please

— nina (@genderpoIitics) 17 de octubre de 2017

From now on all #StarWars titles should be revealed as though they were a secret message to Keira Knightley. #SoloAStarWarsStory pic.twitter.com/ZTvhU91B5w

— Joseph Scrimshaw (@JosephScrimshaw) 17 de octubre de 2017

I'm surprised at all the hate for the completely sensible Han Solo title. I'm here to remind you it could have been a LOT worse. pic.twitter.com/lo0QjgHhDg

— Star Wars Explained (@StarWarsExplain) 17 de octubre de 2017

I consolidated everyone's Han Solo movie title jokes into one image. pic.twitter.com/8yM0YJvYD3

— Mike Ryan (@mikeryan) 17 de octubre de 2017

El título de 'Solo' ya se había filtrado en Internet

Two sides of a #HanSolo: A @StarWars Story crew shirt with the front, "Solo Crew 2017" and the back, "We Shot First!" #jealous pic.twitter.com/BBl3aw0g9b

— Joshua Levesque (@JoshuaDLev) 27 de septiembre de 2017

Internet tiene mala memoria. Y Disney cada vez más problemas para guardar sus secretos. Como puedes comprobar en el tuit de arriba, el mes pasado se filtró que la película se conocería como 'Solo' pero todos dimos por hecho que sólo era otro título provisional, como lo de 'Red Cup' en el inicio del rodaje. Resulta que no, se decidiron por 'Solo' hace tiempo.

Nuestras 11 alternativas al título oficial

No, los editores de Espinof tampoco estamos entusiasmados con el título oficial de la película de Han Solo y queremos ofrecer alternativas a Disney y Lucasfilm. Al fin y al cabo, sustituyeron a los directores originales semanas después de comenzar el rodaje; cambiar un título parece mucho más sencillo... Nuestras 11 sugerencias:

'Solo otra historia de Star Wars'

'Solo él puede disparar primero'

'La increíble historia de cómo conseguí el halcón milenario y un perrito piloto'

'A Solas con Han: Una historia de Star Wars'

'Han Solo o con Chewbacca'

'Mejor Solo que mal acompañado'

'Solo o con Leche'

'Solo queremos tu dinero'

'Necesitamos vender más muñecos de Han Solo: la película'

'¡Vaya par de contrabandistas!'

'Contrabandista por las risas: SoLOL'

Ya no se habla tanto de ella como hace un par de años, pero Amy Schumer sigue siendo una de las cómicas más importantes de Estados Unidos. Recientemente fue la protagonista de una inesperada polémica por el lanzamiento del tráiler de '¡Qué guapa soy!' ('I Feel Pretty'), su nueva película, y STXfilms ha decidido aprovechar la situación para adelantar su estreno.

La polémica vino principalmente por la premisa de la cinta: una chica normal se da un golpe en la cabeza y de repente cambia la visión que tiene de sí misma. Ahora se ve guapísima, como si fuera un modelo, pese a que no hay nada que haya cambiado en su aspecto físico tras el incidente. Eso se traduce en un cambio de actitud hacia la vida que no tarda en tener efectos positivos para ella gracias a lo atractiva que resulta la confianza en una misma.

• Tráiler doblado al castellano

• Tráiler en versión original con subtítulos en español

En Trendencias ya cubrieron las reacciones que tuvo el tráiler cuando se publicó hace apenas unos días, y el estudio ha pensado que el claro contraste de opiniones que hubo (se cuestiona si no se retuerce el mensaje 'body positive') es un buen aliciente para estrenarla cuanto antes.

Por cierto, '¡Qué guapa soy!' es la ópera prima de Marc Silverstein y Abby Kohn, quienes también firman el guion, campo en el que ya habían demostrado su talento en cintas como 'Nunca me han besado' ('Never Been Kissed') o 'Mejor... solteras' ('How to be Single'). A Schumer la acompañan en el reparto Michelle Williams, Rory Scovel, Emily Ratajkowski, Aidy Bryant, Busy Philipps, Tom Hopper y Laura Hutton.

Inicialmente estaba previsto que la comedia se estrenase en Estados Unidos el 29 de junio, pero ahora su llegada a los cines tendrá lugar el 27 de abril. Habrá que estar atentos a su funcionamiento en taquilla para ver si ha sido buena idea aprovechar la polémica de esta forma.

'Black Panther' al fin ha llegado a los cines y antes incluso de su estreno ha conseguido batir varios récords. Ya veremos dónde está el techo del primer superhéroe afroamericano del universo cinemático de Marvel, pero por ahora tenemos un gran entretenimiento que disfrutar y una película con un sabor diferente al resto.

Donde no hay cambios es en la tradición de Marvel de incluir varias escenas tras la aparición de varias escenas post-créditos. En esta ocasión son solamente dos -a alguno quizá le sepa a poco tras las cinco que tuvo 'Guardianes de la Galaxia Vol. 2' ('Guardians of the Galaxy Vol. 2)- que a continuación vamos a repasar a fondo para ver qué significan de cara al futuro del universo Marvel.

La apertura de Wakanda en la ONU

Uno de los mayores conflictos de 'Black Panther' estaba en que algunos mantenían la visión de mantener Wakanda como una especie de santuario alejado de los problemas del exterior, mientras que otros querían que eso cambiara -algunos para ayudar a los demás, mientras que también los había que simplemente querían conquistar el resto del planeta-. Finalmente acabó triunfando la segunda postura, pero siguiendo la política de T’Challa.

Previamente ya habíamos visto de lo que su tecnología era capaz -hasta lograron curar la terrible herida sufrida por el personaje interpretado por Martin Freeman-, pero en la ONU no están aún muy convencidos de ello. De hecho, hay quien le pregunta qué podría ofrecer a los demás un país del tercer mundo de granjeros. La de sorpresas que le esperan a ese personaje aleatoria solo son equiparables a las nuevas amenazas que recibirá Wakanda cuando el resto del mundo conozca cómo es realmente.

De hecho, en el tráiler de 'Vengadores: Infinity War' ya podemos ver que una gran batalla de la película tiene lugar en Wakanda, por lo que bien poco van a tardar en llegar los problemas hasta el reino de T’Challa. Lo que abre la puerta a otra pregunta: Black Panther mantenía una postura neutral en 'Capitán América: Civil War' ('Captain America: Civil War') pese a tener superpoderes... ¿cómo le afectarán a él los acuerdos de Sokovia?

A su vez merece la pena destacar la frase que T’Challa pronuncia para explicar la apertura de Wakanda dadas las connotaciones que tiene. En concreto señala que los hombres sabios tienden puentes en los tiempos difíciles mientras que los tontos construyen muros. No es muy complicado verla como un dardo que Marvel lanza a la política de Donald Trump, el actual presidente de los Estados Unidos.

El regreso de Bucky

Ya sabíamos que Bucky iba a aparecer en 'Vengadores: Infinity War' porque Sebastian Stan ya se dejó ver en el tráiler del esperado crossover de los superhéroes de Marvel. Sin embargo, faltaba por atar el cabo de cómo había llegado allí desde su presencia en la escena post-créditos de 'Capitán América: Civil War' en la que viajaba a Wakanda con la esperanza de que la avanzada tecnología de ese país le permitiese sacar a Hydra de su cerebro de una vez por todas.

Como recordaréis, Bucky quedó sumergido en un sueño criogénico hasta que eso fuera posible y aquí vemos que ya está libre y en las proximidades de Wakanda, con unos niños jugando a su alrededor que se refieren a él como el lobo blanco. Además, también vemos a Shuri, la hermana de Black Panther, quien sin duda es la responsable de su recuperación si nos fiamos de lo que habíamos visto antes en la película sobre su dominio de la tecnología.

Lo que sí parece claro es que los temibles arrebatos del Capitán Soldado de invierno han quedado atrás, al menos de momento, ya que no debería extrañarnos la posibilidad de que los enormes poderes de Thanos puedan ser utilizados para revertir su mejora. Habrá que esperar hasta el 27 de abril para poder comprobarlo.

Esta semana vimos la espectacular fotografía con la que Marvel Studios celebró el 10º aniversario de su Universo Cinematográfico, cuyo último estreno, 'Black Panther', acaba de llegar a los cines. En esa imagen destacaban dos hombres, Kevin Feige, jefe de Marvel Studios y Robert Downey Jr., la estrella de la película que lo inició todo en 2008: 'Iron Man'.

Hay una llamativa historia detrás de ese primer largometraje. Cuando en Marvel Studios tuvieron que decidir cuál sería su primera película, con qué superhéroe se la iban a jugar de todos los que tenían disponibles (todos menos los X-Men, los 4 Fantásticos y Spider-Man), apostaron por Iron Man en lugar de Capitán América, Thor o Hulk. ¿Por qué? Por los juguetes. Así lo cuenta el Wall Street Journal:

"Para elegir qué película hacer primero, la compañía puso en una lista a los personajes cuyos derechos no había vendido —aparentemente un grupo de secundarios que incluía al Capitán América, Thor y Hulk— y reunió a un grupo de sondeo formado por niños. La pregunta no era a quién querían ver los niños en la gran pantalla, sino ¿con qué figura de acción les gustaría jugar? La respuesta fue Iron Man."

Y acertaron. El cine es el séptimo arte pero también es un negocio, sobre todo en Hollywood. Y el recién creado estudio de producción Marvel necesitaba un éxito, hacer dinero con su primera película para poder poner en marcha lo que ahora conocemos como MCU (Marvel Cinematic Universe), la franquicia de superhéroes más taquillera de la historia.

Por supuesto, cabe preguntarse qué clase de productora piensa primero en los juguetes que cree que va a vender antes de tener un buen proyecto, si bien contaban con numerosos cómics como base para crear una historia atractiva para los fans. Desde luego podría haber salido mal, muy mal, hemos visto adaptaciones de Marvel que fracasaron al dar el salto a la gran pantalla.

Y ya sabemos que Sony no quiso comprar por sólo 25 millones de dólares a todos los superhéroes que tenía Marvel en ese momento. Sin embargo, Kevin Feige tuvo la fortuna de elegir al equipo adecuado para producir 'Iron Man', empezando por Jon Favreau como director y Robert Downey Jr. como protagonista. Por cierto, ahora nos cuesta ver a otro actor en la piel de Tony Stark pero Tom Cruise tuvo el papel en sus manos.

En Espinof | Todas las películas del Universo Marvel ordenadas de peor a mejor

Ah, los clásicos del cine: obras maestras envueltas en un brumoso blanco y negro, películas de horror expresionista, dramas épicos pasadísimos de rosca, aventuras con acrobacias suicidas... y muchas de ellas perdidas irremediablemente. Debido a los materiales altamente inflamables con el que antiguamente se fabricaba la película, buena parte de los clásicos del cine mudo se perdieron en incendios.

Quizás una de las películas más conocidas de las que se perdieron, posiblemente para siempre sea 'London After Midnight' (o 'Londres después de medianoche'), una de las producciones más exitosas de Tod Browning, director de 'Drácula' y 'La parada de los monstruos' y Lon Chaney, la primera gran estrella del cine de terror. Amigos personales y pareja artística apabullante, coincidieron en muchas ocasiones en peliculas melodramáticas y excesivas como 'El trío fantástico' o 'Garras humanas'

Sin embargo, 'London After Midnight' ha adquirido cierta consideración de culto debido a que se considera completamente perdida. Las que se creen últimas copias desaparecieron en un terrible incendio en los años sesenta... y eso, obviamente, ha hecho surgir los rumores de que es una película maldita. A lo que ha contribuido, cómo no,el icónico y aterrador aspecto de Lon Chaney como el monstruo vampírico de la película.

... que en realidad, y en la onda de muchas películas de misterio de la época, esconden el secreto de alguien que se hace pasar pasar por monstruo, pero en realidad no es más que un maleante muy creativo y con delictivas intenciones. El propio Tod Browning trataría este argumento en varias ocasiones, una de ellas en el remake sonoro de 'London After Midnight', protagonizado por Bela Lugosi, 'La marca del vampiro'.

Os contamos todos estos secretos y muchos más sobre los datos que se tienen de la película, así como sobre el fenómeno del cine mudo desaparecido en incendios en nuestra nueva entrega de 'Todo es mentira en el cine y la televisión', uno de los brazos videográficos de Espinof. Hoy, con un doscientos por cien más de misterios neblinosos.

Ha llegado ese momento de la semana en el que en Espinof realizamos un repaso a las mejores ofertas de estos días sobre el mundo del cine y la televisión. El menú de esta semana incluye, entre otros, el steelbook de 'Blancanieves y los siete enanitos', la serie completa de 'V' y una hucha de 'Black Panther'. ¡Vamos allá!

• Steelbook de 'Blancanieves y los siete enanitos' en blu-ray: el primer clásico Disney con una presentación de lujo, ideal para coleccionistas: 14,95 euros

• Steelbook de 'Muerte entre las flores: una gran ocasión para que los amantes de una de las películas más laureadas de los hermanos Coen se hagan con ella en una cuidada edición en caja metálica: 9,99 euros

• 'La montaña entre nosotros' en blu-ray: a mí no me dijo gran cosa pese a su dúo protagonista, pero hay que tener en cuenta la opinión de todos y para ser un lanzamiento de hace apenas unos días ya se puede encontrar a un precio interesante: 13,99 euros

• Pack Lo Mejor de Sony en blu-ray: uno de esos recopilatorios en el que cuesta creer qué estuvo detrás de lo que ideó una selección de 20 títulos tan diferentes entre sí como 'Whiplash', 'Pesadillas', 'Money Monster', 'Angry Birds, la película' o 'Inferno': 38,39 euros

• Steelbook de 'La gran muralla': una edición exclusiva de Media Markt que actualmente puede encontrarse a un precio bastante atractivo. Si la queréis, no esperéis mucho o corréis el riesgo de que se agote: 11,99 euros

• 'V', serie completa en blu-ray: no es la mítica obra original, pero ahora que se habla de una trilogía de películas quizá haya más de uno que quiera recuperar el reboot de hace unos años: 25,29 euros

• 'Veronica Mars', serie completa en dvd: la estupenda serie protagonizada por Kristen Bell de la que, por desgracia, solamente llegaron a hacerse tres temporadas -y una película posterior-: 28,15 euros

• Pack temporadas 1-3 de 'Better Call Saul': una magnífica precuela de 'Breaking Bad' que no deja de ir más por mucho que ya sepamos cuál es el punto de llegada: 34,55 euros (si la queréis en dvd, la cosa se queda en 20,90 euros)

• 'Gran Hotel', serie completa en dvd: a mí nunca llegó a interesarme demasiado, pero no faltan los amantes de esta ficción televisiva emitida por Antena 3 a los que quizá les interese a este precio: 41,99 euros

• 'Boardwalk Empire', serie completa en blu-ray: Una de las series más aclamadas emitidas por HBO durante los últimos años, aunque luego a la hora de la verdad siempre se quedó a un paso de igualar el impacto de otras grandes obras contemporáneas: 61,75 euros (y 54,90 si la queréis en dvd)

• Hucha busto de Black Panther: para tener tus ahorros a salvo, simplemente para decorar.... ¡o ambas cosas!: 18,39 euros

• Figura Darth Vader: una divertida figura dedicada a uno de los villanos más emblemáticos de todos los tiempos: 11,29 euros

• Felpudo de Joker: igual tus vecinos empiezan a dudar de tu salud mental, pero y lo divertido que iba a ser tener esto a la entrada de tu casa...: 17,25 euros

• Figura del Doctor Zaius: un cuidado muñeco del mítico personaje de 'El planeta de los simios': 17,04 euros

• Funko Pop de Jack Skellington: no a todos los personajes le sienta igual de bien el tener un muñeco cabezón de Funko, pero en este caso creo que nadie puede dudar que le viene de fábula: 8,45 euros

Al fin se han anunciado los ganadores de los BAFTA, el equivalente a los Oscar del cine británico. La gran triunfadora de la noche ha sido 'Tres anuncios en las afueras' ('Three Billboards Outside Ebbing, Missouri'), pues la cinta dirigida por Martin McDonagh se ha hecho con cinco galardones, incluyendo el de mejor película y el de mejor película británica.

Otro paso seguro hacia el Oscar pensarán algunos, pero lo cierto es que tenemos que remontarnos hasta '12 años de esclvitud' ('12 Years a Slave') para encontrar a la última ganadora del BAFTA que luego repitió victoria en los premios de la Academia de Hollywood. Donde todo parece más claro es en las categorías interpretativas, pues es la primera vez en la historia en la que SAG, Globos de oro, Critics' Choice y BAFTA se decantan por los cuatro mismos actores.

A continuación os dejamos la lista completa de ganadores de los BAFTA 2018:

“We’re overwhelmed… this is amazing!” – watch the @3Billboards acceptance speech for Best Film #EEBAFTAs 🎬⭐️ pic.twitter.com/hxReykR7Qx

— BAFTA (@BAFTA) February 19, 2018

MEJOR PELÍCULA

• Call Me by Your Name
• El instante más oscuro (Darkest Hour)
• Dunkerque (Dunkirk)
• La forma del agua (The Shape of Water)
• Tres anuncios en las afueras (GANADORA)

MEJOR PELÍCULA BRITÁNICA

• El instante más oscuro
• The Death of Stalin
• God’s Own Country
• Lady Macbeth
• Paddington 2
• 'Tres anuncios en las afueras (GANADORA)

Watch 👀 Guillermo del Toro accepting the Director award for @shapeofwater at the #EEBAFTAs ✨ pic.twitter.com/WWacIb43aS

— BAFTA (@BAFTA) February 19, 2018

MEJOR DIRECTOR

• Denis Villeneuve, Blade Runner 2049
• Luca Guadagnino, Call Me by Your Name
• Christopher Nolan, Dunkerque
• Guillermo Del Toro, La forma del agua (GANADOR)
• Martin McDonagh, Tres anuncios en las afueras

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA

• Daniel Day-Lewis, El hilo invisible (Phantom Thread)
• Daniel Kaluuya, Déjame salir (Get Out)
• Gary Oldman, El instante más oscuro (GANADOR)
• Jamie Bell, Film Stars Don’t Die in Liverpool
• Timothée Chalamet, Call Me by Your Name

Frances McDormand praises films that “encourage a longer and broader cultural conversation” in her #EEBAFTAs Leading Actress acceptance speech 🙌 pic.twitter.com/sejswtypm4

— BAFTA (@BAFTA) February 19, 2018

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA

• Annette Bening, Film Stars Don’t Die in Liverpool
• Frances McDormand, Tres anuncios en las afueras (GANADORA)
• Margot Robbie, I, Tonya
• Sally Hawkins, La forma del agua
• Saoirse Ronan, Lady Bird

MEJOR ACTOR SECUNDARIO

• Christopher Plummer, Todo el dinero del mundo (All the Money in the World)
• Hugh Grant, Paddington 2
• Sam Rockwell, Tres anuncios en las afueras (GANADOR)
• Willem Dafoe, The Florida Project
• Woody Harrelson, Tres anuncios rn las afueras

Allison Janney (@itonyamovie) clears up “a little lie” in her #EEBAFTAs acceptance speech for Supporting Actress 🔎 pic.twitter.com/OuGk2nMdFR

— BAFTA (@BAFTA) February 19, 2018

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA

• Allison Janney, I, Tonya
• Kristin Scott Thomas, El instante más oscuro
• Laurie Metcalf, Lady Bird
• Lesley Manville, El hilo invisible
• Octavia Spencer, La forma del agua

MEJOR GUIÓN ORIGINAL

• Déjame salir
• I, Tonya
• Lady Bird
• La forma del agua
• Tres anuncios en las afueras (GANADOR)

MEJOR GUIÓN ADAPTADO

• Call Me by Your Name (GANADOR)
• The Death of Stalin
• Film Stars Don’t Die in Liverpool
• Molly’s Game
• Paddington 2

Baby Driver wins the BAFTA for Editing ✂️ #EEBAFTAs pic.twitter.com/CcY4qGtNpW

— BAFTA (@BAFTA) February 18, 2018

MEJOR MONTAJE

• Baby Driver (GANADORA)
• Blade Runner 2049
• Dunkerque
• La forma del agua
• Tres anuncios en las afueras

MEJOR PELÍCULA ANIMADA

• Coco (GANADOR)
• Loving Vincent
• My Life as a Courgette

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL

• City of Ghosts
• I Am Not Your Negro (GANADOR)
• Icarus
• An Inconvenient Sequel
• Jane

MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA

• Elle
• First They Killed My Father
• The Handmaiden (GANADORA)
• Sin amor (Loveless)
• The Salesman

MEJOR BANDA SONORA

• Blade Runner 2049
• El instante más oscuro
• Dunkerque
• El hilo invisible
• La forma del agua (GANADORA)

Congratulations to Roger Deakins, winner of Cinematography for Blade Runner 2049 👏 #EEBAFTAs pic.twitter.com/rWT7iw9gFH

— BAFTA (@BAFTA) February 19, 2018

MEJOR FOTOGRAFÍA

• Blade Runner 2049 (GANADORA)
• El instante más oscuro
• Dunkerque
• La forma del agua
• Tres anuncios en las afueras

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN

• La bella y la bestia (Beauty and the Beast)
• Blade Runner 2049
• El instante más oscuro
• Dunkerque
• La forma del agua (GANADORA)

“British Film has always been an inspiration to me, as something to admire and something to aspire to” Mark Bridges (@phantom_thread) accepts the award for Costume Design pic.twitter.com/khRpZWfzHD

— BAFTA (@BAFTA) February 19, 2018

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO

• La bella y la bestia (Beauty and the Beast)
• El instante más oscuro
• I, Tonya
• El hilo invisible (GANADORA)
• La forma del agua

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA

• Blade Runner 2049
• La hora más oscura (GANADORA)
• I, Tonya
• Victoria & Abdul
• Wonder

MEJOR SONIDO

• Baby Driver
• Blade Runner 2049
• Dunkerque (GANADORA
• La forma del agua
• Star Wars: Los últimos jedi (Star Wars: The Last Jedi)

MEJORES EFECTOS VISUALES

• Blade Runner 2049 (GANADORA)
• Dunkerque
• La forma del agua
• Star Wars: Los últimos jedi
• La guerra del planeta de los simios (War for the Planet of the Apes)

Cowboy Dave wins the award for British Short Film 🎥 #EEBAFTAs pic.twitter.com/IhB6GMlVIM

— BAFTA (@BAFTA) February 18, 2018

MEJOR CORTOMETRAJE

• Aamir
• Cowboy Dave (GANADOR)
• A Drowning Man
• Work
• Wren Boys

MEJOR CORTOMETRAJE ANIMADO

• Have Heart
• Mamoon
• Poles Apart (GANADOR)

MEJOR DEBUT

• The Ghoul
• I Am Not a Witch (GANADORA)
• Jawbone
• Kingdom of Us
• Lady Macbeth

Daniel Kaluuya makes an emotional #EERisingStar acceptance speech dedicated to his mum 💗 #EEBAFTAs pic.twitter.com/vsIlF1uWTd

— BAFTA (@BAFTA) February 19, 2018

BAFTA EE ESTRELLA ASCENDENTE

• Timothée Chalamet
• Daniel Kaluuya (GANADOR)
• Josh O'Connor
• Florence Pugh
• Tessa Thompson

Por fin tenemos detalles sobre la edición en Blu-ray y DVD de 'Star Wars: Los últimos jedi' ('Star Wars: The Last Jedi'). Tras el éxito en taquilla, las buenas críticas y la polémica reacción de una parte de los fans (indignados por las decisiones creativas que tomó el guionista y director Rian Johnson), el Episodio VIII llegará a las tiendas el próximo mes de abril.

El día 6 estará disponible en plataformas digitales y el día 18 se podrá comprar la película en DVD o Blu-ray. Por supuesto, lo más interesante es el contenido extra y es que Disney ha confirmado una lista de 14 escenas inéditas que fueron eliminadas del montaje estrenado en cines. Más abajo puedes ver los títulos de esas escenas, que nos dan pistas sobre su contenido, así como los detalles de otros extras y el tráiler del lanzamiento en formato doméstico:

• Vídeo en español:

Yo soy fan de la trilogía original de Star Wars y disfruté tanto con el Episodio VII con este Episodio VIII ('Rogue One' me gustó pero menos) así que ya he apuntado la fecha del lanzamiento en el calendario. Tenía la esperanza de que saliese a la venta un montaje extendido pero supongo que si no ha habido ninguno hasta ahora (y la película ya dura dos horas y media) la opción posiblemente ni se haya discutido. Habrá que conformarse con ver el metraje suprimido de forma aislada, sin el contexto de la película.

La edición en Blu-ray de 'Los últimos jedi' incluye dos discos (Blu-ray 2D y un disco de contenido extra), el Blu-ray 3D trae tres discos (2D, 3D y disco de extras), igual que la edición Steelbook. Disney aclara que con la compra o el alquiler de la copia digital en HD también se puede acceder al contenido extra, que llega a las 3 horas de duración total. Estos son los detalles de los extras:

• El director y los jedi: Rian Johnson invita al telespectador a un recorrido detrás de las cámaras en el que se experimenta cómo es liderar una franquicia global y un fenómeno cultural.

• El equilibrio de la Fuerza: explora la mitología de la Fuerza y su papel único en esta saga.

• Análisis de escenas: 1) Encendiendo la chispa: creando la batalla espacial - Un vistazo en detalle a la épica batalla espacial, desde los efectos de sonido y visuales que ayudan a impulsar la acción, hasta los personajes que dan vida a todo; 2) Snoke y los espejos - Los realizadores exploran el detallado proceso de captura de movimiento y creación del poderoso villano de la película; 3) Enfrentamiento en Crait - Análisis de todo lo que fue necesario para crear el impresionante mundo visto en el enfrentamiento final de la película, incluida la interacción entre ubicaciones reales y efectos visuales, la reinvención de los caminantes, el diseño de los zorros de cristal y mucho más.

• ¡Andy Serkis en directo! El guionista y director Rian Johnson presenta dos secuencias exclusivas de la película que muestran la fascinante actuación de Andy Serkis antes de transformación digital para convertirse en Snoke.

• Escenas eliminadas con comentarios opcionales del escritor/director Rian Johnson: 1) Apertura alternativa; 2) La pistola de Paige se atasca; 3) Luke tiene un momento; 4) Poe no es un gran costurero; 5) Es raro que hayas grabado eso; 6) La cuidadora habla sobre Rey; 7) Secuencia de las cuidadoras de la aldea; 8) Persecución de Fathiers extendida; 9) La incursión del Megadestructor – versión extendida; 10) Rose habla sobre el general Hux; 15) Phasma gritó como un cerdo; 12) Rose y Finn van a donde pertenecen; 13) Rey y Chewie en el Halcón; 14) Los disfraces y criaturas de Canto Bight.

• Audiocomentarios durante la película (2h 31 min 43 seg) (audio inglés)

En Espinof | Explorando a fondo 'Star Wars: Los últimos Jedi': luces y sombras del Episodio VIII de Rian Johnson

Tienen fama de ser altivos y arrogantes, de tener un carácter agrio y esquivo y de ser unas criaturas egocéntricas y algo déspotas en cuanto a su trato con los humanos se refiere pero, pese a todo esto, es muy complicado resistirse al encanto natural que desprenden los gatos.

Con motivo de la celebración del Día Internacional del Gato hemos confeccionado esta lista en la que reunimos las 13 mejores películas para todo amante de los gatos que se precie, en la que incluimos desde cine familiar hasta animación para adultos, pasando por comedias de acción e incluso por un thriller que saca el lado más oscuro de nuestros amigos peludos.

'Los Aristogatos' ('The AristoCats', 1970)

Qué mejor manera de empezar este listado que con un clásico indiscutible de la animación made in Disney como es 'Los Aristogatos', dirigida por Wolfgang Reitherman en 1970. Una cinta atemporal protagonizada por una entrañable pandilla felina compuesta por miembros de todas razas y tamaños, y coronada por una banda sonora sencillamente deliciosa.

'Oliver y su pandilla' ('Oliver & Company', 1988)

No abandonamos la animación ni el sello Disney y saltamos a 1988, año en el que George Scribner firmó 'Oliver y su pandilla'; una entrañable aventura protagonizada por un gato huérfano que se une a una banda de perros callejeros para sobrevivir en la gran ciudad y que adapta con una más que evidente libertad el clásico de Charles Dickens 'Oliver Twist'.

'Un gato en Paris' ('Une vie de chat', 2010)

Nominado al Óscar a mejor película de animación en 2011, este thriller francés, hermoso en cuanto a tratamiento visual y plástico se refiere, sigue las andanzas de Dino —un encantador gato parisino que lleva una doble vida— para recorrer los rincones más oscuros de la capital gala mientras narra una historia edificada entorno a la intriga y a su carismático protagonista.

'El gato que vino del espacio' ('The Cat from Outer Space', 1978)

En 1978 Norman Tokar firmó una propuesta tan delirante como sugiere su título. En ella, un gato extraterrestre y con poderes varios —como comunicarse con los humanos— aterriza con su nave espacial en nuestro planeta y se deja adoptar por un científico con la esperanza de que este le ayude a volver a su planeta. Por si la premisa no es suficiente motivo para echarle un ojo, la banda sonora es del mismísimo Lalo Schifrin.

'El gato con botas' ('Puss in Boots', 2011)

Después de su estelar debut en la divertida 'Shrek 2' era cuestión de tiempo que el irrepetible Gato con botas interpretado por Antonio Banderas tuviese su película en solitario. Puede que la película, dirigida por Chris Miller, no cumpliese con las expectativas puestas sobre ella, pero la impecable labor del actor malagueño como el felino espadachín la hacen más que merecedora de entrar en esta lista.

'Keanu' (2016)

Antes de que Jordan Peele arrasase con su debut en la dirección 'Déjame salir', el director, actor y guionista firmó el libreto de esta comedia de acción al más puro estilo ochentero en la que, junto a su compañero de fatigas Keegan-Michael Key, debían rescatar al adorable gatito que da título a la película de las garras de una banda de narcotraficantes. Un cóctel irresistible de carcajadas a mandíbula batiente y de onomatopeyas fruto de la ternura cada vez que el minino aparece en pantalla.

'El gato caliente' ('Fritz the Cat', 1972)

El mítico director de animación Ralph Bakshi rubricó en 1972 esta irreverente comedia para adultos basada en la tira cómica homónima de Robert Crumb. Ambientada en la década de los 60 y con un fuerte contenido satírico y sociopolítico, 'El gato caliente' lleva hasta el extremo el contenido sexual, la violencia y los hábitos poco saludables de su protagonista para dar lugar a un largometraje tan divertido como rebosante de controversia.

 'La gata en la terraza' ('Eye of the Cat', 1969)

Aunque cueste creerlo, hay gente que no le tiene ninguna estima a los gatos. Este es el caso de Wylie, protagonista de 'La gata en la terraza': un filme de terror estrenado en 1969 en el que una pareja decide perpetrar un robo en la mansión de un familiar para descubrir que está poblada por decenas de felinos que campan a sus anchas por la vivienda. Algo nada recomendable cuando sufres una fobia irracional a estos —¿adorables?— animales...

'Un gato callejero llamado Bob' ('A Street Cat Named Bob', 2016)

Basada en el best-seller 'A Street Cat Named Bob, and How he Saved my Life', este encantador relato sobre las segundas oportunidades dirigido por Roger Spottiswoode cuenta la historia real sobre cómo el músico callejero James Bowen —autor de la novela original— logró superar sus adicciones y redirigir su vida gracias a la aparición repentina de un gato. Una muestra de cómo un animal puede convertirse en un punto apoyo de valor incalculable en los peores momentos.

'Haru en el reino de los gatos' ('Neko no ongaeshi', 2002)

Qué mejor compañía que el Estudio Ghibli para sumergirnos en un mundo de ensueño habitado por gatos. En 'Haru en el reino de los gatos', la productora nipona vuelve a hacer gala de su encanto habitual para acompañar a Haru; una joven que, tras salvar a un gato de ser atropellado, descubre que este es el príncipe de un reino gatuno llamado Lure y recibe una invitación para pasar allí una temporada. Algo que, probablemente, sería un sueño hecho realidad para muchos de nosotros.

'Desayuno con diamantes' ('Breakfast at Tiffany's', 1961)

Aunque la película no gire en torno a él, no podíamos pasar por alto a uno de los gatos más icónicos de la historia del cine. Orangey —así se llamaba el felino originalmente— ganó gracias a su papel en 'Desayuno con diamantes' su segundo PATSY —un equivalente al Oscar para intérpretes animales—; un reconocimiento más que merecido al resaltar entre la nutrida iconografía popular que ha trascendido del largometraje de 1961.

'Alien: El octavo pasajero' ('Alien', 1979)

No podíamos hablar de secundarios felinos sin hacerlo del eterno Jonesy, el gato naranja de la Teniente Ellen Ripley que pululaba por la Nostromo mientras era testigo de cómo la tripulación era asesinada sin piedad por el implacable Xenomorfo. Para el recuerdo queda el fragmento que podéis ver sobre estas líneas en el que el bueno de Jones miraba en silencio cómo el alienígena daba buena cuenta de Brett.

'Kedi: Gatos de Estambul' ('Kedi', 2016)

Para cerrar la lista, nada más y nada menos que la que, probablemente, sea la obra cumbre del cine felino. Este documental, que retrata las vidas de un grupo de gatos habitantes de Estambul no sólo es una delicia a nivel audiovisual, sino que su notable narrativa describe con delicadeza y ternura la relación simbiótica entre estos cuadrúpedos y los seres humanos. Si adoras a los gatos, esta es tu película.

Por supuesto, la lista que acabáis de ver es totalmente personal y está basada en mis preferencias. ¿Qué títulos tenéis en vuestro top particular de mejores películas para amantes de los gatos?

Por fin, aquí tenemos el primer vistazo a Jonathan Pryce y Adam Driver en 'El hombre que mató a Don Quijote', la esperadísima adaptación realizada por Terry Gilliam. Desde 1998 lleva el director intentando trasladar a la gran pantalla el clásico de Cervantes y, tras un primer intento fallido, parece que esta vez lo ha logrado.

Recordemos que Gilliam comenzó a rodar su versión del Quijote en el año 2000 con Jean Rochefort y Johnny Depp como protagonistas pero el proyecto fracasó por numerosos problemas (inclemencias meteorológicas, enfermedades y líos financieros) capturados en el documental 'Lost in La Mancha'. Ahora, 18 años después, ya podemos ver la primera imagen de este gran sueño que Gilliam ha podido hacer realidad con el apoyo de Amazon Studios:

La fotografía ha aparecido en el mercado europeo del Festival de Berlín, que se está celebrando desde el pasado día 15; Amazon estrenará la película en Estados Unidos y ahora se busca la distribución en el resto del mundo. Es de suponer que pronto podremos ver más fotos y un primer tráiler. Además de Pryce y Driver, el reparto incluye a Olga Kurylenko, Joana Ribeiro, Rossy de Palma y Stellan Skasgärd, entre otros.

Antes de llegar a este elenco, Terry Gilliam contó para el proyecto con Ewan McGregor y Jack O'Connell en el papel que interpretó Depp en el año 2000, y que ahora encarna Driver; en cuanto al Quijote, tras Rochefort, Gilliam intentó poner en marcha la adaptación con Robert Duvall, John Hurt y Michael Palin, antes de que su camino se cruzase con el de Pryce. Aún no hay fecha de estreno para 'El hombre que mató a Don Quijote' ('The Man Who Killed Don Quixote') pero se cree que Gilliam podría presentarla en el certamen de Cannes (8-19 de mayo).

La historia de 'El hombre que mató a Don Quijote'

Érase una vez, Toby era un joven e idealista estudiante de cine. Su gran logro, una lírica reinterpretación de la historia de Don Quijote ambientada en un viejo y pinterosco pueblo español. Pero eso quedó atrás; actualmente, Toby es un arrogante director de anuncios publicitarios, adicto al sexo y harto de su trabajo.

El dinero y el glamur lo han estropeado, y ahora tiene que lidiar con la mujer de su jefe, una tormenta de bíblicas proporciones y su propio ego, mientras trata de terminar la grabación de un nuevo spot en España. Entonces, un misterioso gitano se le acerca con una antigua copia de su película estudiantil: Toby se emociona y decide buscar la pequeña localidad donde hizo su ópera prima hace tantos años.

Toby se horriza al comprobar que su pequeño film ha tenido un efecto terrible en el pueblo y el viejo que dio vida al Quijote se ha vuelto completamente loco, creyendo que realmente es el caballero creado por Cervantes. Una serie de acontecimientos llevan a un fuego que amenaza con destruir el pueblo. Toby es rescatado por este viejo loco, que le confunde con su leal escudero Sancho, llevándole a través del campo en una travesía para rescatar a su querida Dulcinea. Realidad y fantasía se mezclan en una extraña "road trip" que tiene un fantasmagórico final.

Cuenta la leyenda que tras el estreno de 'Tiburón' en el verano del 75, fueron muchos los que decidieron mantenerse lo más alejados posible del agua durante sus vacaciones estivales. El irrepetible largometraje de Steven Spielberg, además de aterrorizar a medio mundo con su salvaje representación del poder —y la maldad— del gran tiburón blanco, dio lugar a una serie interminable de imitadoras en una corriente que se extiende hasta nuestros días y que podríamos definir como jawsploitaition.

A continuación os proponemos un repaso a las 12 mejores películas con tiburones asesinos en las que escualos de todas las razas, formas, colores y tamaños imaginables —incluso tenemos abominables híbridos y ejemplares alterados genéticamente— deciden darse un buen banquete —o, al menos, intentarlo— a costa del grupo de humanos sufridores de turno.

'Open Water' (2003)

Dirección: Chris Kentis.

Reparto: Blanchard Ryan, Daniel Travis, Saul Stein.

El debut de Chris Kentis en la dirección fue celebrado como una de las mejores películas de tiburones desde la mítica 'Tiburón' de Steven Spielberg. No es para menos, ya que, con una austeridad narrativa de lo más efectiva y tomando como base una escalofriante historia real, el realizador norteamericano firmó un ejercicio con unos niveles de tensión completamente asfixiantes. Y es que, sabiendo cómo utilizarlos, dos personajes a la deriva en medio del océano y una amenaza subacuática pueden dar mucho de si.

'Infierno azul' ('The Shallows', 2016)

Dirección: Jaume Collet-Serra.

Reparto: Blake Lively, Óscar Jaenada, Brett Cullen, Sedona Legge, Janelle Bailey, Angelo Josue Lozano Corzo.

El realizador catalán afincado en Estados Unidos Jaume Collet-Serra dejó descansar a Liam Neeson para llevarse a Blake Lively a una playa remota de la costa mexicana y hacerla sufrir aislada en un islote mientras un gran tiburón blanco intenta merendársela. Con 'Infierno azul', Collet-Serra volvió a demostrar su buena mano para el thriller en un brillante ejercicio en el que la tensión y el sentido del espectáculo brillan con luz propia.

Crítica en Espinof

'A 47 metros' ('47 Meters Down', 2017)

Dirección: Johannes Roberts.

Reparto: Mandy Moore, Claire Holt, Chris Johnson, Yani Gellman, Santiago Segura, Matthew Modine.

Sin abandonar las aguas mexicanas, sumerjámonos junto a unas hermanas en una jaula rodeada de escualos en la descerebrada y, a su vez, autoconsciente y recomendable 'A 47 metros'. Una muestra de cómo el sadismo inherente al espectador de este tipo de producciones puede levantar una película mediocre y transformarla en un entretenimiento más que digno. 90 minutos de tortura sistemática a una sufridora pareja protagonista con algún pasaje particularmente inspirado.

Crítica en Espinof

'Deep Blue Sea' (1999)

Dirección: Renny Harlin.

Reparto: Thomas Jane, Saffron Burrows, Samuel L. Jackson, LL Cool J, Jacqueline McKenzie.

Coja un puñado de tiburones Mako y modifíquelos genéticamente aumentando así sus capacidades físicas e intelectuales, añada un reparto con nombres como Samuel L. Jackson o Thomas Jane, sazone la mezcla con tintes de thriller, ciencia ficción y slasher, y tendrá un suculento largometraje titulado 'Deep Blue Sea' con una base tan ridícula como endiabladamente divertido. Terror subacuático con un buen puñado de sobresaltos, muertes de lo más variopintas y una secuela en marcha prevista para este 2018.

Crítica en Espinof

'Bait (Carnada)' (2012)

Dirección: Kimble Rendall.

Reparto: Sharni Vinson, Xavier Samuel, Julian McMahon, Phoebe Tonkin, Cariba Heine, Alice Parkinson.

Un tsunami arrasa la costa australiana y deja atrapado a un grupo de gente dentro de un supermercado inundado... junto a un tiburón blanco. ¿La premisa no os parece lo suficientemente atractiva? Pues para darle valor añadido al asunto tenemos a Sharni Vinson —protagonista de 'Tú eres el siguiente'— liderando a una banda de supervivientes compuesta por clichés andantes que, sorprendentemente, hacen de 'Bait' un divertimento ideal para una tarde de ocio en buena compañía.

'El arrecife' ('The Reef', 2010)

Dirección: Andrew Traucki

Reparto: Adrienne Pickering, Gyton Grantley, Damian Walshe-Howling, Zoe Naylor, Kieran Darcy-Smith.

También desde Australia, 'El arrecife' nos ofrece un producto que no aporta nada nuevo al cine de tiburones asesinos, pero que logra destacar entre sus congéneres gracias a una más que notable ejecución y a una estimable gestión de la atmósfera. Sus escasos 80 minutos de metraje pasan como una divertida exhalación mientras vemos cómo sus protagonistas nadan desesperados hacia un lugar seguro huyendo de, cómo no, un gran tiburón blanco.

Crítica en Espinof

'Tiburón 3D: La presa' ('Shark Night 3D', 2011)

Dirección: David R. Ellis.

Reparto: Sara Paxton, Dustin Milligan, Chris Carmack, Joel David Moore, Katharine McPhee, Donal Logue.

Como fan incondicional de la saga 'Destino Final', no podía pasar por alto esta 'Tiburón 3D: La presa', dirigida por un David R. Ellis que, además de haber firmado la segunda y cuarta partes del peculiar slasher sin asesino, nos regaló esa cumbre del buen mal cine 'Serpientes en el avión'. En esta ocasión, el sinsentido, el caos, la muerte y la destrucción son tan absurdos que es imposible no caer rendidos a los pies de este subproducto, ni de la siempre encantadora Sara Paxton que lo protagoniza.

'Sharknado 2: El segundo (El regreso)' ('Sharknado 2: The Second One', 2014)

Dirección: Anthony C. Ferrante.

Reparto: Ian Ziering, Tara Reid, Kari Wuhrer, Vivica A. Fox, Kelly Osbourne, Andy Dick, Billy Ray Cyrus.

Podría haber seleccionado la primera y delirante 'Sharknado', la oda a la jawsploitation en clave de serie B que emitió el canal SyFy en el año 2013. No obstante, mi candidata para representar a la interminable franquicia —este año se estrenará la sexta parte— es su segunda entrega; un largometraje aún más autoconsciente, demencial, casposo y endiabladamente divertido que el original.

'Sharktopus' (2010)

Dirección: Declan O'Brien.

Reparto: Eric Roberts, Sara Malakul Lane, Kerem Bursin, Liv Boughn, Peter Nelson, Héctor Jiménez.

Continuando con la serie B selacimórfica más disparatada, no podíamos pasar de largo las muchas mutaciones que ha sufrido la especie en el séptimo arte, siendo una de sus mejores representantes esta 'Sharktopus', apadrinada nada más y nada menos que por el mismísimo Roger Corman. Un auténtico placer culpable protagonizado por Eric Roberts y por un híbrido entre tiburón y pulpo con ganas de descuartizar turistas. Tan terrible como disfrutable.

Crítica en Espinof

'Blue Water, White Death' (1971)

Dirección: Peter Gimbel, James Lipscomb.

Reparto: Tom Chapin, Phil Clarkson, Stuart Cody, Peter Lake, Peter Matthiessen.

Qué mejor que contar con material de archivo real para ser conscientes del poder y la imponente presencia de un gran tiburón blanco. Sobre todo si es tan sobrecogedor como el que Peter Gimbel y James Lipscomb lograron captar en este este espectacular documental, sobresaliente tanto a niveles audiovisuales como logísticos. Una auténtica y fascinante carta de amor a un animal al que temer, respetar y, sobre todo, admirar.

'Tiburón 2' ('Jaws 2', 1978)

Dirección: Jeannot Szwarc.

Reparto: Roy Scheider, Lorraine Gary, Murray Hamilton, Joseph Mascolo, Jeffrey Kramer, Ann Dusenberry.

Dicen que segundas partes nunca fueron buenas, pero esta de la 'Tiburón' original, pese a no estar al inalcanzable nivel de su predecesora, ofrece una propuesta continuista sin demasiado lugar para la sorpresa, pero con una irrefutable capacidad para entretener. La labor de Jeannot Szwarc a la dirección sólo es ensombrecida por un Roy Scheider con el piloto automático dando vida de nuevo a un jefe Brody que ya está curado de espanto.

'Tiburón' ('Jaws', 1975)

Dirección: Steven Spielberg

Reparto: Roy Scheider, Robert Shaw, Richard Dreyfuss, Lorraine Gary, Murray Hamilton, Carl Gottlieb, Jeffrey C. Kramer.

Como era de esperar, no podíamos dar carpetazo a esta lista sin esta auténtica obra maestra, ya no sólo del subgénero de los escualos asesinos, sino del cine de suspense en general. Poco puede añadirse a los litros de tinta vertidos sobre una joya de Steven Spielberg que, 43 años después de su estreno, sigue siendo tan perfecta como el primer día. Nunca un tiburón mecánico defectuoso consiguió ser tan terrorífico.

Crítica en Espinof

Y a vosotros, ¿qué películas os han hecho pensároslo dos veces antes de daros un baño en la playa y añadiríais a mi selección particular de mejores películas con tiburones asesinos?

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